miércoles, 31 de mayo de 2017

Se inaugura una estatua dedicada a Tom Araya...¡en un zoológico!

De vez en cuando surgen en el Rock noticias tan raras como inexplicables.

En esta ocasión nos trasladamos a Ucrania, y más concretamente al XII Month Zoo, uno de los zoológicos más famosos del país europeo. Parece ser que los leones, los tigres y cualquier especie que puedes encontrar en este lugar tienen ahora un nuevo compañero de zoo, que si bien es verdad que puede decirse que está en peligro de extinción, no es exactamente algo habitual en este tipo de lugares.

Una enorme escultura de Tom Araya, cantante y bajista de Slayer, ha sido colocada en el zoológico tras "varias discusiones y alteraciones". Junto a la figura del músico, se levantan también el logo de Slayer y un gran cartel con parte de la letra de "Dead Skin Mask"

"La escultura de Tom Araya está lista en nuestro parque y está a disposición de su criterio y opinión. No puedo decir qué tan difícil fue la precisión en los detalles, sobre todo su barba", escribió el zoológico en su cuenta de Facebook.


Tras haber recibido previamente la aprobación de la mujer del artista, la estatua ya está expuesto para todos los metaleros y fans de los animales que visiten en zoo. 

La Canción del Día: Good Times Bad Times

John Bonham, para muchos el mejor batería de la historia, habría cumplido hoy 69 años. El que fuera rompeparches de Led Zeppelin dejó un legado enorme que le ha permitido convertirse en un percusionista adorodado y considerado uno de los más grandes por mérito propio. 

Para homenajear a este fenómeno musical, hoy sonará en el Blog "Good Times Bad Times", extraída del primer álbum de Zepp y que cuenta con una pista de batería inhumana de "Bonzo", quien hace lo que quiere, y con mucha facilidad, con su batería. 

Feliz Miércoles!!


martes, 30 de mayo de 2017

La Canción del Día: The Last Refugee

Por fin este viernes sale a la venta el nuevo, y esperadísimo, álbum de Roger Waters, clásico bajista de Pink Floyd, que lanza en 3 días "Is This The Life We Really Want?", un álbum que trata temas de gran actualidad como, por ejemplo, el problema global con los refugiados, una temática que trata en la canción "The Last Refugee", balada que hoy sonará en el Blog para hacer más amena la espera. 

Este mismo viernes, salvo cambios de última hora, podrás leer nuestra reseña de este nuevo álbum ;)

Feliz Martes!!

lunes, 29 de mayo de 2017

La Canción del Día: Fortunate Son

Ayer el gran John Fogerty cumplió 72 años y, para celebrarlo, teníamos pensado festejarlo con uno de los grandes clásicos de la Creedence Clearwater Revival, banda en la que este músico se dio a conocer como cantante, guitarrista y compositor, pero el repentino fallecimiento de Guillermo Sánchez (Rata Blanca) nos obligó a tener que dejar de lado esta efeméride. 

Un día después pondremos bien alto el "Fortunate Son" de la Creedence para animar el lunes, que es el día maldito para todos. Una canción muy crítica contra las clases más poderosas de la sociedad americana y con la guerra, que Fogerty y sus secuaces publicaron allá por 1969, convirtiéndose en un éxito absoluto. 

Feliz Lunes a todos!!

domingo, 28 de mayo de 2017

La Canción del Día: La Leyenda del Hada y El Mago

Hoy sonará Rata Blanca por un motivo muy triste que sucedió anoche. Guillermo Sánchez, bajista de la banda, y uno de los más importantes del Metal hispano, falleció a los 52 años por culpa de una septicemia provocada por una bacteria. 

Queremos dedicar este domingo a su memoria con uno de los grandes clásicos de esta icónica banda argentina. Pondremos bien alto "La Leyenda del Hada y El Mago" en honor a Guille.  

Feliz Domingo y feliz descanso Guillermo!

sábado, 27 de mayo de 2017

Muere Gregg Allman a los 69 años de edad

¡Seguimos perdiendo rockeros!

Gregg Allman, uno de los pioneros del Rock Sureño junto a sus Allman Brothers, falleció a los 69 años tras haber batallado contra diferentes dolencias a lo largo del tiempo. En 2009 le fue diagnosticada hipetatitis C y en 2010 necesitó un trasplante de riñón. A esto hay que sumarle los numerosos problemas con diversas adicciones que experimentó en los últimos años.

En marzo de este año el músico se vio obligado a cancelar las presentaciones que tenía planeadas para este año debido a sus problemas de salud, lo que comenzó a despertar rumores sobre un cercano final.

En la década de los 60s, Gregg fundó junto a su hermano Duane, quien murió en un accidente automovilístico en 1971, la Allman Brothers Band con quienes explotaron el Rock y el Blues de una manera muy peculiar, descubriendo al mundo el sonido del Rock que se hacía en el sur de los Estados Unidos.

Se marcha otro grande


D.E.P Gregg

Black Sabbath - Mob Rules (1981)

Calificación:
Corría el año 1981 y, por aquel entonces, parecía que Black Sabbath, tras haber expulsado al mismísimo Ozzy Osbourne dos años antes y fichar como sustituto al magistral Ronnie James Dio con quien grabaron y publicaron el brillante "Heaven and Hell", había resucitado. La incorporación del ex-cantante de Rainbo
w había supuesto un lavado de cara a la creatividad, en aquellos tiempos, algo perdida por Iommi, Butler y Ward, resurgiendo la vena más Heavy de la banda, además de añadirle algo del sonido propio de Dio y de la NWOBHM, que en aquellos estaba cobrando gran importancia. Y es que "Heaven And Hell" es un disco de culto, una obra maestra, un álbum de obligada escucha para todos los metaleros...y, afortunadamente, solo fue necesario esperar un año para que saliera la segunda parte, "The Mob Rules", que es el trabajo que en esta entrada voy a analizar.

No hay que creerse eso de que "las segundas partes siempre son peores/malas", porque no este no va a ser precisamente el caso. Un aspecto importante que sucedió en el entorno de la banda fue la marcha de Bill Ward quien, pese a no tener, aparentemente, ningún problema personal con Dio, abandonó Sabbath porque echaba en falta a Ozzy en el cuarteto. Rápidamente, la banda contrató a Vinnie Appice como sustituto de Bill, y, aunque lo mencionaré varias veces en el análisis de cada tema, fue una inversión ganadora ya que hace un papel maravillosos en la percusión.

Tras el éxito de ventas y crítica obtenido por "Heaven and Hell", y obviamente por presiones discogr
áficas, la banda entró rápidamente en los Record Plant Studios de Los Angeles (California) bajo la supervisión, como ocurrió en el anterior disco, de Mr. Martin Birch (Iron Maiden, Deep Purple, Rainbow,...), quien ha dejado claro que es uno de los grandes productores del Rock y el Metal.

¿Heaven And Hell o The Mob Rules?

Es una pregunta muy compleja de responder puesto que ambos álbumes son merecedores de la mayor nota posible, de eso no tengo no tengo la menor duda. El problema llega cuando hay que quedarse con uno solo.

Hay quienes dicen que "The Mob Rules" es una continuación de "Heaven And Hell" y, como tal, pierde un poco de impacto y sorpresa con respecto a su predecesor. Ciertamente, el sonido no cambia mucho entre un álbum y otro, lo que en ningún momento quiere decir que los temas sean similares (¡para nada!).

Creo que hay un factor clave que impidió que "The Mob Rules" se convirtiera en la gran obra sin Ozzy, y fue la falta de himnos frente a un "Heaven And Hell" en el que abundan muchos de ellos como "Neon Knights",  "Children Of The Sea", "Lady Evil", "Heaven And Hell", "Die Young" o "Lonely Is The Word". No es que el  "Mob Rules" no tenga himnos,  ya os presentaré muchos de ellos dentro de un par de párrafos, pero en comparación con "Heaven And Hell" no son los suficientes para ser "la gran obra". Es lo mismo que le ha ocurrido a discos como el "Long Live Rock And Roll" de Rainbow frente al "Rising", al "Powerage" de AC/DC frente al "Highway To Hell", o  el "Animals" de Pink Floyd frente al "Dark Side Of The Moon", entre tantos sucesos similares. En todo caso, amo este álbum, es uno de mis preferidos de Sabbath y le he puesto las 5 estrellas porque no podía darle más.

En conclusión: me quedo con "Heaven And Hell" porque es la gran obra de Sabbath sin Ozzy, y, como adorador de Dio que soy, mi disco preferido de la banda en todas sus eras. No por ello dejo de recomendar a todos los lectores que pillen un par de cervecitas, algo para comer y que se dispongan ahora a escuchar "The Mob Rules" mientras este humilde redactor les describe cada tema.
Antes de empezar considero fundamental pararme en la portada del álbum, obra de Greg Hildebrandt, y la leyenda que existe sobre el famoso dibujo. Según las malas lenguas, en las manchas de sangre que hay en el suelo del dibujo se pueden leer las palabras "Kill Ozzy" (dejo al lado una foto para que veas donde se encuentra el supuesto mensaje subliminal). Posteriormente el creador aseguró que era una mera coincidencia, lo que, dado los conflictos entre el "príncipe de las tinieblas" y Sabbath, no terminó de convencer a gran parte de los fans.  Que cada uno valore como crea conveniente la portada.

Pocas cosas hay mejores cuando te dedicas a esto de las reseñas que poderlo compartir con un buen amigo que siente la misma pasión que yo por esta banda. Una vez más, reseño junto a mi amigo Fede, compañero de Dosis Metalera, con el que acordé hace tiempo reseñar este LP. Dale amigo!



Turn Up The Night

Anfetamina & Rock: Tres golpes de platillo de Appice marcan el inicio de nuestra travesía. No tardarán en aparecer los inigualables Riffs del maestro Iommi (increíbles aportaciones con el wah-wah) y, para nuestra suerte, la voz del rey de reyes en el Metal, Ronnie James Dio, cantando con una pegada enorme. En el minuto 1:25 se inicia un verso que todo rockero debe escuchar por el poderío con el que Dio, a quien cada día extraño más, escupe cada sílaba. Una apertura comparable con "Neon Knights", la composición que nos daba la bienvenida al "cielo y el infierno".

Dosis Metalera: Tema introductorio a este álbum. "Turn up the Night" puede ser considerada como una "Neon Knights" versión 2.0. Si bien "Neon Knights" persiste hasta el día de hoy como uno de los temas más emblemáticos de la era Dio, en "Turn up the Night" Iommi le da una vuelta de tuerca extra a los riffs de guitarra, los cuales presentan más variaciones que en la ya mencionada "Neon Knights". El bajo de Butler se puede escuchar claramente a lo largo del tema que al escuchar será como tener un bafle con los graves al tope en tu oreja. Solo con pedal wah, concreto y conciso que antecederá a la última estrofa de la canción y escucharemos como con los últimos "Turn up the Night" la canción va desvaneciéndose detrás de un fade-out que da cierre a este primer tema divertido para comenzar el álbum.


Voodoo: 

Anfetamina & Rock: Los Sabbath más pegajosos entran en escena. "Voodoo" tiene una base instrumental privilegiada, cargada de groove y sentimiento, con un tándem Butler-Appice inmenso (parece que llevaran muchos años en la carretera juntos) y un juego de Riffs de Iommi magistral. Dio, como siempre, logra ponerme los pelos de punta. Ese pequeño artista hacía parecer esto de cantar lo más fácil del mundo.

Dosis Metalera: Un excelente riff de guitarra nos dará la bienvenida a este pedazo de tema, que también acompañará durante el resto de la canción. Si bien en el último tema tuvo sus momentos de gloria, aquí es donde verdaderamente Dio comienza a brillar. Es muy fácil para este cantante robarse el protagonismo en la canción. Por supuesto que la base rítmica no se queda atrás, ya que esto resulta difícil con el "Riff God" Iommi en las 6 cuerdas. Nuevamente un solo que está bien, pero nada que valga la pena recalcar. Esta canción se ve muy elevada primero y principal por su riff que es de lo mejor de Iommi en este disco, y por el rol que juega Dio que empieza a transmitir ese feeling con su voz por el cual el tanto destaca.


The Sign Of The Southern Cross

Anfetamina & Rock: Poquitos adjetivos existen para definir esta canción. El "Mob Rules" es un álbum 5 estrellas por cosas así. No hay más que escuchar los primeros segundos acústicos del tema con un Dio en su vertiente más melódica que, como el diablo que era, nos vuelve a brindar una interpretación única y de valor incalculable. Appice hace una labor alabable, marcando con  la solidez y fiereza que lo ha distinguido en todos estos años el ritmo para que el resto de maestros derrochen su clase a lo largo de sus casi 8 minutos. Tampoco se queda atrás el bajo distorsionado con Wah-Wah de Butler, uno de los mayores genios de las 4 cuerdas sin discusión alguna.

Dosis Metalera: Sentate con tu mejor trago y preparate para esta primera obra de arte que nos brinda este Mob Rules. Este tema comienza con una introducción acústica y con un Dio con una voz algo diferente. Una voz completamente pura y limpia. Poco después del minuto de canción aparecerá la distorsión. Las estrofas están estructuradas con una simple base de batería para que Dio tenga sus momentos de glorias y llegando a los estribillos las cosas se acomplejarán un poco. Pedazo de instrumental el de esta tema que por algunos momentos recuerda a ciertas secciones de "Heaven and Hell". Nuevamente otro fade-out y esto comienza a volverse tedioso y llega a dar la idea de que Sabbath estaba sin ideas para los finales de las canciones. Sin embargo este es un simple detalle que no le quita ni una pizca de majestuosidad a este temaso.

E5150

Anfetamina & Rock: Turno de un breve instrumental cargado de oscuridad que lleva el nombre deE5150 (es un juego de palabras en el que si sustituyes los números por su nomenclatura romana resulta la palabra EVIL) que creo que la banda creó para prepararnos para lo que se nos viene encima ahora mismo...

Dosis Metalera: "E5150" es la única pieza instrumental del disco. Y podría perfectamente haberse omitido. Hasta el día de hoy no me queda claro si es una introducción a "The Mob Rules", si es un track atmosférico, no sé lo que es. Es por eso que no le voy a dedicar mucho análisis a un tema que veo como una gran incógnita dentro de este disco. No desagrada escucharlo pero tampoco aporta nada al álbum.


The Mob Rules

Anfetamina & Rock: Entre tanto caos y confusión explota Iommi con un electrizante Riff, parece que nos e
stuviera diciendo "¿me echábais de menos, cabrones? y Dio emite un grito que nos hará caernos del asiento. Una de las mejores canciones de esta segunda era de Black Sabbath. El estribillo, con ese "If You Listen To Fools....THE MOB RULES" solo puede provocar emociones fuertes  y un sentimiento de placer, así como la inevitable pose de los cuernos con nuestras manos.  Enorme Dio gritándonos a todos eso de "You're all fools!!!!".  Voy a darle la entradilla a mi amigo Fede para que les cuente su opinión de la canción. Fede.....IF YOU LISTEN TO FOOLS...

Dosis Metalera: ....THE MOB RULES!! Jjajajajaa es impresionante como un tema tan sencillo como "The Mob Rules" sea no solamente el tema más divertido del álbum sino mi tema favorito de la banda. Desde ese riff inicial con el "OOOH C´MON!" de Dio, que cada vez que lo escucho me pone piel de gallina, hasta los estribillos, ese solo magnífico y podría seguir con todo lo demás. Es una canción muy difícil de describir pero es ese típico tema que podrías escuchar diez veces seguidas y querrías escucharlo una onceava. Uno de los temas en los cuales la voz de Dio siempre se mantiene ahí arriba con esa potencia y energía que él bien sabe transmitir en este tipo de temas. Solo queda una cosa por decir: If you listen to fools... THE MOB RULES!

Country Girl

Anfetamina & Rock: Uno de los momentos más bellos del álbum llega con "Country Girl", una composición temáticamente atípica tratándose de Black Sabbath, puesto que habla del amor, un recurso poco recurrente para los de Birmingham. Ronnie vuelve a salirse con su línea vocal, regalándonos uno de los momentos del disco en el minuto 1:43, cuando saca su lado más melódico, esa voz inhumana, superior a la de cualquier otro cantante de Metal, con permiso de Halford o Dickinson. Por canciones así soy rockero, amigas y amigos.

Dosis Metalera: Que "The Mob Rules" sea mi tema favorito del álbum no quiere decir que sea el mejor. Técnicamente hablando "Country Girl" es una pieza artística. En este caso el canto de Dio se acopla al riff magnífico de guitarra que nos brinda Iommi para esta canción. En el minuto 1:30 se da una especie de breakdown donde aparece un riff limpio de guitarra simplemente hermoso. Dio comienza a cantar arriba con su voz divina y luego sostendrá uno de los mejores agudos del disco.

Slipping Away

Anfetamina & Rock: ¿La peor del disco? no sabría decir. En álbumes así es muy difícil castigar un tema con esa mención porque siempre estás desvalorando una canción de enorme potencialidad, así que no seré yo el que vaya a cargar contra "Slipping Away" y su maravilloso Feeling y pesadez metalera. Obviamente, hay un momento que está por encima del resto, y es el épico duelo de guitarra y bajo entre Iommi y Butler, y que previamente había sido introducido por una breve exhibición de Appice con su batería, por si alguien a día de hoy seguía teniendo dudas sobre el nivel de este músico. Aunque puedes imaginártelo, amig@ lector/a, Dio lo borda vocalmente, sacando su faceta más potente, aunque los dos siguientes temas serán de lo mejor que el humilde cantante nos dejó.

Dosis Metalera: Seguimos un poco con esta idea de los tempos más ralentizados con riffs más lentos y pesados. Aquí dos cosas principalmente. En primer lugar, el solo de esta canción que tiene una sección de preguntas y respuestas entre Iommi y Butler que es para sacarse el sombrero, y segundo el papel que desempeña Vinny Appice en la batería. El tema cuenta con secciones similares a "War Pigs" donde primero podemos escuchar como el riff ataca rápidamente para que luego Appice entre con sus fills de batería. Dio nuevamente no se queda atrás y juega un rol crucial en la canción con sus agudos quebrados. El rol de cada músico en esta canción es el de atacar efímeramente con su respectivo instrumento para rápidamente darle protagonismo al siguiente. Otro sólido team de Este disco.

Falling Off The Edge Of The World

Anfetamina & Rock: Se sube el telón, se apagan las luces, y, en el escenario, un chico bajito de pelos rizados empieza a cantar con una pasión y un dolor....siento a veces pasarme de subjetivo con Ronnie, pero yo no he oído, ni oiré, un tipo igual. Pasados los dos minutos la historia da un giro de 360 grados y Iommi escupe fuego con su guitarra para presentarnos al Dio más demente y dramático. Señor solo de Tony, otro para el que no existen suficientes alagos  Una canción rematada con un estribillo a la altura. En todo caso, todavía queda lo mejor para el final, o al menos otra de las muchas joyas que estos 4 músicos lanzaron por aquellos tiempos.

Dosis Metalera: Sin lugar a duda uno de los temas más interesante que nos ofrece Mob Rules. Una introducción ambiental con pads, guitarra acústica y el bajo de Butler acompañaran a un melancólico Dio por poco más de un minuto y medio hasta que en un momento entrará un riff al mejor estilo doom/sabbath metalero. Sin embargo, cuando pensábamos que el resto del tema continuaría bajo ese formato, el minuto 2:12 nos trae un cambio de ritmo presentando una cara B de la canción. Es un tema entretenido para escuchar pero los últimos tres minutos de la canción no deparan nada sumamente extravagante. ¿Es un mal tema? Para nada. ¿Podría haber sido mejor? Probablemente sí, pero el hecho de la simple sorpresa que nos produce el rotundo y brusco cambio de la canción, lo vuelve uno muy bueno.

Over And Over:

Anfetamina & Rock: ¿La balada más infravalorada de la historia? seguramente. SIEMPRE que escucho esta canción, y cuando digo SIEMPRE no miento, termino llorando. De hecho estoy escribiendo estas líneas con los ojos ahogados en lágrimas de emoción y, a la ve, de tristeza. Cierra los ojos, amigo oyente,  y disfruta de  una de las sensaciones más bellas que puedes escuchar...se llama Dio, aunque yo prefiero llamarlo Dios.  Nadie, musicalmente hablando, ha logrado transmitir tanta pasión, tanta elegancia y tanta humildad con su voz. El solo de Iommi, ejecutado a una velocidad y precisión sublimes, termina de engrandecer esta canción. Con todo el derecho del mundo, y con razones de sobra para ello, digo que esta es la mejor canción del álbum, y una de las mejores (Top 5) que sacó Dio con Sabbath.

Dosis Metalera: La banda se guardó la mejor para el final en este disco y me enorgullece presentarles mi balada favorita de la historia de la música. En solo 5:25, Sabbath, y particularmente Dio, te invitan a cerrar los ojos y experimentar una mezcla de emociones indescriptibles. "It goes Over and Over and Over and Over again." Nos encantaría que este tema durase para siempre. Esta canción demuestra dos cosas. La primera es la versatilidad de la banda. Lo que puede generar en el oyente, la diversidad de las composiciones, incluso diversidad dentro de una misma canción. Y segundo, que Ronnie James Dio es el fucking mejor vocalista de la historia. Porque probablemente esta canción sin Dio al micrófono sería un buen tema, pero se perdería en el montón. Dio es quién vuelve a esta canción, la mejor balada de la historia. Punto final.

¿El mejor disco de Black Sabbath?

No seré yo el que tire a la borda todo lo grabado por Ozzy previamente. Me ha parecido siempre una chorrada comparar ambas épocas, porque no fueron exactamente iguales. En algunas cosas me quedo con la de Ozzy, pero en otras con la de
Dio. Entre Ozzy y Dio tengo claro con qué cantante me quedo, pero elegir entre "Paranoid" o el "Heaven And Hell" es imposible para mí.

No obstante, este álbum es de los mejores de los de Birmingham y me atrevo a decir que es de los mejores del Metal.

5 estrellas, mis respetos y amor eterno para The Mob Rules.

PD: Millones de gracias Fede (Dosis Metalera) por volver a trabajar codo con codo. El mayor premio que ha tenido crear este Blog ha sido poder conocer gente así.


La Canción del Día: I Got Mine

Echamos en falta en esta sección a Motörhead, una de las bandas más queridas del Blog, así que vamos a aprovechar que hoy tenemos una efeméride relacionada con este conjunto encabezado por Lemmy Kilmister para volver a poner su música por aquí.

En 1983, tal día como hoy, estos rebeldes británicos publicaron el single de "I Got Mine", adelanto de lo que sería el "Another Perfect Day" que saldría pocos días después a la venta. Junto a Lemmy y a Phil Taylor estuvo el mismísmo Brian "Robbo" Robertson, quien había tocado previamente la guitarra para Thin Lizzy, aportando a Motörhead su elegancia y frescura con las 6 cuerdas para el mencionado álbum, que fue el único en el que participó. Si nunca lo has escuchado entero estás tardando.   

Feliz Sábado!

viernes, 26 de mayo de 2017

La Canción del Día: Let The Music Do The Talking

¡Estamos de los nervios con la inminente llegada de Aerosmith a España!

Falta poco más de un mes para que los "chicos malos de Boston" aterricen en nuestro país para dar tres conciertos que, según dicen, serán los últimos por Europa. Madrid, Barcelona y Tenerife, en este último estaremos nosotros, tendrán la suerte de despedir a una de las bandas más grandes del Hard-Rock. 

Ya ha empezado esta gira y, analizando el Setlist, llama la atención el regreso a escena de una canción tan buena como "Let The Music Do The Talking", un potente trallazo que formó parte del álbum "Done With Mirrors" (1985)  y que ha sido seleccionada para abrir cada show de la última gira europea de la banda. 

En un par de semanas confirmaremos el Especial Aerosmith que vamos a realizar en el Blog. Podemos adelantar que se vienen un par de reseñas nuevas de algunos álbumes, famosos y no tanto, de la banda :) 

Feliz Viernes!!!

Ritchie Blackmore's Rainbow - Land Of Hope And Glory/I Surrender (single 2017)

Calificación:
 Si el anuncio del regreso de Ritchie Blackmore al Rock en 2016 con una nueva formación de Rainbow fue una sorpresa que causó gran revuelo y alegría en el mundo del Rock, y que además terminó derivando en la grabación y publicación de un jugoso concierto titulado "Memories In Rock", la salida de un tema completamente inédito grabado por la banda del arcoíris, junto a la regrabación de un clásico de la banda como "I Surrender" ha terminado de consagrar esta como una de los hechos más positivos de los últimos años en cuestión musical.

Esta resurrección de Rainbow ha sido posible gracias a las incorporaciones de Ronnie Romero, de quien ahora hablaré tendidamente, Jens Johansson, tecladista de Stratovarius, David Keith, que también es batería del proyecto medieval de Ritchie llamado Blackmore's Night, y a Bob Nouveau, quien también militó en su momento en el proyecto del guitarrista británico. Completando la formación tenemos a Candice Night, esposa de Ritchie, y a Lady Lynn, quienes se encargan de los coros.

Antes de que estos singles vieran la luz, la única referencia musical que podíamos tener de esta reformada banda era el mencionado concierto "Memories In Rock", el cual por lo general dejó un buen sabor de boca entre los melancólicos fans de Rainbow y, también, de Deep Purple, banda en la que militó Blackmore durante sus tiempos de gloria. Cierto es que algunos criticaban la inclusión de muchos temas de la banda púrpura y, como consecuencia, pocas canciones originarias de Rainbow, las cuales en su mayoría abarcaron la histórica era de Ronnie James Dio, que para la gran mayoría de los Rockeros y conocedores de la banda, fue la mejor de todas.

Los conciertos estuvieron sublimes musicalmente, aún más si se tiene en cuenta que Ritchie ya tiene una edad considerable y padece de artritis, una dolencia que progresivamente  pone en serios apuros a los guitarristas y su técnica. Lejos de  que eso ocurriera, Blackmore estuvo a un nivel enorme, si bien algunas canciones parecían estar en un tempo algo más disminuido para adaptarse a él, algo normal en realidad. Hizo honor a eso de que "los viejos rockeros nunca mueren".

Pero si hay una persona que me sorprendió en aquellos shows fue Ronnie Romero, el joven talento chileno afincado en Madrid desde 2009, que fue reclutado por el Ritchie para su proyecto ante la sorpresa de toda la prensa rockera, que durante meses había creado el rumor del regreso de Joe Lynn Turner como cantante. Ronnie dejó al público boquiabierto con una presencia escénica abrumadora y con un chorro de voz muy similar, guardando las distancias obvias, a la de Ronnie James Dio, la voz del Heavy Metal, con permiso de Rob Halford y de Bruce Dickinson. Recomiendo escuchar a "Lords Of Black" y "The Ferrymen" su dos proyectos alternos.

Pues dicho esto empiezo a desgranar estos dos novedosos sencillos que tantas ganas tenía de escuchar.

"Land Of Hope And Glory" es un cover instrumental del himno patriótico británico de mismo nombre, un clásico de la música de palacio que todo el mundo debe haber escuchado en algún momento de su vida. Si hay algún fan de la lucha libre, esta era la música que acompañaba en a entrada a "Macho Man" Randy Savage, como curiosidad. Como buen instrumental de Rainbow, es una canción con una progresión lenta que comienza a coger marcha conforme pasan los segundos. Los primeros compases de la canción cuentan con el papel principal un violín, mientras Blackmore hace de acompañante ideal con su guitarra acústica. Pasado el primer minuto empieza, obviamente, lo mejor de la canción, que es cuando Ritchie toma el papel de solista y comienza a puntear como solamente él sabe. Se le nota todavía en un gran estado de forma. Bueno el acompañamiento de percusión, del bajo y de los coros.

Obvio que a estas alturas de la película no se le puede recriminar a Blackmore absolutamente nada, pero sí que podría haber introducido una canción nueva o, al menos, una composición patriótica que no hubiera tocado antes, porque la sección inicial de "Land Of Hope And Glory" ya la interpretó en la espectacular "Under The Gun" de Deep Purple. No obstante, la apuesta  le ha salido bien porque el resultado vale la pena y el simple hecho de poder escuchar una nueva grabación suya vale la pena.

Segundo sencillo. La reinterpretación del "I Surrender" les ha quedado bastante curiosa. Ronnie Romero lo hace genial, con el poderío juvenil que siempre derrocha, mientras que Ritchie vuelve a deslumbrarnos con una buena interpretación de guitarra de una composición suya en los tiempos más comerciales de Rainbow, allá por los melancólicos años 80. Me encantaron los arreglos de guitarra acústica que añadieron para los versos (se nota que a Blackmore le cuesta huir de la música medieval) y un gran trabajo de los coros. La batería al principio me pareció un poco perdida, pero no tardará en seguir la línea clásica. Seguro que en los futuros shows programados por esta nueva formación incluirán esta canción.

No están nada mal ambas composiciones. Esta nueva formación ha congeniado mucho mejor de lo que algunos hubieran pensado, y esto se ha venido demostrando desde los primeros conciertos que dieron juntos. Buenos sencillos, sin grandes riesgos, pero a estas alturas NADIE le va a exigir a Ritchie que publique dos singles completamente nuevos que suenen al estilo del "Rising", ni al "Long Live Rock And Roll", ni a ningún álbum de aquellos maravillosos años.    


Larga vida a Mr. Blackmore y al resto de acompañantes de lujo que están logrando que el guitarrista pueda vivir lo más parecido a una segunda juventud. 



jueves, 25 de mayo de 2017

La Canción del Día: Holiday

Hoy cumple 69 años Klaus Meine, una de las voces más privilegiadas del Rock, mundialmente famoso por ser el cantante de Scorpions. A lo largo de su vida, el registro de Klaus ha ido evolucionando desde unos comienzos más rockeros hasta convertirse en uno de los cantantes más emotivos y elegantes que se recuerden. 

Al empezar el día de hoy no sabía si elegir algo de la etapa más Heavy de los Scorpions, o quedarte con una de sus muchas baladas de primera categoría. Finalmente nos decantamos por "Holiday", una semibalada con algunos momentos eléctricos realmente buenos. Tras ser incluida en el álbum "Lovedrive" (1979) se convirtió en una habitual de los shows de la banda, siendo interpretada hasta hace muy poco tiempo en cada concierto. 

Feliz Cumple Klaus!!!

¡Comienzan los preparativos para la grabación de una película biográfica sobre la vida de Phil Lynott!

Parece que se están dando inicio los preparativos de lo que será la creación de un nuevo documental sobre el líder de Thin Lizzy, Phil Lynott. Jim Sheridan, famoso por haber dirigido películas como "En América", "En El Nombre del Padre" o "Mi Pie Izquierdo", quien ya ha convocado una audición abierta en Dublín programada para el 27 mayo con la finalidad de elegir al actor que encarne a este carismático personaje.


¡Estaremos pendientes de nuevas informaciones!

miércoles, 24 de mayo de 2017

La Canción del Día: ¡Feliz Cumpleaños Bob Dylan!

 Un 24 de mayo, más concretamente el de 1941, nacía en Minnesota  un curioso niño que pronto se convertiría en el líder de "la canción protesta", en uno de los máximos exponentes del Folk y en un genio que podría presumir de tener 13 premios Grammy, un Premio Príncipe de Asturias, 6 Grammy Hall Of Fame, miembro del Salón de la Fama, 1 Óscar, 1 Globo de Oro, 1 Pulitzer, Medalla Nacional de las Artes, Medalla Presidencial de la Libertad y, más recientemente, el Nobel de Literatura...ese chaval es nada más y nada menos  que Robert Allen Zimmerman, mejor conocido como BOB DYLAN.

El legendario compositor americano cumple 76 años en un estado de forma envidiable. Festejamos esta emocionante efeméride con una recopilación de muchos de los clásicos (y no tan clásicos) que Dylan nos ha dejado a lo largo de su vida. Como solemos hacer en estos especiales, en nuestro Twitter (@AnfetaminaRock) iremos poniendo algunas de las canciones.

Feliz Cumple Maestro!!!! 

martes, 23 de mayo de 2017

La Canción del Día: Wonderful Woman

Faltan muy pocas semanas para que salga "Chuck" (9 de junio), el disco póstumo de Chuck Berry con el que podremos disfrutar de las últimas grabaciones realizadas por el padre del Rock and Roll que, tristemente, nos dejó a principios de año. 

"Wonderful Woman" es el segundo single del álbum y suena sensacional. Esta canción va a gustar a todos nuestros lectores, especialmente a aquellos con gustos más  clásicos. 

Feliz Martes!


Numerosos artistas recuerdan a Chris Cornell en directo

La repentina muerte de Chris Cornell no tardó en consternar al mundo del Rock. Y es que no han sido pocas las versiones que muchos nombres propios del Rock y del Metal como Megadeth, Aerosmith, Metallica, U2,  The Pretty Reckless, Red Hot Chili Peppers o Stone Sour, entre otros muchos, han querido dedicar al que fuera cantante de Soundgarden, Audioslave o The Temple Of The Dog.

Pocas horas después de que se confirmara el fallecimiento de Cornell, Megadeth, encabezado, por Dave Mustaine, aprovechó su show en Tokio para dedicarle unas palabras. "Hemos perdido una de las mejores voces de la historia" dijo Dave Mustaine con un tono de dolor y seriedad, antes de anunciar que la banda iba a interpretar una canción de Soundgarden a continuación. La elegida fue "Outshined", canción que también fue interpretada la misma noche por "Stone Sour".







Por otra parte, Aerosmith, que está inmerso en su gira de despedida por Europa, no dudó en ceder un momento de su presentación en Batumi para apagar las luces del recinto mientras sonaba por los altavoces "Black Hole Sun" y una imagen gigante de Chris se proyectaba en las pantallas ante los aplausos de todos los presentes. Poco tiempo después apareció en escena Steven Tyler haciendo gestos de reverencia al fallecido. La amistad de los "chicos malos de Boston" y Chris Cornell era más que conocida. 





La misma canción fue elegida por Metallica durante su show en Boston. Robert Trujillo empuñó su bajo y tocó parte de la canción como tributo al músico de Seattle.

Una publicación compartida de Metallica (@metallica) el

Entre lágrimas interpretó Taylor Momsen, cantante de The Pretty Reckless, "Like a Stone" (Audioslave). La banda estaba teloneando a Soundgarden en el momento en que se produjo la muerte de Chris.  



¡Nadie olvidará a Chris!

lunes, 22 de mayo de 2017

La Canción del Día: Scandal

En 1989 Queen rompió con un hiato de más de dos años sin grabar nada nuevo publicando "The Miracle", el penúltimo LP con Freddie Mercury, quien por aquellos tiempos se encontraba preparando el álbum de "Barcelona" junto a Montserrat Caballé. 

Hoy rescatamos una de las canciones más famosas de este álbum, "Scandal", con la esperanza de que se termine arreglando el problema que afecta a Blogger desde el pasado sábado y que, obviamente, nos ha afectado también a nosotros, que no podemos ni poner fotos. 

Feliz Lunes!!

domingo, 21 de mayo de 2017

La Canción del Día: Hangar 18

Pese a las dificultades que Blogger está experimentado,  y que nos tienen un poco enfadados últimamente (sentimos las molestias), vamos a tratar de seguir trabajando hoy como si fuera un día más, aunque esperamos que pronto se arreglen los problemas que nos pone difícil acceder al Blog o publicar entradas nuevas (poner fotos es misión imposible). 

Ni Blogger y sus problemas nos van a impedir que hoy rindamos un homenaje más que merecido a un batería muy querido en el Metal que nos dejó el año pasado. Hablamos de Nick Menza, batería durante la época dorada de Megadeth, quien sufrió un infarto en pleno concierto, falleciendo en el acto. Honraremos su memoria con "Hangar 18", una de las grandes canciones de la banda americana que contó con la presencia tras los parches de este increíble batería. 

Esperando que Blogger se arregle y  podamos recordar hoy como se merece a Nick, os deseamos un gran día a todos.

Feliz Domingo!  

sábado, 20 de mayo de 2017

Soundgarden - Louder Than Love (1989)

Calificación:
Jueves 18 de mayo

Estaba tomándome un café a media mañana para cargar las pilas y poder continuar con todo el trabajo del Blog, cuando me da por abrir el Twitter de esta web y aparecen varios mensajes de Jimmy Page, Joe Perry, Glenn Hughes o Black Sabbath poniendo fotos con Chris Cornell, cantante de Soundgarden. En un primer momento me planteé que era su cumpleaños, pero no lo tenía apuntado en el listado de efemérides. La tristeza me invadió cuando recibo un mensaje de mi amigo Fede de Dosis Metalera y me dice que Cornell amaneció muerto en la habitación de un hotel.

No voy a engañar a nadie. No voy a escribir una reseña contando mentiras sobre mi fanatismo por este vocalista. No fui nunca el mayor fan de Soundgarden, ni de Audioslave, ni de The Temple Of The Dog, pero sí que siempre sentí un gran respeto por la discografía de estas tres bandas en las que Cornell militó. Me encanta el Grunge, no tanto como el Heavy o el Hard-Rock , pero bandas como Pearl Jam, Alice In Chains, Nirvana y, por supuesto, Soundgarden siempre han ocupado un espacio (o varios mejor dicho) en mis listas de reproducción.

La muerte o, hablando con sinceridad, el suicidio de Chris Cornell fue un gran impacto para todos (me incluyo en este grupo) los que hemos sentido amor y cercanía con el Grunge y con sus cuatro pioneros. Es muy deprimente saber que tres de los cuatro líderes (Kurt Cobain, Layne Staley y Chris Cornell) , solo se escapa Eddie Vedder (¡y que dure mucho tiempo más!), hayan fallecido, además, de una manera tan dolorosa como es el suicidio. Estos cuatro héroes, si los sumabas, conformaban un ser perfecto: la rebeldía de Vedder, el misticismo de Kurt Cobain, la sensibilidad de Cornell y la chulería de Layne...¡vaya combinación!

Ese mismo día, por la tarde, acordé con mi amigo Fede reseñar nuestro álbum preferido de Soundgarden, el "Badmotorfinger", para publicarlo en un par de semanas (¡estén atentos!), pero yo me adelantado un poquito y os traigo a continuación un análisis humilde del debut de la banda,  "Louder Than Love"  que ha salido desde el cariño y la admiración a Soundgarden y a Cornell. Esta reseña ha sido escrita el día después de su fallecimiento, viernes 19 de mayo.

Corría el año 1989. Tras haber debutado un año antes de manera independiente con "Ultramega OK", un disco caracterizado por su sonido crudo y, en ocasiones, melódico, la banda de Seattle (¡cómo no!) firmó por A&M Records, con quienes entraron rápidamente al estudio para grabar "Louder Than Love", que saldría poco tiempo después, regalándonos una buena colección de canciones, mezclando diversas influencias de las que se habían nutrido hasta aquel momento (Doom, Punk, Hard-Rock,...).

La producción del LP es buena, muy propia de un álbum de Grunge, y, además, mucho mejor que la del primer álbum, que sonaba bastante cutre en este aspecto. Este logro fue obra del mismísimo Terry Date, uno de los personajes fundamentales en el desarrollo de este subgénero musical.

La combinación de Cornell, de una escuela más clásica dentro del Rock, con claras influencias de Blues también, se mezcla con el Metal de Thayil, quien bebió más de influencias de Sabbath y del Punk, crearon algo nuevo. Y es que muy probablemente, Soundgarden pudieron ser los pioneros del Grunge, aunque no se les etiquetó en este género hasta que sus compatriotas de Nirvana obtuvieron el éxito mundial con "Nevermind", considerando todo lo que sonaba similar a Cobain y compañía como Grunge.

No me quiero detener mucho más en estos detalles previos, porque tengo muchas ganas de empezar a desgranar cada tema del disco. Quiero aclarar, únicamente, que este no es para mí el mejor que lanzaron los de Seattle, pero no por ello voy a dejar de ponerle una nota alta ;)

Ugly Truth:  Siempre me ponen nervioso, a la vez que atento, los sólidos y pausados baquetazos con los que abre el álbum. No tardarán en introducirse los primeros Riff "sabbathianos" del álbum, que bien podían haber sido tocados por Tony Iommi. Pasan unos segundos y Cornell agarra el micrófono para sacar a relucir su chorro de voz. Si combináramos a Black Sabbath con algunas canciones de Led Zeppelin, el resultado sería algo similar a esto. 
¡VAYA INICIO! 

Hands All Over: Segundo balazo, sin tiempo para recuperarnos de la herida causada por el primero. Una canción con uno sonido muy similar a Pearl Jam, salvando las diferencias que existen entre ambas bandas. Gran trabajo de todo el conjunto, especialmente de Cornell y su potencia vocal, asimilándose mucho en ocasiones a Robert Plant, una reconocida influencia para él. No es de mis preferidas del LP, tal vez se alargue algo más de la cuenta, pero cuando la canción es buena da igual que dure 6 minutos ;)

Gun: ¿Seguro que Iommi no se coló en el estudio para grabar la guitarra? Es escuchar esos Riffs tan cercanos al Doom y no parar de pensar en la carátula del "Vol.4" o en el "Master of Reality". Al menos esa es mi impresión al principio, porque poco a poco la canción va ir acelerando su tempo hasta convertirse en una endiablada composición, de las mejores de todo el trabajo. La locura estalla  en el minuto 2:43 cuando la canción se convierte en un amplio instrumental metalero con uno de los grandes solos de Thayil. La guinda de este enorme pastel lo ponen los gritos de Cornell a los 4 minutos de tema. INCREÍBLE.

Power Trip: Turno de mi preferida de todo el álbum. El Blues de Cornell terminó por imponerse en una de las composiciones, aunque fuera bajo un trasfondo Metalero. Sobre una sólida base de batería y, especialmente, de bajo (¡enorme Yamamoto!) se mueven Thayil, con unos punteos oscuros, pero sugerentes, y el superdotado Cornell, que tira de un registro que fusiona el Blues, el Soul y el Metal (¡VAYA INTERPRETACIÓN!).

Get On The Snake:  La canción más Hard-Rockera de todo "Louder And Love". Una canción que tiene la marcha de Led Zeppelin, con un apoteósico Cornell, que brilla sobre todo el conjunto. No es una composición que brille por la técnica de sus músicos, sino más bien por el titánico resultado de unir cada individualidad, formando un gigante pegadizo.

Full on Kevin’s Mom: ¡Pelos de punta! Si piensas que Soudngarden eran solo Grunge, se te viene encima una buena dosis de Speed Metal y Punk para tu oído. Adrenalina en estado puro para tu vena. No esperes una composición compleja, el Punk no entiende de eso, pero sí de ponernos patas arriba y hacernos mover la cabeza hasta perder el sentido del equilibrio.

Loud Love: Lo bueno de tener en tu banda a un personaje tan carismático y único como cantante es que puedes componer canciones sencillas instrumentalmente para que este se encargue de transformar la aparente sencillez en algo valioso e increíble. Si bien es cierto que es un corte muy lineal (no esperes una aceleración inesperada), es increíblemente potente y llevadero.  

I Awake: Amig@s míos, la que se nos viene encima. La introducción de blues depresivo nos conduce directamente a un grito estremecedor de Chris y el inicio de una canción 100% doom. Aquí no podemos hablar de una canción "facilona", sino de algo muy complejo. La pesadez instrumental, posteriormente transformada en una sublime sección más ambiental (¡mucha atención al bajo!), acompaña a un dramático Cornell que, como explica la letra, hace referencia al dolor que un enamorado sufre al romper con su pareja y ver que ella se encuentra genial.

No Wrong No Right: No todo podía ser perfecto. Tal vez esta sea la canción más floja del disco. Mantiene la esencia Doom, con un parecido más que reconocible con Sabbath, pero que no engancha tanto como otras del disco, y es que tiene algunos aspectos que pueden resaltarse, como los continuos cambios de registro con los que juega Chris.

Uncovered: Curiosa composición. Ni mucho menos es la mejor del disco, pero su atmósfera Hardrockera, combinada con algunos matices más propios del Funk y del Blues, hacen de "Uncovered" una canción de necesaria escucha.  

Big Dumb Sex: Volvemos a toparnos con el lado más zeppeliano de los de Seattle. Mucha vitalidad, con unas guitarras gemelas muy sugerentes y la voz de Cornell grabada en dos tonos diferentes (grave y agudo) que nos terminarán conduciendo progresivamente hasta un estribillo tan bueno como divertido, y algo erótico (I'm gonna fuck fuck fuck fuck you!). La letra, a modo de broma, juega con el concepto que se ha tenido siempre sobre el Rockstar y la idea del "Sexo, Drogas y Rock And Roll", que tanto se ha asignado con estas figuras.

Full on (Reprise): Terminamos nuestro viaje de manera instrumental.  Menos de dos minutos de puro derroche de magia y elegancia, con claros añadidos psicodélicos, donde el mismo Cornell empuña también una guitarra como acompañamiento de Thayil. Una nueva demostración del potencial que estos americanos tenían, y que pronto terminarían de explotar con la llegada de álbumes que, sin quitarle mérito a este "Louder Than Love", serían algo superiores en cuestiones de calidad. No obstante, el segundo álbum de Soundgarden se merece un 9,5.

Tristemente, muchas personas empezarán a valorar al bueno de Cornell ahora que ha muerto y su nombre figura en las noticias. Afortunadamente, disfruté de su música cuando estaba vivo y se había ganado, ya desde aquel entonces, el título de "leyenda" que parece que se  le ha impuesto ahora que no vive. El mundo, antes o después, se dará cuenta de esta enorme pérdida...


¡Va por ti Chris!

¡RAINBOW PUBLICARÁ DOS CANCIONES NUEVAS EL PRÓXIMO VIERNES!

¿Nos habremos metido en una máquina del tiempo y no nos habremos dado cuenta?

Pues, para nuestra sorpresa, no es así. Estamos en 2017 y la nueva formación de Rainbow, con Ritchie Blackmore a la cabeza, ha anunciado la inminente salida de dos canciones nuevas en formato single para el próximo viernes 26 de mayo, noticia que ha causado gran sorpresa  y emoción entre los fans de la banda. 

Realmente, solo una de las canciones es nueva, "Land Of Hope And Glory", puesto que la otra pista que se incluye en el single es una nueva versión de la legendaria "I Surrender", un clásico ochentero de Rainbow que Blackmore ha decidido regrabar con sus nuevos compañeros de banda.

Será muy interesante poder escuchar en este esperadísimo material a Ronnie Romero, el nuevo cantante de la banda, que recibió críticas muy positivas en la gira que realizó el  año pasado junto a Rainbow, sin olvidar que en un par de semanas también verá la luz el primer disco de su nueva banda, The Ferrymen. 

¡NOTICIÓN!

La Canción del Día: Outshined

Seguimos consternados con el suicidio de Chris Cornell, líder de Soundgarden, Audioslave y Temple Of The Dog, que se marchó hace solamente dos días, dejando un hueco enorme en el Rock. 

En el día de hoy vamos a realizar un pequeño tributo a este enorme cantante con "Outshined", una de nuestras canciones preferidas de Soundgarden, para recordar humildemente su figura tal y como se merece: con su música. 

Además, en unas horas subiremos una nueva reseña de un disco de Soundgarden que hemos preparado para el día de hoy, también, a modo de homenaje para Chris. 

¡Descansa En Paz Chris!

Feliz Sábado a todos!!

viernes, 19 de mayo de 2017

The Who - Quadrophenia (1973)

Calificación:
La historia ha demostrado que The Who eran auténticos genios a la hora de crear obras conceptuales. "Tommy" y "Quadrophenia" se han convertido en álbumes de culto en el Rock que todo auténtico melómano necesita tener en su amplia colección discográfica.

Sería un error no afirmar que estos 4 británicos fueron, son y serán virtuosísimos en sus diferentes instrumentos, conformando un bloque musical insuperable. No obstante, el auténtico artífice de la mayor parte de los éxitos de los Who, y por consiguiente de los dos álbumes que mencioné al principio, fue Pete Townshend, guitarrista y mente inquieta de la banda.

Corría el año 1972, y nuestro amigo Pete estaba algo frustrado con el panorama ante el que se encontraba. Las ideas no terminaban de germinar en su mente y varios de los proyectos que había tratado de empezar a idear se habían hundido como el Titanic. Mientras tanto, Roger Daltrey comenzaba a trabajar en otros proyectos en solitario, John Entwistle se aventuraba a lanzar su segundo álbum en solitario, "Whistle Rymes" y nuestro amigo Keith Moon grababa unas escenas ara la película "That'll Be The Day" (todo un actorazo jejeje). Lejos de darse por vencido, Townshend empezó a reunir algunos descartes y a tratar de convertirlos en futuros éxitos para la banda. Esta labor la realizó junto a Jack Lyons, fan desde los inicios de la banda que los había acompañado a muchas de sus giras con su moto y su traje. Era un Mod. Es en este instante cuando el guitarrista da un golpe sobre la mesa y se propone un desafío: crear una nueva obra conceptual, algo más realista que "Tommy", en la que el mundo de los Mods fuera el protagonista de la historia.  

El que la historia sobre al que giraría todo el LP se iba a centrar en el mundo real no quería decir que el argumento iba a ser simple (esa palabra no existe en el diccionario de Townshend). El protagonista de esta aventura, quien fue bautizado como Jimmy, era un chico que iba a tener una cuádruple personalidad (ahí es nada...). Cada una de esas personalidades reflejaba, a su vez, las actitudes de cada uno de los miembros de la banda. Para ello, Pete creó cuatro canciones principales que dirigirían la historia: "Helpless Dancer", correspondiente a la personalidad de Daltrey, "Bell Boy", reflejando la personalidad de  Keith Moon, "Is It Me?",  representando a Entwistle y "Love Reign O'er Me", que representa la de Townshend. 

Tras varios meses  cargados de dificultades a la hora de grabar, la banda terminó de parir su álbum en el estudio móvil de Ronnie Lane. La maestría de los Who había renacido ;)

Muchas veces los álbumes conceptuales pueden causar críticas negativas. Es todo un riesgo publicar un álbum de este tipo, puesto a que nunca sabes cuál va a ser la reacción del oyente. "Quadrophenia", lejos de hundirse en críticas, es un trabajo  impecable. Y si no me crees, aquí empieza el análisis de la obra para que tú mismo te des cuenta ;)

El disco arranca con el sonido del mar, mientras progresivamente se van sucediendo diversos versos de los 4 temas troncales que representan las personalidades de nuestro protagonista, pista que lleva el nombre de "I'm  The Sea" . Esa tranquilidad no tardará en marcharse con la explosión de los acordes de "The Real Me", el tema más rockero de todo el disco, y uno de los mejores en la carrera de la banda gracias a la base rítmica que posee donde, aunque podría nombrar a cualquiera de los otros miembros, John Entwistle hace auténticas virguerías con su bajo (¡cuenta la leyenda que lo grabó a la primera!). Daltrey se deja la voz e los intensos estribillos de este corte magistral. En este corte se nos presenta a Jimmy, quien busca ayuda en psiquiatras, en un cura, en su casa, pero no encuentra la respuesta a su problema.  Así de eléctrico empieza nuestro viaje.

La homónima “Quadrophenia" es una nueva demostración de las capacidades creadoras de Pete Townshend, quien crea una pista instrumental de seis minutos combinando de nuevo los cuatro temas troncales que representan las personalidades de Jimmy.  Podremos disfrutar de la combinación de pasajes de "Bell Boy" con "Is It Me?", "Helpless Dancer" o "Love, Reign O'er Me", como si de un solo corte se tratara. Los 4 músicos están en un estado de forma asombroso y aquí queda más que demostrado.  Según Pete “el concepto de las cuatro personalidades proviene de una reinterpretación de la esquizofrenia, una malinterpretación de la patología. Jimmy es un chico que sufre de esquizofrenia, y cuando toma la medicación su enfermedad se divide y sufre de Quadrophenia”.

"Cut My Hair" es de los platos fuertes de la obra. Canción tremenda de la banda, combinando los sintetizadores con el poderío rockero de la banda, especialmente destacando el papelón de Entwistle con el bajo y de Moon a la batería. Townshend interviene por primera vez cantando, maravillándonos con su suave tono. En este corte Jimmy recuerda una pelea que mantuvo en una concentración mod contra los rockers, lo que derivó en la expulsión de su casa por parte de sus padres. Lejos de deprimirse, nuestro protagonista parece estar orgulloso de ser mod y no piensa en dejarlo.

Ante la necesidad de respuestas, Jimmy decide acudir a un concierto de Rock, pero, lejos de salirse con la suya, descubre que aquello que él se imaginaba que era el Rock era demasiado idílico en comparación con la aparentemente peor realidad. Esta situación es representada en "The Punk And The Godfather".   Así lo entiende Townshend: “Jimmy va a un concierto de rock. Decide ir al backstage a ver a los miembros del grupo y uno de ellos llega y le manda a la mierda. Entonces se da cuenta que en realidad nada interesante pasa en el rock. Es otra cosa que tacha de su lista de esperanzas”.  Tema de Hard-Rock afilado, con cambios de ritmo que suenan a musical, sucediéndose en el micrófono Daltrey y Townshend.

Momento de una de las canciones más importantes del disco, "I'm One", baladón clásico en el que Townshend saca su lado más íntimo para contarnos secretos sobre Jimmy, que curiosamente están inspirados en la vida del propio Pete. No tardarán en entrar los baquetazos de Moon (¡tremendo!) y el bajo de Entwisle para animar la fiesta. SUBLIME.

“Cuando yo era un niño pensaba que mi guitarra era todo lo que tenía. No era suficiente para integrarse en un grupo, ni te hacía más apuesto ni inteligente como para ser popular en el colegio, ni suficiente para ser buen deportista…era un perdedor. Creo que todos nos sentimos así en algún punto. Sin embargo, ser un Mod daba una sensación de pertenencia. Jimmy está pensando que él,  por lo menos, es un mod” Pete Townshend sobre "I'm One"


Jimmy, triste tras ver que el Rock, aquello que contemplaba como su religión, no era lo que pensaba, consigue un empleo como basurero. No entablará buenas relaciones con sus compañeros debido a sus ideas de izquierda. "The Dirty Jobs" es una de las canciones más soberbias del discos, que cuenta con un puente-estribillo monumental, pegadizo y donde Daltrey logra emocionarnos con su prodigiosa voz. Hay que destacar los arreglos de cuerda y de sintetizadores, además de a Entwistle con su bajo.

 “Acaba trabajando como basurero como le pasa a la mayoría de los chicos cuando dejan el colegio a los 15 años. Ve que no tiene otra salida y esa situación le cabrea. Por supuesto, cuando haces algo que apesta siempre alrededor hay otras cosas que también apestan. Y él se ve confundido y molesto por la suciedad de la política!” Roger Daltrey sobre "The Dirty Jobs"

Llegamos al primero de los cuatro temas troncales del LP, "Helpless Dancer", la canción que define la primera de las personalidades de Jimmy y, a su vez, la de Roger Daltrey. Breve tema de dos minutos en el que el cantante británico vuelve a dejarno
s una exhibición vocal, mientras el contundente piano y la guitarra de Pete lo acompañan. Jimmy está amargado con el mundo, y su conciencia no deja de golpearle y aumentar, aún más, su frustración.

“Vemos de dónde viene la agresión realmente. Jimmy tiene una conciencia profunda que golpea. Su frustración con el mundo sólo lo hace estar más enojado, incluso amargado” Pete Townshend

Nos acercamos al final del primero de los dos LPs que componen "Quadrophenia" de la mano de "Is It In My Head?", un corte tranquilo, sin grandes acelerones en el que la banda sigue haciendo de las suyas. Temazo en el que Jimmy comienza a sospechar que su visión está empañada por el pesimismo.

"I've Had Enough" cierra con brillantez el primer álbum, narrando la ira de Jimmy al ver que la chica de sus sueños está con su mejor amigo su posterior decisión de volver a Brighton con sus amigos para revivir los buenos tiempos. Enorme parte inicial, rock duro en el que Daltrey y Townshend se turnan en el papel de cantante, que será finalizada con un amago del estribillo de “Love Reign O’er Me” para llegar a una breve sección de Folk que nos conduce directamente a la electricidad inicial para volverse a repetir el ciclo mencionado.

El segundo disco arranca con "5:15", gran Rock en el que Pete Townshend rompe el dulce inicio con un potentísimo tema de Hard-Rock a partir del cual los Who nos cuentan el viaje de Jimmy a Brighton.  Llegó a ser editada como single (1973) alcanzando el número 20 en las listas británicas. Según Pete, el viaje de Jimmy fue “apretujado entre dos caballeros encorbatados, en medio de los subidones y bajones que le producían las absurdas dosis de anfetaminas que tomaba”

Nuevos cambios de ritmo se suceden en la emotiva "Sea And San", donde la melodía no deja de dar paso al buen Rock. Durante su visita a Brighton, Jimmy va a una playa que frecuentaba con sus amigos y comienza a rememorar tiempos pasados. Según Townshend , “esto ocurre en 1965 y la escena Mod  estaba poco a poco desintegrándose y él lo único que hace es ir a Brighton a recordar los días en que 300.000 mods de Londres iban a la playa, sólo tres semanas atrás. Pero él ya está viviendo en el pasado”.

Jimmy tienta al suicidio, y los Who nos lo cuentan con "Drowned" que, lejos de tener un tono triste, es una de las canciones más animadas y felices que podrás escuchar en todo el LP. Enorme composición de los británicos que vuelven a sacar sus mejores individualidades para pulir un tema conjuntamente sólido.

El segundo tema troncal de la historia con el que podemos conocer mejor a Jimmy, "Bell Boy", correspondiente a la personalidad de Keith Moon, nos cuenta cómo Jimmy tocó fondo en su depresión.  El propio Moon se encargará de cantar en los estribillos, cantando en primera persona, como si del propio Jimmy se tratara. Al parecer, el protagonista se reencuentra con su viejo amigo mod Ace Face, quien se había en el botones de un hotel de mala muerte, una señal de que el movimiento mod estaba empezando a desvanecerse en el olvido. Canción sobresaliente, cargada de cambios de ritmo, con un mastodóntico Moon en la batería y con el micrófono.  Así es la explicación de Townshend sobre esta canción: “Jimmy conoce a un Ace Face venido a menos, convertido en botones en el hotel donde los Mods se juntaban. Éste lo mira a Jimmy con una mezcla de pena y desprecio, y le dice “Mira, mi trabajo es una mierda y mi vida es una tragedia, pero tú…, mirate tú, estás muerto!”.

 Dentro de "Dr.Jimmy" encontraremos el tercer tema troncal, “Is It Me?", que se corresponde con la personalidad del gran John Entwistle. La canción podemos dividirla en dos partes que se van sucediendo a lo largo del tiempo. Una primera más explosiva, en la que sobre todos los instrumentos brillan la batería de Moon y el vozarrón de Daltrey, representando de esta manera el momento de autoreflexión que experimenta Jimmy. La segunda parte es mucho más pausada y elegante, un fiel reflejo de cómo era Entwistle.

El penúltimo tema del disco, "The Rock",  vuelve a tratarse de un pequeño instrumental que fusiona todos los temas troncales, nos cuenta el mal estado mental de un Jimmy que se sube a un bote, hasta llegar a unas rocas donde espera que las olas lo golpeen. Esta maravillosa interpretación sirve de antesala para lo que en breve llegará...

El gran final de Quadrophenia, el colofón a un disco épico  llega de la mano de la espectacular "Love Reign O'er Me", probablemente, con permiso de "Behind Blue Eyes", la gran balada de The Who, que es además el cuarto tema troncal del disco, referido a la personalidad de Townshend. No hay suficientes adjetivos para describir esta canción y lo que Roger Daltrey hace con su voz, rugiendo cada estribillo con la fuerza y elegancia que solamente él sabía dar en su juventud. En la roca, aguardando la llegada de las olas, Jimmy se encuentra a sí mismo a partir de una iluminación. Un final precioso para un disco legendario.

Se acabó lo que se daba. Nuestro cuerpo se recompone poco a poco y asume que acaba de disfrutar de una degustación musical única en el Rock. La imaginación de Townshend volvió a imponerse y el resultado no podía haber sido mejor. Seis años después del éxito de este LP, Franc Roddam decidió llevar "Quadrophenia" al cine, convirtiéndose en un film adorado por la crítica cinéfila. Si no la has visto, te recomiendo seriamente que lo hagas.


 Seguramente, este fue el último "gran disco" de los Who, pese a que todavía faltaban por salir algunos trabajos interesantes. No necesitaban lanzar más álbumes para garantizarse un hueco en la memoria a largo plazo del Rock....ya eran leyendas por aquellos tiempos.

Nuestra Playlist