jueves, 31 de agosto de 2017

La Canción del Día: Rag Doll

Dentro de la carrera de Aerosmith existió un disco que redefinió por completo el sonido de la banda y que supuso el regreso de los buenos tiempos para el quinteto de Boston, el cual había vivido momentos seriamente comprometidos para la estabilidad de la banda, como la marcha de Joe Perry y Brad Whitford, quienes poco tiempo después volvieron a unirse a sus viejos compañeros. Este álbum fue "Permanent Vacation", un LP que hoy cumple la friolera de 30 añazos. Llama la atención lo actual que sigue sonando. En este podemos disfrutar de composiciones muy variadas como "St. John", "Hagman Jury", "Dude (Looks Like A Lady)", "Angel", "The Movie" o también "Rag Doll", tema que disfrutaremos en el día de hoy ;) 

Feliz Jueves!!!

miércoles, 30 de agosto de 2017

La Canción del Día: Sheer Heart Attack

¡Nunca viene mal una buena dosis de Queen!

Para este caluroso miércoles tenemos preparado un "Sheer Heart Attack" de este adorado cuarteto británico. Esta canción estuvo incluida en "News Of The World" y podría considerarse una de las canciones más aceleradas que nos dejó "la reina". 

Feliz Miércoles!!

¡Metallica lanzará la remasterización de "Master Of Puppets" en noviembre!

Fieles a su palabra, Metallica ha confirmado la salida de una jugosa remasterización de “Master Of Puppets” programada para el próximo 10 de noviembre. Decimos jugosa porque, además de poder disfrutar de las canciones que compusieron este legendario álbum con un sonido completamente renovado, se incluirán rarezas nunca antes vistas y escuchadas como conciertos (en CD y DVD), demos, entrevistas y dos covers nunca antes escuchados del “The Prince” (Diamond Head) y "The Money Will Roll Right In” (Fang).  

Puedes consultar todos los detalles de este nuevo lanzamiento, así como reservarlo, haciendo click AQUÍ



The Beatles - Rubber Soul (1965)

Calificación:
Corría el año 1965. Por aquellos tiempos, cualquier mortal con dos oídos y una radio que no conociera a los Beatles era “un bicho raro”. Y es que el cuarteto de Liverpool ya se había consolidado como un fenómeno de masas, como una banda de moda que cautivaba con su música y su sonido, con cuatro jóvenes que revolucionarían por los siglos de los siglos la música. Como el Rey Midas, todo lo que los Beatles publicaban no tardaba de transformarse en un éxito (todos los discos que habían lanzado hasta la fecha habían alcanzado el primer puesto en las listas británicas).

Si uno se para a escuchar cronológicamente los discos comprendidos entre “Please Please Me” (1963) y “Help!” (1965) puede percibir una evolución del sonido de la banda, en favor de composiciones cada vez más elaboradas, aunque sin perder la esencia Beatle.

Cuando Paul, John, Ringo y George decidieron entrar en el estudio pocas semanas después de publicar “Help!”, todos fueron conscientes de que, en los tres años de fama mundial que llevaban a sus espaldas, habían acumulado mucha experiencia y técnica, por lo que el siguiente disco debería mostrar a una banda más madura y valiente. Lennon afirmó tiempo después que en aquel momento de su carrera “nos estábamos volviendo mejores, técnica y musicalmente, eso era todo. Por fin fuimos capaces de dominar el estudio. Al principio, hacíamos lo que se nos decía: ni siquiera sabíamos cómo subir el bajo. Aprendimos las técnicas en Rubber Soul. Fuimos más precisos sobre cómo grabar un disco. Y lo controlamos todo, hasta la portada”.

A la hora de elegir el momento de mayor riqueza y variedad compositiva por parte de los Beatles la crítica suele hablar siempre de “Revolver” y, un peldaño por encima, del “Sgt. Pepper”. Cierto es que ambos discos muestran el lado más progresivo del cuarteto, pero no se debe olvidar jamás la riqueza musical y compositiva de “Rubber Soul”, disco que analizo en esta reseña, y la influencia de este sobre los dos álbumes que nombré anteriormente. De hecho, me atrevería a decir que de no ser por el “soul de caucho” jamás habríamos disfrutado del “revólver” y del “sargento pimienta” y su “club de los corazones rotos”.

La portada de “Rubber Soul” es uno de los primeros detalles que mostraban a una banda diferente. Las corbatas y los trajes habían cedido su lugar a una ropa más callejera, los peinados no estaban tan cuidados como antes, el logo de la banda no aparecía por ningún lado y la llamativa tipografía título del disco (siempre me ha recordado al que años después usaría Black Sabbath para su “Master Of Reality”), que parece más propia de una banda de Rock Progresivo que de los Beatles, fueron algunos de los primeros indicios de que algo había cambiado.

“Drive My Car” abre el disco con una buena fusión de soul y Rock británico. Compuesta principalmente por Paul, aunque el Riff principal es de George y parte de la letra de Lennon, es un tema en el que brillan fundamentalmente las voces conjuntas de Paul y John, aunque los arreglos de piano, también cosa de McCartney, y la contundente percusión de Ringo, también merecen ser resaltados. Una letra cargada de doble sentido, mezclando el mundo automovilístico con claros guiños al sexo (como hizo Megadeth con “The Mechanix”), mostraba a una banda que, pese a su evolución, no  había olvidado de cómo llamar la atención y grabar grandes temas que quedarían para la historia

Con influencias llamativas del folk americano y de Bob Dylan, una fuente de inspiración para tantos artistas de la época, Lennon compuso “Norwegian Wood”, una canción muy elegante y dulce, capaz de transportarte a paraísos desconocidos para el ojo humano. La aportación del sitar por parte de George Harrison, según cuentan muchos medios especializados, fue la primera aparición de este instrumento en un disco de Rock. Es una canción poco conocida pero que a mí siempre me logra enganchar. La letra, pese a la dulzura del sonido, cuenta la historia de un hombre que conoce a una joven, quien le invita a pasar la noche en su casa de madera. Cuando el protagonista despierta se encuentra con que la chica se ha marchado y el opta por prender la casa en señal de venganza (esta última idea se le ocurrió a Paul).  

 “You Won’t See Me” tiene un sabor más popero, pero del de calidad. Esta composición de Paul, también encargado de cantar, también cuenta con unos coros sublimes de John y George.  En “Nowhere Man”, creada por Lennon, destacan las armonías vocales, pausadas y muy elaboradas, así como el pequeño intermedio de guitarra muy relajante.
   
“Think For Yourself” no presenta nada nuevo en el sonido de los Beatles, exceptuando la distorsión, o “fuzz”, del bajo de Paul. Esta es una de las dos composiciones de Harrison que pueden escucharse en todo el LP. Disfrutable canción, todo sea dicho.

Me encanta “The Word”, uno de los temas más trabajados del disco. Esta composición conjunta de John y Paul tiene claras influencias psicodélicas en el Rock que se desarrolla en sus casi 3 minutos de duración. Buenos Riffs y punteos, unos versos repetitivos pero extremadamente pegadizos, buenos arreglos de piano y una letra que habla de amor desde un punto de vista casi religioso, algo novedoso y atractivo. 

Cerramos la cara A con la clásica “Michelle” (¡qué preciosidad!), una balada acústica de temática romántica. McCartney canta especialmente bien esta canción, sacando su lado más dulce y bonachón. Cuenta la leyenda que Paul y Lennon querían parodiar con esta canción algunas composiciones románticas francesas, y hay que reconocerles que tiene cierto sabor europeo. Algo que se sabe a ciencia cierta es que solamente un mes después de publicarse el álbum, comenzaron a lanzarse versiones grabadas por otros artistas de diferentes países que obtuvieron gran fama, como fue el caso de The Overlanders.

“What Goes On”, compuesta en su mayoría por Lennon, aunque también recibió serios retoques por parte de Paul y Ringo, es la única de todo el LP por este último. El batería hace una buena labor cantando este curioso tema más orientado hacia la música Country. Podría ser la canción más floja  de todo el conjunto, pero no deja de sonar aceptable.

Siempre he sido gran admirador de las voces de Paul y John, por lo que “Girl” siempre es para mí sinónimo de disfrute. Lennon toma el rol de cantante principal, mientras que Paul y Ringo hacen unos cómicos coros en los que continuamente repiten la palabra “tit” (teta). Otro aspecto llamativo que ha generado división de opiniones es la respiración de John en muchos momentos de la canción. ¿Simula una calada de un porro? ¿es un suspiro de amor?...se aceptan opiniones y/o más propuestas.   
  
Con “I’m Looking Through You” el cuarteto vuelve a fusionar el Rock y el Country de una manera muy acertada. Paul, compositor de este tema, se luce con el micrófono, cuajando una actuación soberbia. Buena actuación de la que pueden rescatarse también los punteos de guitarra que aparecen durante diferentes momentos del tema.

 “In My Life” es otro clásico de los Beatles. Esta pequeña joyita fue compuesta por Lennon y McCartney, quienes cantarán de manera muy sentida la elaborada letra de esta canción. El solo de piano barroco fue grabado por George Martin, histórico mánager de la banda.  

Aunque fue descartada de “Help” por diversos motivos,  Wait” no desentona con lo que puede escucharse en “Rubber Soul”. Una canción acelerada, rockera y disfrutable, que nos anticipa la llegada de “If I Needed Someone”, la segunda composición de George Harrison. Esta nueva entrega mantiene el sonido característico de los de Liverpool y del Rock Británico. No descubre nada nuevo, pero garantiza dos minutos y medio de buen nivel musical.

La encargada de cerrar el disco es la reconocida “Run For Your Life”, otra imprescindible de la dinastía “beatleliana”. Rock americano pegadizo y bailable. Curiosamente Lennon, compositor de la canción, quedó descontento con esta canción.  Los punteos de guitarra son de lo más apreciable de este último corte de “Rubber Soul”.

Podría decirse que esta fue la verdadera primera gran obra. “Rubber Soul”, además del esperado éxito que tuvo (repitió número 1 por varios países y vendió más de 3 millones de copias en poco tiempo ), dio inicio a la etapa madura, y más brillante, de esta entrañable banda. Pronto vendrían, entre otros, “Revolver”, “Sgt. Pepper”, mis endiosados “White Album” y “Abbie Road”, además del gran final que fue “Let It Be”.


En un primer momento no sabía si ponerle el 10 a este discazo, puesto que “Abbey Road” y el “White Album” ocupan un puesto preferente en mi corazón de cuero, pero si no lo hago creo que sería injusto y hasta una profanación para una banda que hizo del Rock un sinónimo de cultura, además de influir en todo lo que vendría después. Máxima puntuación para “Rubber Soul”, por su calidad y por su trascendencia.

martes, 29 de agosto de 2017

La Canción del Día: Rock Or Bust

Seguimos sorprendidos y alegres con el inesperado regreso de Brian Johnson (AC/DC) a los escenarios tras pasar más de un año de calvario por culpa de una grave lesión en uno de sus oídos, lo que le llevó a abandonar a la histórica banda australiana en plena gira americana. Fue en la noche del pasado domingo cuando el veterano cantante se colocó su boina y aceptó la oferta de Muse para subirse al escenario del laureado festival de Reading para interpretar "Back In Black" y demostrar que sigue en plena forma. 

Hoy sonará por estos lares algo de AC/DC para reivindicar la importancia de Brian y su aportación fundamental en sus más de 36 años de servicio a la banda australiana. Ojalá Angus haya mantenido el contacto con Brian y, si ha visto la aparición de este en Reading, haya optado por contactar con él para una posible reunión de la banda, o de lo que queda de ella. "Rock Or Bust", tema que dio nombre a su último LP, suena en el Blog reivindicando lo que hemos dicho, así como la filosofía de vida que plantea esta canción (¡rockea o revienta!) 

Feliz Martes!!!



lunes, 28 de agosto de 2017

¡BRIAN JOHNSON actuó junto a Muse en el Reading Festival!

¡QUÉ SORPRESA!

El momento más sorprendente de esta edición del Reading Festival sucedió al final de la actuación de Muse, cuando desvelaron quién era su invitado especial de la noche para interpretar un himno del Rock. El público enloqueció al ver que se trataba de BRIAN JOHNSON, voz de AC/DC desde 1980 y que el año pasado se vio obligado a alejarse temporalmente del Rock tras una lesión de extrema gravedad en el oído. Brian se unió a Muse para interpretar una agresiva versión de "Back In Black" que puso patas arribas al festival, finalizando en una gran ovación para el veterano cantante. 

¿Supondrá esto el regreso de Brian a los escenarios? ¿habrá hablado con Angus sobre un posible regreso de AC/DC?

Pase lo que pase, este momentazo no nos lo quitará nadie. 

Aquí hay un pequeño fragmento oficial subido por el festival:





Y por aquí un vídeo grabado por un fan:



La Canción del Día: For The Greater Good Of God

Iron Maiden publicó hace 11 años el recomendable "A Matter Of Life And Death" (¡vaya portada!"), un disco más melódico y oscuro de lo común en los álbumes de "la doncella", tratando en varias de sus canciones una temática tan interesante y jugosa, aunque también violenta, de la guerra, un recurso bastante empleado por Maiden. Una de esas canciones fue "For The Greater Good Of God", espectacular canción que suena hoy en el Blog, y que cuenta con una actuación estelar de Bruce Dickinson. 

Feliz Lunes!!!

Así fueron los ensayos de Metallica y Lady Gaga para la gala de los Grammy

Metallica ha compartido en su canal de You Tube los ensayos de la famosa actuación que dieron en la gala de los premios Grammy junto a la famosa estrella del Pop Lady Gaga, en la que puede verse al cuarteto preparando con la cantante "Moth Into Flame", así como la buena química existente entre ambos bandos. Aunque la actuación estuvo marcada por el fallo de micrófono que sufrió James Hetfield, este pequeño material muestra con mayor exactitud lo que estaba planeado que ocurriera en la actuación. 

Dentro vídeo: 



Hace unos meses también circuló un vídeo del ensayo final que realizó la banda en el escenario de los Grammy en el que el micrófono de James funcionó correctamente:



domingo, 27 de agosto de 2017

La Canción del Día: Working Man

Aunque tristemente sus grandes álbumes y temas parecen haber sido algo olvidadas por la mayoría de los rockeros, Rush es una de las bandas más importantes del género, así como probablemente la mejor que ha nacido en Canadá (¡casi nada!). Alex Lifeson, su guitarrista (todo un maestro de las 6 cuerdas), cumple hoy 64 añazos y queremos celebrarlo con "Working Man" ("Rush"), un tema que cuenta con espectaculares momentos instrumentales entre los cuales podremos disfrutar de una exhibición guitarrera de Lifeson, aunque siempre se puede disfrutar también de la técnica al bajo de Geddy Lee y los efectivos baquetazos de Neil Peart.

Feliz Domingo!!!!





Anthrax - Chile On Hell (2014)

Calificación:
Parece que la edad sienta fantástica a Anthrax, una banda legendaria del Thrash Metal que creo que poca presentación debo hacer a estas alturas. Prueba de ello es el material que traigo en esta reseña.

Una carrera llena de álbumes de culto como “Spreading The Desease”, “Among The Living”, “Persistence Of Time” o “State Of Euphoria”, así como otros más modernos que muestran un gran nivel como “Worship Music” o el más reciente “For All Kings”, nominaciones a los premios Grammy, buenos EPs y todo…todo eso tenía que ser celebrado con un concierto a la altura con el que los 30 años de Anthrax fueran celebrados como solamente ellos saben hacer.

“Chile On Hell” es más que un show en vivo de Anthrax. Este espectáculo muestra a una banda curtida en miles de escenarios que ha sobrevivido al paso del tiempo perfectamente y que funciona como una máquina perfecta. A los cuatro miembros casi originales se les ha unido Jonathan Donais, un guitarrista como la copa de un pino que, como ha ocurrido con la incorporación de Kiko Loureiro a Megadeth, ha supuesto una bomba de oxígeno y de calidad para estos americanos tan queridos.

Además, si bien Anthrax es garantía de ofrecer grandes actuaciones, también influye mucho en la calidad de este material el lugar donde el show fue grabado. Y es que Latinoamérica indiscutiblemente tiene al público más pasional de este planeta. La hinchada que abarrotó el Teatro Caupolicán el 10 de mayo de 2013 se dejó la voz y el alma durante todo el recital del quinteto, sin tomarse un solo respiro desde el inicio.

Pese a que por aquellos tiempos la banda americana estaba interpretando de manera íntegra su glorioso “Among The Living”, para esta ocasión tan especial descartaron los últimos temas de dicho LP en favor de incluir un mayor número de clásicos, covers y algún tema más actual.

Desde la explosiva apertura con “Among The Living” en la que el Caupolicán se tiñe del rojo de las bengalas del público chileno nos damos cuenta de que estamos ante un gran directo. Impecable Belladonna con el micrófono, así como los coros del tándem Ian-Bello.

Además de pertenecer al “Among”, un concierto de Anthrax no es lo mismo sin la imperecedera “Caught In A Mosh”, un clásico en la discografía de estos reyes que termina de poner patas arriba a la audiencia chilena con una actuación estelar de la banda. Tras un intento por parte de Belladonna de decir en castellano “muchas gracias”, no tardará en sonar la machacona “I Am The Law” y su sangrante crítica al abuso de poder y al servicio militar

Durante todo el concierto se intercalan una serie de pequeños vídeos con los que la banda cuenta brevemente lo que ha acontecido en sus últimos tiempos. Aparecerán fragmentos de entrevistas a los miembros de la banda hablando sobre el show en Chile, la celebración del 30 aniversario o la grabación de “Worship Music”, así como declaraciones de grandes amigos de la banda como Phil Anselmo, David Ellefson o Mike Portnoy.

Dos temas como  “Efilnikufesin” y “A Skeleton In The Closet”, dos temazos del ATL que ponen de manifiesto una vez el poder que estas leyendas tienen en vivo. El público corea cada estribillo del primero de los dos temas, llegando incluso a alargar la introducción del tema. “A Skeleton” suena asombrosamente bien, con una coordinación del cuarteto instrumental, especialmente de Donais e Ian, bestial.

En el catálogo de covers que aparecen en el show podremos disfrutar de una versión de “March Of The S.O.D” de los Stormtroopers of Death, banda en la que estuvieron involucrados Scott y Benante,  así como del “T.N.T” de AC/DC, la banda preferida de Scott Ian. Ambos suenan realmente bien, quedándome personalmente con la versión que hacen del clásico de los australianos, logrando hacer vibrar a todo el teatro con el contundente, y famoso, estribillo. 

Uno de los momentos más emotivos del show llega con “In The End”, del reciente “Worship Music”,canción que Anthrax dedica a la memoria de sus íntimos amigos Ronnie James Dio, probablemente la voz más grande del Heavy metal, y al bueno de Dimebag Darrell, apareciendo dos retratos de ambos sobre el escenario.

“I’m Alive” y la enérgica “Fight ‘Em ‘Til You Can’t” (mi preferida de “Worship Music”) son los otros dos cortes de su último lanzamiento hasta aquel momento, presentes en el concierto. Ambos suenan a un altísimo nivel de calidad, aunque es el segundo el que causa una mayor y mejor recepción.

Si tuviera que elegir de todo el concierto  un solo tema como “el mejor de aquella noche”, sin duda me quedaría con “Indians”, que es además mi tema preferido de Anthrax, tanto por su letra como por su instrumentación. El quinteto destruye a la fanaticada chilena con una ejecución impecable de Thrash Metal desafiante y directo. Como no podía ser de otra forma, no faltará el mítico “Wardance” intermedio con el que gran parte del público comienza a girar con bengalas en la mano, ofreciendo momentos de mucha emoción y adrenalina.

Con Chile sometido al poder de los americanos se inicia la eléctrica “Medusa” (¿necesita presentaciones?) en la que los coros de Ian y Bello vuelven a acompañar a un siempre  cumplidor Belladonna. También puede destacarse la interpretación de toda la banda en “In My World”, uno de mis temas predilectos de aquel gigantesco “Persistence Of Time”.



Tras un vibrante solo de Charlie Benante, y el correspondiente “I’m The Man” llega otro momento emotivo de la noche. En una versión acortada de “Raining Blood”, Anthrax rinde un pequeño tributo al fallecido guitarrista de Slayer Jeff Hanneman.

“Madhouse” (otro tema que no necesita presentaciones), que es iniciada con un guiño a “The Ripper” (Judas Priest), suena monumental, con un Belladonna que canta mientras registra lo que vive con una pequeña cámara.  Chile, ciertamente, parece un manicomio a estas alturas del show.

Como colofón final, el quinteto cierra el show con “Antisocial”, el famoso tema de los franceses Trust que Anthrax hizo suyo allá por 1989 con una versión que quedó registrada para la historia en el gran “State Of Euphoria”.

Despedidos como dioses, entre gritos y “olés”, la banda dedica unas pequeñas palabras a los asistentes y abandona el recinto por todo lo alto.

Sin duda este “Chile On Hell”  es un material que todo fan de la banda debe detenerse a disfrutar. Las dos horas de show se pasan volando mientras estos americanos se desgastan poco a poco repasando su amplia trayectoria. No iba a ponerle nota, pero creo que es justo ponerle un 9 (4,5 cuernos) a este asombroso material en vivo firmado por Anthrax.   

¡Se disparan rumores sobre un nuevo proyecto entre Geddy Lee y Alex Lifeson!

¡Ojo con los rumores que han surgido esta misma semana!

Eddie Trunk, uno de los periodistas de Rock más laureados del mundo, ha levantado nuevos rumores acerca de un posible nuevo proyecto en el que estarían trabajando Alex Lifeson y Geddy Lee, guitarrista y bajista de Rush respectivamente. Neil Peart, batería de Rush, ha decidido poner punto y final a su carrera debido a la tendinitis crónica que le fue diagnosticada hace un par de años. Esta jubilación trajo consigo el final definitivo de Rush como banda, o al menos en lo que a giras se refiere. Según Trunk “Peart no tiene ni una batería en su casa”, un dato que dejaría claro que no participaría en el supuesto proyecto que sus dos compañeros de banda están maquinando.

Leelifeson sería el posible nombre que tendría el proyecto que Geddy y Alex estarían preparando. Trunk aseguró que “Geddy me dijo que tiene muchas ganas, incluso me comentó que había cambiado la dieta para mejorar su voz y que quería seguir haciendo música”.

La idea habría sido propuesta por Geddy. Eddie afirmó que Alex “está al cincuenta por ciento de aceptar la oferta de Geddy. Han hablado de montar algo llamado LeeLifeson, ambos saldrían a tocar juntos”

No obstante, Trunk asegura que “jamás se llamarían Rush, nunca harían algo así, quizás tocarán cosas de Rush y harán música nueva, porque ellos desean continuar creando”.


Ojalá se confirmen los rumores y podamos disfrutar de algo nuevo de dos de los componentes de la  banda más grande que ha dado Canadá.

sábado, 26 de agosto de 2017

La Canción del Día: The Heart From Your Hate

La expectación ha comenzado a crecer desde que Trivium anunció nuevo disco y lanzó "The Sin And The Sentence", sencillo que da nombre al LP y que causó críticas extremadamente positivas por parte de la fanaticada metalera. Hace dos días, la banda americana publicó "The Heart From Your Heart", segundo single del álbum que hoy sonará por el Blog. Tiene un sonido algo más lento que su predecesora, aunque también logra sacarnos una sonrisa. 

Feliz Sábado!!




Trivium lanzará nuevo disco en octubre

Tras haber lanzado este verano dos exitosos singles, Trivium ha confirmado la salida de su nuevo álbum, "The Sin And The Sentence", programada para próximo  20 de octubre (Roadrunner)

En menos de un mes, el sencillo de “The Sin And The Sentence” ha acumulado más de un millón y medio de visitas, todo un récord para estos americanos. El pasado jueves 24 de agosto salió “The Heat From Your Hate”, segundo adelanto de su nuevo LP. Puedes escuchar ambas canciones a continuación:





Tracklist de "The Sin And The Sentence":
01. The Sin And The Sentence
02. Beyond Oblivion
03. Other Worlds
04. The Heart From Your Hate
05. Betrayer
06. The Wretchedness Inside
07. Endless Night
08. Sever The Hand
09. Beauty In The Sorrow
10. The Revanchist

11. Thrown Into The Fire

viernes, 25 de agosto de 2017

La Canción del Día: Victim Of Changes

¡Qué gran día para el Metal!

Rob Halford, "The Metal God", una de las voces más grandes del Heavy Metal (considerado por muchos directamente como la voz del género), cumple 66 veranos bastante bien llevados y nosotros, como enormes fans de los Judas Priest y de Halford, celebramos en el Blog este día con la espectacular "Victim Of Changes", uno de los primeros temazos que nos dieron los Judas en ese imprescindible álbum titulado "Sad Wings Of Destiny". Es en este tema donde podremos disfrutar de uno de los gritos más demoledores de Rob, un experto en esta materia. 

Feliz cumple leyenda! Feliz viernes a todos!!

jueves, 24 de agosto de 2017

La Canción del Día: The Sky Is A Neighborhood

Foo Fighters fueron noticia ayer por la sorpresiva publicación de un segundo adelanto de lo que será "Concrete Gold", su nuevo, y esperado, disco de estudio. "The Sky Is A Neighborhood" es el título de este nuevo single que mezcla el Hard Rock con arreglos más alternativos que lo hacen un tema de lo más interesante.

Feliz Jueves!!

The Who - My Generation (1965)

Calificación:
La década de los 60s en Inglaterra, más concretamente a partir de sus mediados, estuvo marcada, entre otras cosas, por el nacimiento de una nueva generación de jóvenes desinquietos, hedonistas y disconformes con la sociedad que en las que les había tocado vivir. Estos fueron bautizados como los mods. Fue en este contexto donde surgieron bandas que pusieron banda sonora a aquellos intrépidos jóvenes. The Who, una banda formada en 1964 por 4 muchachos británicos, comenzó a despertar la atención entre toda la juventud británica de la época. Digamos que surgió una especie de beneficio mutuo entre los mods y The Who. Por un lado, los mods descubrieron en los Who una banda que, en varias de sus canciones, manifestaban unos ideales de vida que encajaban perfectamente con su ideología. Por otra parte, los Who encontraron un público fiel y que les iba a acompañar durante toda su carrera.    

Fue el 3 de diciembre de 1965 cuando el primer disco de la banda, llamado “My Generation” salió a la venta. Este lanzamiento había despertado previamente gran expectación gracias al considerable éxito del single de “My Generation”. Este bombazo de popularidad se debió, en gran parte, a su machacona letra, un aspecto que posteriormente analizaré con más atención. Los IBC Studios de Londres fueron el santuario donde este gran LP se engendró poco a poco. En abril de 1966 el sello Decca volvió a reeditar el álbum bajo el título de “The Who Sings My Generation”, cambiando la portada y un par de canciones, pero yo me ceñiré a reseñar el disco en su versión original, que es además la que ha perdurado en el tiempo.

Nos tenían que dar la bienvenida por todo lo alto y así lo hicieron. “Out In The Street” fusiona correctamente la estética musical Mod con el Rock en su vertiente más clásica. La voz de Daltrey se muestra retadora, acorde con su actitud por aquellos tiempos. Los baquetazos de Moon tampoco se quedarán atrás, firmando una gran actuación el legendario batería tristemente fallecido a una edad demasiado temprana.

El segundo movimiento de ficha por parte de la banda consta de un impresionante cover del “I Don’t Mind” del  enérgico James Brown. Daltrey vuelve a lucirse con el micrófono, mientras que la banda se orienta mucho más hacia el Rhythm & Blues. Muy disfrutables los punteos que Townshend va añadiendo durante el transcurso de la canción.

“The Goods Gone” es un tema que no sorprende, pero que tiene mucho gancho tanto por la apagada manera cantar de Roger, como por la instrumentación Mod. No sería un clásico, pero tampoco un fracaso dentro del amplio cancionero del cuarteto.

Tal vez la dupla conformada por “La La La Lies” y “Much To Much” (esta segunda tiene cierto parecido a “Substitute”) sea la más comercial y popera de todo el LP, con una estructura facilona y dirigida a ganas más adeptos en el mercado, cosa que tristemente no lograron pese al buen sonido de ambas. Esta pareja nos prepara el cuerpo para una buena dosis de buen Rock a partir de un himno…

La historia del Rock, sus orígenes y su desarrollo tienen un punto en común…el “My Generation” de The Who, un himno generacional para los mods y para una sociedad británica cuya juventud comenzaba a romper con los tradicionalismos sociales predicando la diversión y la libertad como leyes fundamentales. Ya había sido editada como single con anterioridad causando un gran revuelo comercial que los catapultó al puesto número 2 en la lista británica de éxitos. Todo es perfecto en la canción. La salvaje actitud del trío de músicos, con una de las pistas de bajo más grandes que se han hecho (mucha atención a la parte solista), obra de John “Thunderfingers” Entwistle, se complementaba con la original forma de cantar de Roger Daltrey, tartamudeando los versos como si estuviera poseído por los efectos de las drogas. Es aquí donde se encuentra la famosa frase “I Hope I Die Before I Get Old” (“Espero morirme antes de envejecer”),  que ha acompañado siempre a esta banda y que suponía una clara declaración de sus intenciones y su ideología, muy acorde con el pensamiento mod, un aspecto que explica por qué el single de este tema se vendió como churros. Nadie puede negar que esta canción influyó en el nacimiento del Hard-Rock y del Heavy Metal.

Sin tiempo para tomar un respiro tras lo que acabamos de disfrutar, se inicia “The Kids Are Alright”, otro de los grandes clásicos de The Who. Esta vez no es el Rock duro el que impera, sino las melodías y la suavidad de la guitarra de Pete, la medida de los tiempos de Moon, además de permitirse momentos de mayor creatividad y velocidad con las baquetas, y la solidez de John. Las armonías vocales son un aspecto muy destacable en este imprescindible corte. Una canción que todo seguidor de los Who debería conocer.

El segundo cover de James Brown se produce con la llegada de “Please, Please, Please”, una versión, como sucedió con la primera, bastante acertada, y que cuenta con un recomendable solo de Pete Townshend.

¿Quién puede resistirse a los baquetazos de Moon en “It’s Not True”? Buena apuesta de los Who al combinar el Rock con algo de Pop más pegadizo. Una canción sencilla pero cargada de optimismo y buen rollo.   

El blues también influyó mucho en el sonido de The Who, cosa que queda demostrada con la eléctrica versión que se marcan del gran “I’m A Man” del mítico Bo Diddley. El intermedio instrumental es muy cambiante, con una presencia fundamental del piano de Nicky Hopkins, y que termina dando la sensación en muchos momentos en que se trata más de una improvisación que de un tributo a Diddley.  Este es uno de mis momentos preferidos del LP.

Llegando casi al final es el turno de que Pete Townshend nos regale la primera de muchas canciones en las que sería él quien cantaría. “A Legal Matter” es una pista rockera, muy en la onda de los Rolling Stones y en la que Pete cumple bastante bien con su cometido. 

La fiesta finaliza con la explosiva “The Ox”, una jam completamente instrumental acreditada a John Entwistle (de hecho posteriormente se le terminó apodando “The Ox”), a Keith Moon, quien ofrecerá una auténtica exhibición en la batería, demostrando una vez más por qué es uno de los más grandes rompeparches de la historia, a Pete Townshend y al pianista Nicky Hopkins, quien también hace grandes aportes a la canción.  Un cierre por todo lo alto para un gran disco.

El esfuerzo del cuarteto se vio recompensado con el puesto número 5 en la lista de ventas británicas (UK NME Chart Albums) y una gran acogida de todos los sencillos que editaron para promocionar su debut.

Con este “My Generation” los Who daban su primer paso firme en el negocio del Rock, lugar donde año tras año irían consolidando su fama y su nombre hasta llegar a convertirse en una de las bandas más importantes e influyentes de la historia del Rock británico. Pronto llegaría otro disco imprescindible como “A Quick One”, disco que demostró que la calidad de su debut no fue un golpe de suerte. Sin duda, este primer LP de The Who es merecedor de 4 estrellas. Le pondría más nota, pero creo que eso está solamente al alcance de las dos obras conceptuales (“Tommy” y “Quadrophenia”), así como del “Who’s Next” y su directo en Leeds. 

miércoles, 23 de agosto de 2017

¡Foo Fighters lanza nuevo tema!

Los Foo Fighters han presentado un nuevo adelanto de “Concrete & Gold” (a la venta el 15 de septiembre). “The Sky Is A Neighborhood”, tema que ya había sido estrenado durante la gira mundial de la banda en formato acústico, ha visto hoy la luz junto a un peculiar videoclip que fue dirigido por el propio Dave Grohl y que lo protagonizan sus dos hijas, Violet y Harper. De la música podemos destacar, basándonos en las primeras escuchas, la calidad de los arreglos que han introducido en la canción, orientándolo hacia una composición más alternativa. Además, en los coros puede escucharse la voz femenina de Alison Mosshart, cantante de The Kills.

La Canción del Día: Solid Gold

Tras anunciar nuevo disco, "Pinewood Smile", y lanzar un primer single titulado "All The Pretty Girls", The Darkness ha vuelto a ser noticia tras publicar un segundo adelanto de su nuevo LP, que lleva el título de "Solid Gold" y que suena muy similar al sonido de AC/DC, una influencia más que reconocida para esta banda británica tan conocida. Hoy podremos disfrutar de esta novedad por el Blog.

Feliz Miércoles!

Foo Fighters recuerdan a Chris Cornell en directo

De nuevo, Foo Fighters es noticia por un buen gesto que han tenido. En esta ocasión, la banda liderada por Dave Grohl rindió un sentido homenaje en vivo a Chris Cornell, cantante de Soundgarden y Audioslave fallecido este año. Durante su concierto en Japón,  la batería de Taylor Hawkins lució una imagen del artista. Fueron muchos los lazos de amistad  que unieron a Cornell con los miembros de los Foo, especialmente con Grohl. Ambos, uno con Soundgarden y otro con Nirvana, revolucionaron el Rock en la década de los 90s, dando inicio al Grunge.    

La viuda del cantante, Vicky Cornell, compartió una imagen de la batería con un mensaje en el que agradecía a Foo Fighters el homenaje que rindieron a su marido.  




martes, 22 de agosto de 2017

La Canción del Día: Rooster

En el día en que Layne Staley la mítica voz de Alice In Chains, hubiera cumplido medio siglo de vida, queremos recordarle con "Rooster", una de las mejores canciones que nos dejó este trascendental conjunto durante su etapa de mayor gloria. En la letra, escrita por el guitarrista Jerry Cantrell, se hace alusión de un modo algo exagerado a la casi inmortalidad del padre de este músico, quien batalló en la Guerra de Vietnam, sobreviviendo a batallas realmente sangrientas, lo que hizo que recibiera el apodo del "gallo" (de ahí lo de "Rooster). La voz de Layne en este tema es de otro planeta. Se le echa mucho en falta, así como a Kurt Cobain y al más reciente fallecido Chris Cornell, tres de las voces que hicieron grande al Grunge. 

Feliz Martes!!!

¡Anthrax lanza videoclip para "In The End"!

Si bien es cierto que es extraño que Anthrax haya presentado un videoclip para un tema de su penúltimo disco de estudio, "Worship Music" (2011), un tema tan emotivo y bueno como "In The End", dedicado a la memoria de dos símbolos del Metal caídos como Ronnie James Dio y Dimebag Darrell. 

En el videoclip se muestran imágenes de las últimas giras de la banda americana con fotos entremezcladas en las que aparecen miembros de Anthrax con Dimebag y Dio, además de aparecer otros amigos de la banda como Tom Araya (Slayer) o David Ellefson (Megadeth), entre otros. 

¡Aquí tienes el vídeo!

lunes, 21 de agosto de 2017

La Canción del Día: Hypnotize

Hoy suena por el Blog "Hypnotize" de System Of A Down para celebrar el cumpleaños de su cantante, Serj Tankian, quien también ha tenido una gran trayectoria como solista, destacando por sus letras revolucionarias y canciones pegadizas. Con el paso del tiempo, SOAD se ha convertido en una de las bandas más populares del Metal moderno, por lo que son claros merecedores de pasar hoy por nuestra sección. 

Feliz Lunes!!

Funky Junction - Funky Junction Play a Tribute to Deep Purple (1972)

Calificación:
Seguramente si te preguntara si conoces a los Funky Juction, tu respuesta sería un no, salvo casos muy concretos, y una cara de sorpresa como si nunca hubieras escuchado ese nombre. Sin embargo, si te pregunto por Thin Lizzy seguro que ya te suenan más, aunque tristemente no hayan tenido nunca el reconocimiento que se merecen.

Pues resulta que los Funky Juction eran realmente los músicos de Thin Lizzy (eso sí que no te lo esperabas, ¿eh?).  Tras la publicación del homónimo debut y de “Shades Of Blue Orphanage”, estos jóvenes irlandeses, en un intento de darse a conocer aún más, y también de ganar algo más de sustento, aceptaron la oferta de David Miller, cuyo alias era Leo Muller, quien fue un afamado productor y dueño de varias compañías discográficas de segundo nivel, quien les propuso  grabar un álbum que contendría, mayoritariamente, temas de Deep Purple, además de incluir algún que otro cover  y una composición del propio Muller.  Lynott se sentía incapaz de cantar como Ian Gilllan, por lo que contactó con un cantante, también irlandés, llamado Benny White para que se encargara de la voz, ya que este con su banda Elmer Fudd, solía cantar temas de Deep Purple. Además, Dave Lennox, teclista de Elmer Fudd, fue contratado para los teclados. Esta nueva mezcla de miembros de Lizzy con otros músicos ajenos fue bautizada como “Funky Junction”.

Se dice que la banda necesitó un par de horas solamente de ensayo para grabar en un solo día todo el álbum. Curiosamente, Muller les impidió poner el nombre de Thin Lizzy en el proyecto y, encima, en la portada no aparecería ninguno de los miembros presentes en el proyecto, sino que optó por poner la foto de una banda llamada Hard Stuff que pertenecía al sello de Deep Purple.

La producción del disco suena bastante acertada, aspecto que podrá comprobarse desde los primeros segundos de “Fireball”. Guardando las distancias, hay que reconocer que Benny White hizo una gran labor con el micrófono, logrando llegar a un registro similar (no igual) al del maestro Ian Gillan. “Hush”, el primer gran éxito que tuvo la banda púrpura, suena bastante fiel a la versión original, logrando hacernos experimentar la misma necesidad de corearlo hasta la saciedad. “Strange Kinda Woman”, también originaria del álbum “Fireball”, suena tal vez algo más lenta que la creación de Purple, aunque también deja un buen sabor de boca. Del “In Rock” no faltarán versiones de “Black Night”, tal vez la más floja de todas por la voz (aunque el bajo de Lynott suena especialmente bien), y de “Speed King”, mucho más acertada.

A estas versiones hay que sumar una del “House Of The Rising Sun” de los Animals, en la que brillan por encima del resto la guitarra de Eric Bell y los teclados de Lennox, quienes se encargan de puntear la famosa sección vocal que popularizó el dotado Eric Burdon.  Aunque en los créditos Muller se autodenominó el compositor de la canción “Dan” (atent@s a la jugarreta del ricachón), esta es una versión instrumental  del clásico himno irlandés “Danny Boy”, una canción que tiene más de un siglo de vida, y que el señor Muller, cual Gene Simmons, decidió apuntarse el mérito. Realmente, las dos creaciones de Leo, como tal, fueron “Palamatoon”, más orientada a un sonido psicodélico, y la rockera “Corina”. 



Este disco es un objeto de coleccionismo muy preciado por muchos fans de Thin Lizzy y melómanos de todo el mundo. Muchas copias se han revendido a precios escandalosamente altos. Si bien es cierto que no deja de ser un disco de versiones, este es un material realmente interesante que sirve para documentar mucho mejor los orígenes de Lizzy, una banda que, si bien nunca obtuvo el reconocimiento que merecía, escribió su nombre con letras de oro en la Biblia del Rock. No quería ponerle una calificación al LP puesto a que no es original, salvo por los dos temas de Muller, pero me aventuraré a ponerle 3 estrellas y lo recomiendo bastante para todos los interesados. 

Bill Ward responde a los comentarios de Tony Iommi y Ozzy Osbourne

Siguen las tensiones entre los miembros originales de Black Sabbath, y más concretamente entre Bill Ward y el resto de sus compañeros, aunque Geezer Butler sigue sin pronunciarse sobre este asunto. Tras varios intercambios de palabra el año pasado entre Ozzy Osbourne y el que fuera batería de Sabbath durante su etapa más clásica, esta semana hemos vivido un nuevo capítulo en esta extraña rivalidad. 

A principios de semana Tony Iommi y Ozzy Osbourne volvieron a cuestionar el estado de salud de Bill, un hecho que, según sus excompañeros, impidió que el batería estuviera presente en la grabación del último álbum lanzado por la banda, “13”, y en las posteriores giras, incluyendo la de retirada. La respuesta de Ward no tardó en llegar en forma de mensaje en su muro de Facebook, dejando duras declaraciones y acusaciones hacia Tony y Ozzy. Aquí tienen algunas de las frases más destacables del mensaje: 

“Una vez más me veo en la tesitura de tener que defender mi postura ante lo sucedido desde 2011 hasta ahora. Los comentarios de Tony y de Ozzy siguen faltándome al respeto como persona y como músico. Estoy totalmente en desacuerdo con ellos. Ellos piensan que llevan razón pero en 2011 nadie me comentó que estuvieran alarmados por mi salud o por mi forma de tocar. Imagino que se lo callaron”.

“¿Cómo me dicen que no puedo salir de gira si estábamos grabando un disco? ¿Cómo me dicen que en 2011 mi salud estaba en riesgo, siendo falso, si hicimos una gira? Todos saben que preparo cada gira muy bien. Ignoraba que en 2011 me estaban juzgando y en eso se basan para acusarme”.

“¿Cómo puede Tony decir semejante cosa de mí? Ya se qué es estar de gira. He ayudado a crear el heavy metal. Creo que sus declaraciones son demasiado egoístas e inapropiadas. Tras la reunión he tocado todos los Ozzfests y las giras de Sabbath. Imagino que la primera gira que hicieron sin mí fue para ver si funcionaba”.

Fue su miedo, su desconfianza y su raciocinio el que les llevó a poner a baterías de apoyo durante las giras. Nunca me gustó esa idea. Jamás necesitaron a un batería de apoyo y no puedo validar el miedo de otros. Me perdí una gira en 1998 tras mi infarto. Entonces entendí que me sustituyeran porque los intereses del grupo hay que protegerlos”.

Ozzy dijo que "lo más triste es que él [Bill] necesitaba admitir esto". ¿Admitir qué en 2011? ¿Qué se supone que tenía que admitir, cuando en realidad me sentía emocionado, seguro y fuerte?; ese declive no existía en mí, todavía no existe hoy en día. No tenía nada que admitir, nada que confesar. El hecho de que Oz haya reaccionado con tristeza me dice que ya tenía su propio juicio de mí. Es muy triste saberlo.

Y Tony comentó, 'y fue una tontería, en realidad, porque fue algo sobre nada'. Tengo que confrontar esa afirmación. No fue una tontería decir que no. Fue algo importante para miles de personas. Siempre lo será. Nada puede afectar a la credibilidad de nuestros fans y lo que han hecho les insulta. En 2011 tuve mi experiencia y el resto hizo lo mismo. Hoy en día nos llevamos tan mal como siempre. Jamás olvidaré la última llamada de Ozzy, en 2012, en la que me preguntaba que cuándo llegaba a Inglaterra para comenzar a ensayar”.

Lamento la pérdida de la amistad de Ozzy.

Lamento la pérdida de la amistad de Tony.

Lo de tocar uno o dos conciertos tampoco es para mí. Eso es injusto para los fans que han pagado por ver al grupo y a su formación original. Para mí ha sido un honor formar parte de Black Sabbath y haber tocado con Tony Iommi, Ozzy Osbourne y Geezer Butler.

Larga vida a Black Sabbath”.

Ojalá algún día desaparezcan las tensiones entre estos viejos amigos. 

domingo, 20 de agosto de 2017

La Canción del Día: Inmigrant Song

Si ayer celebrábamos por todo lo alto el cumple de Ian Gillan, hoy nos toca festejar los 69 veranos de  Robert Plant, la voz de Led Zeppelin y otro icono eterno del Rock. Sería imposible describir el género obviando las aportaciones que esta leyenda hizo. 

Con "Inmigrant Song", canción que cuenta con varios de los mejores, y más famosos , gritos en la historia del Hard-Rock y del Metal más primigenio, recordamos el legado de Mr. Plant.

Felicidades leyenda! Feliz Domingo!!

sábado, 19 de agosto de 2017

¡Sale a la luz una canción inédita de Lemmy Kilmister!

El pasado 17 de agosto salió a la luz una versión del "Trying To Get You" de Elvis Presley grabada por Lemmy junto a Annie Marie Lewis, sobrina del legendario Jerry Lee Lewis, y Danny B. Harvey para un disco conjunto de estos dos últimos que lleva por título "Reckless, Wild And Crazy" y que cuenta con esta colaboración tan especial del siempre presente líder de Motörhead, un amante reconocido del Rock más clásico. 

Así de bien se desenvolvió Lemmy con este clásico del "Rey del Rock":

La Canción del Día: Child In Time

El cumpleaños de Ian Gillan siempre es motivo de celebración. Y es que el histórico cantante de Deep Purple (tampoco olvidemos su paso por Black Sabbath), además de tener una de las voces más grandes de la historia, es todo un icono del Rock. 

Podríamos elegir cualquier canción de Purple para festejar esta efeméride, pero creemos que "Child In Time" es la que mejor demuestra los dotes de este maestro. El momento en que Gillan comienza a gritar es muy emocionante. 

Feliz Sábado!!

Nuestra Playlist