martes, 22 de agosto de 2017

La Canción del Día: Rooster

En el día en que Layne Staley la mítica voz de Alice In Chains, hubiera cumplido medio siglo de vida, queremos recordarle con "Rooster", una de las mejores canciones que nos dejó este trascendental conjunto durante su etapa de mayor gloria. En la letra, escrita por el guitarrista Jerry Cantrell, se hace alusión de un modo algo exagerado a la casi inmortalidad del padre de este músico, quien batalló en la Guerra de Vietnam, sobreviviendo a batallas realmente sangrientas, lo que hizo que recibiera el apodo del "gallo" (de ahí lo de "Rooster). La voz de Layne en este tema es de otro planeta. Se le echa mucho en falta, así como a Kurt Cobain y al más reciente fallecido Chris Cornell, tres de las voces que hicieron grande al Grunge. 

Feliz Martes!!!

¡Anthrax lanza videoclip para "In The End"!

Si bien es cierto que es extraño que Anthrax haya presentado un videoclip para un tema de su penúltimo disco de estudio, "Worship Music" (2011), un tema tan emotivo y bueno como "In The End", dedicado a la memoria de dos símbolos del Metal caídos como Ronnie James Dio y Dimebag Darrell. 

En el videoclip se muestran imágenes de las últimas giras de la banda americana con fotos entremezcladas en las que aparecen miembros de Anthrax con Dimebag y Dio, además de aparecer otros amigos de la banda como Tom Araya (Slayer) o David Ellefson (Megadeth), entre otros. 

¡Aquí tienes el vídeo!

lunes, 21 de agosto de 2017

La Canción del Día: Hypnotize

Hoy suena por el Blog "Hypnotize" de System Of A Down para celebrar el cumpleaños de su cantante, Serj Tankian, quien también ha tenido una gran trayectoria como solista, destacando por sus letras revolucionarias y canciones pegadizas. Con el paso del tiempo, SOAD se ha convertido en una de las bandas más populares del Metal moderno, por lo que son claros merecedores de pasar hoy por nuestra sección. 

Feliz Lunes!!

Funky Junction - Funky Junction Play a Tribute to Deep Purple (1972)

Calificación:
Seguramente si te preguntara si conoces a los Funky Juction, tu respuesta sería un no, salvo casos muy concretos, y una cara de sorpresa como si nunca hubieras escuchado ese nombre. Sin embargo, si te pregunto por Thin Lizzy seguro que ya te suenan más, aunque tristemente no hayan tenido nunca el reconocimiento que se merecen.

Pues resulta que los Funky Juction eran realmente los músicos de Thin Lizzy (eso sí que no te lo esperabas, ¿eh?).  Tras la publicación del homónimo debut y de “Shades Of Blue Orphanage”, estos jóvenes irlandeses, en un intento de darse a conocer aún más, y también de ganar algo más de sustento, aceptaron la oferta de David Miller, cuyo alias era Leo Muller, quien fue un afamado productor y dueño de varias compañías discográficas de segundo nivel, quien les propuso  grabar un álbum que contendría, mayoritariamente, temas de Deep Purple, además de incluir algún que otro cover  y una composición del propio Muller.  Lynott se sentía incapaz de cantar como Ian Gilllan, por lo que contactó con un cantante, también irlandés, llamado Benny White para que se encargara de la voz, ya que este con su banda Elmer Fudd, solía cantar temas de Deep Purple. Además, Dave Lennox, teclista de Elmer Fudd, fue contratado para los teclados. Esta nueva mezcla de miembros de Lizzy con otros músicos ajenos fue bautizada como “Funky Junction”.

Se dice que la banda necesitó un par de horas solamente de ensayo para grabar en un solo día todo el álbum. Curiosamente, Muller les impidió poner el nombre de Thin Lizzy en el proyecto y, encima, en la portada no aparecería ninguno de los miembros presentes en el proyecto, sino que optó por poner la foto de una banda llamada Hard Stuff que pertenecía al sello de Deep Purple.

La producción del disco suena bastante acertada, aspecto que podrá comprobarse desde los primeros segundos de “Fireball”. Guardando las distancias, hay que reconocer que Benny White hizo una gran labor con el micrófono, logrando llegar a un registro similar (no igual) al del maestro Ian Gillan. “Hush”, el primer gran éxito que tuvo la banda púrpura, suena bastante fiel a la versión original, logrando hacernos experimentar la misma necesidad de corearlo hasta la saciedad. “Strange Kinda Woman”, también originaria del álbum “Fireball”, suena tal vez algo más lenta que la creación de Purple, aunque también deja un buen sabor de boca. Del “In Rock” no faltarán versiones de “Black Night”, tal vez la más floja de todas por la voz (aunque el bajo de Lynott suena especialmente bien), y de “Speed King”, mucho más acertada.

A estas versiones hay que sumar una del “House Of The Rising Sun” de los Animals, en la que brillan por encima del resto la guitarra de Eric Bell y los teclados de Lennox, quienes se encargan de puntear la famosa sección vocal que popularizó el dotado Eric Burdon.  Aunque en los créditos Muller se autodenominó el compositor de la canción “Dan” (atent@s a la jugarreta del ricachón), esta es una versión instrumental  del clásico himno irlandés “Danny Boy”, una canción que tiene más de un siglo de vida, y que el señor Muller, cual Gene Simmons, decidió apuntarse el mérito. Realmente, las dos creaciones de Leo, como tal, fueron “Palamatoon”, más orientada a un sonido psicodélico, y la rockera “Corina”. 



Este disco es un objeto de coleccionismo muy preciado por muchos fans de Thin Lizzy y melómanos de todo el mundo. Muchas copias se han revendido a precios escandalosamente altos. Si bien es cierto que no deja de ser un disco de versiones, este es un material realmente interesante que sirve para documentar mucho mejor los orígenes de Lizzy, una banda que, si bien nunca obtuvo el reconocimiento que merecía, escribió su nombre con letras de oro en la Biblia del Rock. No quería ponerle una calificación al LP puesto a que no es original, salvo por los dos temas de Muller, pero me aventuraré a ponerle 3 estrellas y lo recomiendo bastante para todos los interesados. 

Bill Ward responde a los comentarios de Tony Iommi y Ozzy Osbourne

Siguen las tensiones entre los miembros originales de Black Sabbath, y más concretamente entre Bill Ward y el resto de sus compañeros, aunque Geezer Butler sigue sin pronunciarse sobre este asunto. Tras varios intercambios de palabra el año pasado entre Ozzy Osbourne y el que fuera batería de Sabbath durante su etapa más clásica, esta semana hemos vivido un nuevo capítulo en esta extraña rivalidad. 

A principios de semana Tony Iommi y Ozzy Osbourne volvieron a cuestionar el estado de salud de Bill, un hecho que, según sus excompañeros, impidió que el batería estuviera presente en la grabación del último álbum lanzado por la banda, “13”, y en las posteriores giras, incluyendo la de retirada. La respuesta de Ward no tardó en llegar en forma de mensaje en su muro de Facebook, dejando duras declaraciones y acusaciones hacia Tony y Ozzy. Aquí tienen algunas de las frases más destacables del mensaje: 

“Una vez más me veo en la tesitura de tener que defender mi postura ante lo sucedido desde 2011 hasta ahora. Los comentarios de Tony y de Ozzy siguen faltándome al respeto como persona y como músico. Estoy totalmente en desacuerdo con ellos. Ellos piensan que llevan razón pero en 2011 nadie me comentó que estuvieran alarmados por mi salud o por mi forma de tocar. Imagino que se lo callaron”.

“¿Cómo me dicen que no puedo salir de gira si estábamos grabando un disco? ¿Cómo me dicen que en 2011 mi salud estaba en riesgo, siendo falso, si hicimos una gira? Todos saben que preparo cada gira muy bien. Ignoraba que en 2011 me estaban juzgando y en eso se basan para acusarme”.

“¿Cómo puede Tony decir semejante cosa de mí? Ya se qué es estar de gira. He ayudado a crear el heavy metal. Creo que sus declaraciones son demasiado egoístas e inapropiadas. Tras la reunión he tocado todos los Ozzfests y las giras de Sabbath. Imagino que la primera gira que hicieron sin mí fue para ver si funcionaba”.

Fue su miedo, su desconfianza y su raciocinio el que les llevó a poner a baterías de apoyo durante las giras. Nunca me gustó esa idea. Jamás necesitaron a un batería de apoyo y no puedo validar el miedo de otros. Me perdí una gira en 1998 tras mi infarto. Entonces entendí que me sustituyeran porque los intereses del grupo hay que protegerlos”.

Ozzy dijo que "lo más triste es que él [Bill] necesitaba admitir esto". ¿Admitir qué en 2011? ¿Qué se supone que tenía que admitir, cuando en realidad me sentía emocionado, seguro y fuerte?; ese declive no existía en mí, todavía no existe hoy en día. No tenía nada que admitir, nada que confesar. El hecho de que Oz haya reaccionado con tristeza me dice que ya tenía su propio juicio de mí. Es muy triste saberlo.

Y Tony comentó, 'y fue una tontería, en realidad, porque fue algo sobre nada'. Tengo que confrontar esa afirmación. No fue una tontería decir que no. Fue algo importante para miles de personas. Siempre lo será. Nada puede afectar a la credibilidad de nuestros fans y lo que han hecho les insulta. En 2011 tuve mi experiencia y el resto hizo lo mismo. Hoy en día nos llevamos tan mal como siempre. Jamás olvidaré la última llamada de Ozzy, en 2012, en la que me preguntaba que cuándo llegaba a Inglaterra para comenzar a ensayar”.

Lamento la pérdida de la amistad de Ozzy.

Lamento la pérdida de la amistad de Tony.

Lo de tocar uno o dos conciertos tampoco es para mí. Eso es injusto para los fans que han pagado por ver al grupo y a su formación original. Para mí ha sido un honor formar parte de Black Sabbath y haber tocado con Tony Iommi, Ozzy Osbourne y Geezer Butler.

Larga vida a Black Sabbath”.

Ojalá algún día desaparezcan las tensiones entre estos viejos amigos. 

domingo, 20 de agosto de 2017

La Canción del Día: Inmigrant Song

Si ayer celebrábamos por todo lo alto el cumple de Ian Gillan, hoy nos toca festejar los 69 veranos de  Robert Plant, la voz de Led Zeppelin y otro icono eterno del Rock. Sería imposible describir el género obviando las aportaciones que esta leyenda hizo. 

Con "Inmigrant Song", canción que cuenta con varios de los mejores, y más famosos , gritos en la historia del Hard-Rock y del Metal más primigenio, recordamos el legado de Mr. Plant.

Felicidades leyenda! Feliz Domingo!!

sábado, 19 de agosto de 2017

¡Sale a la luz una canción inédita de Lemmy Kilmister!

El pasado 17 de agosto salió a la luz una versión del "Trying To Get You" de Elvis Presley grabada por Lemmy junto a Annie Marie Lewis, sobrina del legendario Jerry Lee Lewis, y Danny B. Harvey para un disco conjunto de estos dos últimos que lleva por título "Reckless, Wild And Crazy" y que cuenta con esta colaboración tan especial del siempre presente líder de Motörhead, un amante reconocido del Rock más clásico. 

Así de bien se desenvolvió Lemmy con este clásico del "Rey del Rock":

La Canción del Día: Child In Time

El cumpleaños de Ian Gillan siempre es motivo de celebración. Y es que el histórico cantante de Deep Purple (tampoco olvidemos su paso por Black Sabbath), además de tener una de las voces más grandes de la historia, es todo un icono del Rock. 

Podríamos elegir cualquier canción de Purple para festejar esta efeméride, pero creemos que "Child In Time" es la que mejor demuestra los dotes de este maestro. El momento en que Gillan comienza a gritar es muy emocionante. 

Feliz Sábado!!

¡Robert Plant lanzará nuevo disco en octubre!

¡Buenas noticias para todos los que somos fans de Robert Plant y de Led Zeppelin!

El que fuera cantante de una de las bandas más grandes de la historia del Rock ha confirmado la salida de un nuevo disco de estudio que llevará por título "Carry Fire" y que saldrá a la venta el próximo 13 de octubre.

Además, se ha confirmado la portada del álbum, el tracklist y, para nuestra fortuna, Plant ha lanzado hoy el primer sencillo del disco, "The May Queen", que puedes escuchar a continuación:




Tracklist:


1. “The May Queen”
2. “New World…”
3. “Season’s Song
4. “Dance With You Tonight”
5. “Carving Up The World Again”
6. “A Way With Words”
7. “Carry Fire”
8. “Bones Of Saints”
9. “Keep It Hid”
10. “Bluebirds Over The Mountain”
11. “Heaven Sent”

viernes, 18 de agosto de 2017

La Canción del Día: Barcelona

Tras el atentado terrorista que sucedió ayer en Barcelona, en un primer momento habíamos decidido no publicar nada en el día de hoy como señal de respeto, pero finalmente hemos decidido mantenernos fieles a nuestra labor porque es eso mismo lo que desean esa gente sin escrúpulos, y no vamos a dejarnos influenciar por idiotas con las manos llenas de sangre.

Eso sí. La canción del día de hoy va dedicada a la bella ciudad de Barcelona con la canción que Freddie Mercury y la soprano Montserrat Caballé escribieron y grabaron a principios de los 90s. Que suene bien alto esta emotiva canción por las víctimas del atentado de ayer. 

Anims Barcelona


¡The Who lanzará nuevo álbum en vivo!

The Who han confirmado la salida en todos los formatos (CD, DVD, Blu-Ray y Vinilo) de un concierto muy especial que la banda dio y grabó este mismo año en el Royal Albert Hall y en el que interpretaron por completo toda la obra conceptual “Tommy”, una de las obras imprescindibles de la banda. La fecha elegida por los británicos para este esperado lanzamiento es el 13 de octubre. 

Además de poder disfrutar de todos los temas que fueron incluidos en “Tommy”, también la banda ha incluido otros temas clásicos de su trayectoria que harán aún más jugoso este material. 

Setlist:

 “Introduction”
“Overture”
“It’s a Boy”
“1921”
“Amazing Journey”
“Sparks”
“Eyesight to the Blind (The Hawker)”
“Christmas”
“Cousin Kevin”
“The Acid Queen”
“Do You Think It’s Alright?”
“Fiddle About”
“Pinball Wizard”
“There’s a Doctor”
“Go to the Mirror!”
“Tommy Can You Hear Me?”
“Smash the Mirror”
“Underture”
“I’m Free”
“Miracle Cure”
“Sensation”
“Sally Simpson”
“Welcome”
“Tommy’s Holiday Camp”
“We’re Not Gonna Take It”
“I Can’t Explain”
“Join Together”
“I Can See for Miles”
“Who Are You”
“Love, Reign O’er Me”
“Baba O’Riley”
“Won’t Get Fooled Again”

Además, la banda ha lanzado el primer adelanto de este nuevo trabajo en vivo: 

Motörhead - Keep Us On The Road (2002)

Calificación:
Sin duda, los Bootlegs (grabaciones que no han sido lanzadas oficialmente por los artistas) son materiales realmente preciados para  millones de melómanos (me incluyo en este grupo) y de fans de la buena música.

En el año 2002, Motörhead supo sacar partido de la existencia de viejas grabaciones no oficiales de sus primeros shows como banda y decidió concentrarlas en un imprescindible álbum llamado “Keep us On The Road Live 1977”, en el que se recopilan dos presentaciones en vivo íntegras que fueron lanzadas como bootlegs  bajo los respectivos títulos de “Blitzkrieg On  Birmingham ’77 ” y  “Lock Up  Your Daughters”. Cada directo ocupa uno de los dos discos que incluye esta jugosa reedición. Ambas presentaciones en vivo suenan salvajes y reflejan perfectamente lo que Lemmy Kilmister, Philthy “Animal” Taylor y Eddie “Fast” Clarke, la primera gran formación de la banda (y la que creó la mayor parte de los clásicos) se traían entre manos.

No voy a detenerme a analizar cada uno de los dos shows “tema a tema”, porque creo que para eso están las reseñas de cada álbum de Motörhead, pero sí hablaré, a continuación, de cada uno de los conciertos de una manera resumida y lo suficientemente clara para intentar animarte, querid@ lector/a,  a escuchar este casi desconocido material.

El primero de los dos shows fue grabado en Birmingham, a principios de 1977, y en este podemos disfrutar de muchas interpretaciones de los primeros temas grabados por Motörhead, y que fueron incluidos tanto en el debut “On Parole” (que fue grabado en 1975 por la primera formación de la banda, Lemmy, Lucas Fox y Larry Wallis, pero no vio la luz hasta 1979 porque la discográfica no estaba convencida de su capacidad de no obtener ventas) y “Motörhead”, lanzado en 1977. Tras la inconfundible introducción de Lemmy con un serio “We Are Motörhead”, el trío nos vuela la cabeza con “Motörhead”. Se sucederán grandes temas como “Vibrator” (fan hasta la sepultura de este tema), “Leaving Here”, “City Kids” (cara b del single de “Motörhead), “Iron Horse”, que fue rescatada en el histórico “No Sleep ‘Til Hammersmith” de 1981, o dos temas (“I’m Your Witchdoctor” y “On Parole”) del EP de 1980 “Beer Drinkers And Hellraisers”.  El sonido, en general, es bueno y muestra fielmente la crudeza de Motörhead en directo.

El segundo CD presenta como característica principal que, junto a algunos temas de la primera etapa de Motörhead (imperdibles “Lost Johnny”, “Iron Horse”  y “The Watcher”) , se incluyen algunos trallazos del legendario “Overkill” como “I’ll Be Your Sister” (muy buena interpretación vocal de Lemmy aquí), “Tear Ya Down” (impecable en directo) o el exitoso single de “Louie Louie”. La calidad de sonido es algo peor que la del anterior CD, pero tampoco impide por ello pasar un buen rato escuchaándolo. Finalmente, la instrumental “Instro”, otra rareza que apareció en el EP de “Beer Drinkers And Hellraisers” cierra de buenas maneras este tan disfrutable material.



No seré yo quien diga que este material doble sea mejor que “No Sleep ‘Till Hammersmith”, porque eso sería profanar la leyenda de uno de los directos de Metal más espectaculares que se han grabado. No obstante, recomiendo seriamente la escucha de este doble LP porque, al fin y al cabo, nos da una fiel representación de cómo fueron los primeros pasos de Motörhead en el Metal. Por la aceptable calidad de su sonido (tratándose de un Bootleg es sorprendente), por la caña y la buena ejecución en ambos recitales por parte de la banda y por la cantidad de temas y rarezas no tan habituales en las presentaciones en vivo, este “Keep Us On The Road” es digno de un 8.   

jueves, 17 de agosto de 2017

Metallica en vivo desde Edmonton (Canadá)

Para celebrar el final del WorldWired por Norteamérica, Metallica transmitió en vivo el último show de esta parte de la gira promocional de su último disco "Hardwired...To Self-Destruct" celebrado en Edmonton (Canadá).

A continuación puedes disfrutar del concierto completo: 





Setlist:


La Canción del Día: Hell Patrol

Los Judas Priest suenan hoy en este caluroso jueves veraniego. Además, no será un tema cualquiera, sino la épica "Hell Patrol", uno de los muchos temas que estuvieron incluidos en el histórico "Painkiller" (1990), uno de los discos más grandes de la banda. 

Feliz Jueves!!

miércoles, 16 de agosto de 2017

La Canción del Día: Hound Dog

Hace 40 años el mundo quedó en shock al conocer la noticia acerca del fallecimiento de Elvis Presley, el llamado "Rey del Rock". Los excesos y la fama comenzaron a destruir al joven icono, causándole un infarto agudo en la mañana del 16 de agosto de 1977. Existen teorías conspirantivas que afirman que Elvis no murió, sino que fingió su muerte y adoptó una nueva identidad. 

Recordamos a esta inmortal figura con su versión del Hound Dog de "Big Mama" Thornton, una de las canciones a través de las que alcanzó la fama mundial. 

martes, 15 de agosto de 2017

Fleetwood Mac - Mr Wonderful (1968)

Calificación:
A principios de 1968 el mundo conoció a Fleetwood Mac con su homónimo debut, un álbum que combinó las raíces del Blues americano con la creatividad de Peter Green, quien se puso a los mandos de la banda hasta tal punto que su nombre figuró en el título del disco (“Peter Green’s Fleetwood Mac”. Su acogida, aunque no fue extremadamente alta, sirvió lo suficiente como para dar a conocer a esta novedosa banda.  

Fruto de este relativo éxito los británicos comenzaron rápidamente a grabar “Mr. Wonderful”, que vio la luz en agosto del mismo año y que contó con la participación de un mayor número de músicos (saxofonista, teclados,…).   

Si bien el primer disco mostró un set de canciones variadas, aunque siempre bajo cierta etiqueta Blues, “Mr. Wonderful” es aún más fiel a este género, llegando incluso a tener temas que suenan casi clavados.  

El disco abre con el gran clásico de este disco, “Stop Messin’ Around”, un Blues-Rock de la vieja escuela con el que la banda nos anticipa sin tapujos el sonido que desarrollarán a lo largo del disco. Este tema tan elaborado y brillante fue regrabado décadas más tarde por Aerosmith, quienes se han declarado amantes de Fleetwood Mac, y que además fue cantada por Joe Perry, guitarrista de “los chicos malos de Boston”. 

“I’ve Lost My Baby” podría usarse en las escuelas para explicar a las nuevas generaciones qué es el Blues. El slide de Jeremy Spencer tiene una presencia fundamental en esta canción tan sencilla y, a la vez, tan bien hecha.

Mucho más festiva es “Rollin’ Man”, una canción similar al “Messin’ With The Kid” de Junior Wells, y que ha sido tantas veces versionada. Una canción en la que brilla la guitarra de Peter Green, punteando al final de cada verso. El mejor momento se produce casi al final, cuando la batería de Mick se acelera y la canción toma un nuevo sonido.

El primer cover de Elmore James de los dos que hay en este LP es el de “Dust My Broom”. Claramente, el señor Elmore influyó con su sonido en los primeros Fleetwood Mac.  No nos va a descubrir la pólvora este tema, pero, como el buen Blues, es garantía de unos buenos minutos musicales.

Una de mis predilectas es la balada bluesera “Love That Burns”, una bella composición en la que disfrutaremos de una gran exhibición vocal, de punteos realmente emotivos y de un acertadísimo piano. Es, sin duda, uno de los puntos álgidos de este “Mr. Wonderful”.

Llegamos a la mitad del álbum con “Doctor Brown”, original de Buster Brown. No desentona en absoluto con lo que hay en el disco. Buena canción.

Sí, no son alucinaciones. Tanto “Dust My Broom”, como “Doctor Brown”, la posterior “Coming Home” y esta “Need Your Love Tonight” empiezan clavaditas, un claro ejemplo de la poca variedad que puede escucharse en el disco y de la gran influencia que fue Elmore James para esta banda en sus inicios. Nada mal este Blues. 

“If You Be My Baby”, si bien no se aleja del Blues, tiene un sabor más de carretera. Me trae recuerdos del “You Shook Me” que versionó Led Zeppelin en su épico debut.

Turno de bailar al ritmo de “Evenin’ Boogie”, un Boogie-Rock completamente instrumental y extremadamente pegadizo que animará mucho la escucha del disco. A los trabajados momentos de guitarra se incorporarán algunos arreglos de viento.

Lazy Poker Blues”  y “Coming Home” nos acercan de manera aceptable al gran final que firma “Trying So Hard To Forget”, un Blues acústico mucho más pausado y elegante. Tal vez uno de mis momentos preferidos del LP junto a “Stop Messin Around” y “Love That Burns”.

Pese a que algunos críticos atacaron a la banda por su similitud de sonido con el de Elmore James, este fue el álbum con el que realmente Fleetwood Mac despegó en su viaje a la fama. En poco tiempo alcanzó la décima posición en las listas británicas, manteniéndose ahí durante 11 semanas. Esto les permitió embarcarse en una extensa gira como teloneros de Jethro Tull y Joe Cocker. Además, por estos tiempos, su sencillo de “Black Magic Woman”, lanzado a principios de 1968 y que pronto sería versionado por Santana, comenzó también a invadir el UK Single Chart, siendo el primer single de la banda en entrar en esta lista.

La etapa Blues de la banda se cerraría tras la grabación del “Blues Jam At Chess” en el que rindieron tributo a muchos de sus ídolos con grandes versiones. “Then Play On”, disco del que hablaré pronto, supuso un cambio muy interesante en el sonido de Fleetwood Mac.


No, Mr. “Wonderful” no es un disco que pasaría a la historia de la humanidad, pero tampoco es un disco malo. Fleetwood Mac comenzaba a dar sus primeros pasos hacia la grandeza. Si bien no vamos a encontrar mucha variedad, o no tanta como en su primer disco, en general es un disco muy disfrutable, especialmente si te gusta el Blues, y en el que podrás encontrar algunos temas realmente buenos. Un disco digno de 3 estrellas.



La Canción del Día: In The Evening

Hace 38 años Led Zeppelin lanzó "In Through the Out Door", último disco con la formación original al completo y viva ya que John Bonham, batería de la banda, falleció un año después. Si bien no fue el mejor trabajo editado por estas leyendas, sí que contuvo auténticos trallazos como "In The Evening", tema que suena hoy en el Blog. 

Feliz Martes!!

Metallica ensaya Of Wolf And Man...y crea una nueva (y divertida) canción

Metallica pasa por un momento realmente dulce en su trayectoria, y eso puede verse en la sala de ensayos que siempre montan en cada recinto en el que, horas después, actúan para miles de personas, donde impera el buen ambiente entre los cuatro miembros de la banda. 

Prueba de ello es este pequeño extracto de los ensayos para el show que dieron en Vancouver. Además de rescatar una vieja conocida como "Of Wolf And Man" (Black Album), justo antes el cuarteto improvisa una tronchante canción a la que dan el salvaje título de "My Dick". 

¡El próximo año disfrutaremos de ellos en vivo y os vamos a ofrecer un amplio especial! 

lunes, 14 de agosto de 2017

La Canción del Día: Cochise

Seguimos recordando al fallecido Chris Cornell, quien nos dejó a finales de mayo de este mismo año, con una de las canciones más emblemáticas que lanzó junto a Audioslave, supergrupo que formó junto a la sección instrumental de Rage Against The Machine (Tom Morello, Brad Wilk y Tim Commerford). Tema explosivo en el que el eterno Cornell hace una interpretación digna de 5 estrellas.

¿Un emoticono de Lemmy? ¡Hagamos que sea posible!

Siguen surgiendo diversos homenajes al bueno de Lemmy Kilmister, líder de Motörhead. La última ha sido propuesta por un fan llamado Mark Davis, quien ha iniciado una petición a partir de Change.Org para introducir un emoticono de Lemmy que se usaría en diversas redes sociales y en otros ámbitos. Ya este año fue introducido un emoticono con el que se rindió homenaje a David Bowie a través de un chico y una chica que fueron pintados como en la portada de "Aladdin Sane". 

Si quieres ayudar a que esta propuesta sea posible en un futuro, puedes acceder a Change pulsando AQUÍ y, después, firmar la petición

domingo, 13 de agosto de 2017

La Canción del Día: Love On The Wrong Side Of The Town

Uno de los lanzamientos más sorprendentes he inesperados de este 2017 ha sido "Soulfire", un LP en solitario del gran Little Steven de la E Street Band de Bruce Springsteen. En este combina numerosos estilos, logrando construir un disco muy disfrutable. 

Hoy suena por el Blog "Love On Th Wrong Side Of The Town", único tema del disco compuesto por Bruce Springsteen (suena muy similar a su estilo). 

sábado, 12 de agosto de 2017

Dire Straits - Dire Straits (1978)

Calificación:
Si hay un grupo que siempre he creído que nunca ha sido valorada tal y como se merece, esos son los Dire Straits, una banda legendaria que nos regaló el Reino Unido, y que dejó para la historia auténticos clásicos, entendiendo por “clásico” no solamente una serie de canciones, sino también de discos. En esta reseña intentaré analizar de una manera muy sencilla el debut de esta inolvidable banda.

En una escena musical británica realmente hostil en la que el Punk y la música disco comenzaron a imponerse por encima del Rock más clásico, es el momento en que dos jóvenes hermanos escoceses, aunque de ascendencia judía, llamados Mark y David Knopfler, decidieron unir fuerzas con John Illsley y Pick Withers para formar una banda ajena a las tendencias de aquel momento. Su sonido se caracterizó por nutrirse de diversas influencias más añejas como el Blues, el Rockabilly, el Folk y el Country, tomando a instituciones de la música como Eric Clapton, J.J. Cale, Chuck Berry o Bob Dylan como influencias.

Tras costearse un par de maquetas con sus propios bolsillos, nuestros protagonistas la distribuyeron por diferentes emisoras de radio en busca de una oportunidad. Fue Charlie Gillett quien comenzó a pinchar en su programa de radio de la BBC “Sultans Of Swing”. Aquella canción despertó el interés de Vertigo Records, quienes no tardaron en ofrecerle su primer gran contrato discográfico.

Poco tiempo después, el cuarteto entra a los estudios Basing Street, bajo la supervisión del productor Muff Winwood, donde, en menos de un mes, graba el que sería su primer LP, que fue editado el 7 de octubre de 1978.  


Este primer capítulo en la carrera de los Dire Straits se inicia con una de mis canciones preferidas. “Down To The Waterline” define en tres minutos el sonido que caracterizaría a esta banda en gran parte de su carrera. Tras una sensual apertura de guitarra firmada por el maestro Knopfler, la batería de Pic Withers inicia las hostilidades y comienza un tema completamente nuevo, cargado de mucha energía y buen hacer. La voz de Mark comienza a desvelar los primeros versos con ese tono tan característico que, si bien no pasará a la historia por uno de los registros más amplios y bellos de la historia, sí quedará en la memoria del Rock (es una voz muy reconocible). Los solos de este genio no tardarán en aparecer. La historia de los Straits había comenzado y nada podría impedirlo.


Mucho más relajada es “Water of Love”, una canción que podía haber llevado la firma fácilmente de otro grande como JJ Cale, pero que lleva la de otro grande como es Mark Knopfler. Buena sintonía de las bellas guitarras acústicas, ofreciendo momentos realmente atractivos cuando puntean, con la infalible pista de bajo que marca el ritmo  y los arreglos de percusión con cierto regusto tropical. Mark tampoco perdonará la ocasión y nos obsequiará con un buen puñado de solos con slide.


“Setting Me Up” se nutre del Rock americano más tradicional, pero con una dosis añadida del estilo propio de los Dire Straits. Esta canción podría estar incluida perfectamente en el “Slow Train Coming” de Bob Dylan, álbum en el que Knopfler colaboró concienzudamente. Melodías alegres y una gran instrumentación logran construir un tema muy agradable de escuchar.


Uno de los títulos más queridos del disco podría ser “Six Blade Knife”, un tema hipnótico. Si mezclamos el Blues, el Rock y algo de Folk resulta un tema de estas dimensiones. La voz de Knopfler llama la atención, además de por su calidad, por su forma de cantar, con dejadez y chulería. Lejos de optar por unos virtuosos solos, Mark se saca de la manga unos soberbios punteos de guitarra tan limpios como envolventes.


Como en el tercer tema de este álbum, “Southbound Again”, vuelve a hacer un guiño a la música americana. La combinación de punteos de Knopfler, tanto en el solo como en el Riff principal, vuelve a ser el punto más álgido del tema.

Y llega EL MOMENTO del disco. Si hay un tema que ha elevado a los Dire Straits a la categoría de leyendas, con permiso de “Money For Nothing”, esta es la archiconocida “Sultans Of Swing”, una canción que cuenta con espectaculares guitarras (esos primeros acordes enganchan a cualquier mortal), una gran interpretación de Mark a la voz y una gran base de batería-bajo. La letra, como tantas otras bandas hicieron por aquellos tiempos, trató el origen del Rock enfocándola a la actuación de una banda en un pub al sur de Londres, en el que se alude a lo innovador que fue aquel sonido para todos los allí presentes, siendo el génesis de algo nuevo y que se iba a quedar por los siglos de los siglos. Emblemática canción que, desde mi punto de vista, es aún mejor en directo. La versión que los Straits se marcaron en el imprescindible directo “Alchemy”.


Las pulsaciones descienden un poco con la lograda “In The Gallery”, una canción en la que la rítmica de David Knopfler, a quien poco he nombrado hasta ahora,  suena especialmente bien y mucho más destacada que en el resto del álbum. Poco después de llegar a la mitad del tema, todo cambia y este corte toma aires más propios de un jam de guitarra en el que Mark despliega nuevamente su arsenal de solos más técnicos.

Turno de la melancólica “Wild West End”, en la que puede escucharse, además de los instrumentos habituales, la presencia de un piano. No obstante, yo disfruto más con la combinación tan elegante que logran los Knopfler al combinar la sutileza de la guitarra eléctrica, con su punteo tan especial, y la belleza de los arpegios de la guitarra acústica. Un tema muy disfrutable.

Finalmente,  “Lions” cierra el disco por todo lo alto con una buena ración de cambios de ritmo que varían de la nostalgia al mayor de los optimismos. Musicalmente es un corte fiel al estilo de los Dire Straits (100% reconocible), pero con personalidad propia. Mark, tal y como empezó el LP, nos despedirá con un destacable, y breve, solo de guitarra.

La ilusión, el buen hacer y la enorme creatividad de la banda terminaron siendo recompensados, llegando al número uno en las listas alemana, australiana y francesa, al número dos en Billboard y en Nueva Zelanda y al 5 en el Reino Unido. Además, el sencillo de “Sultans Of Swing” llegó al puesto número 4 en el Billboard Hot 100 y al puesto número 8 en la lista de sencillos británicos.

Desde mi punto de vista, y aquí tengo que usar la subjetividad, este primer asalto de los Straits se codea perfectamente con “Brothers In Arms” y “Making Movies”, mis otros dos álbumes predilectos de la banda. Por encima seguramente este ese monumental “Alchemy”, que no es solo lo mejor que he escuchado de los Dire Straits en todos estos años, sino uno de los directos más emblemáticos del Rock.

“Dire Straits” es, en resumen, un disco disfrutable, muy variado y con el que la banda británica dio su primer paso firme hacia el éxito. No se merece menos de un 9. 



La Canción del Día: Sultans Of Swing

Mark Knopfler, líder de los Dire Straits y uno de los guitarristas más elegantes que han existido, cumple hoy 68 años. Desde sus inicios, Mark experimentó con su grupo una extensa trayectoria en la que combinó diversos estilos, logrando enriquecer aún más el Rock con su música. 

Hoy suena por aquñi "Sultans Of Swing", la canción emblema de los Dire Straits en un humilde homenaje al bueno de Mark. 

Feliz Sábado!!!!

viernes, 11 de agosto de 2017

La Canción del Día: Die By The Sword

Ya ha pasado una semana desde que Accept lanzó "The Rise Of Chaos" y creo que ya va siendo hora de compartir algo de este novedoso, y buen, LP en el Blog. "Die By The Sword", tema que abre el disco, suena hoy por aquí. Además, queremos anunciar que tenemos casi terminada la reseña del álbum, junto a Dosis Metalera, y que...¡será publicada en los próximos días!

Feliz Viernes!!

Metallica remasterizará "Master Of Puppets"

Metallica sigue dando sorpresas a sus fans, y parece que no tienen muchas intenciones de parar. Al parecer, a las remasterizaciones de “Kill ‘Em All” y “Ride The Lightning” se le unirá pronto la de “Master Of Puppets”, uno de los álbumes más famosos del Metal, que precisamente el año pasado cumplió 30 años.


En una reciente entrevista concedida a Voir, el baterista Lars Ulrich habló de este asunto: "Vamos a intentar publicarlo a finales de este año. Será muy pronto. De hecho, estamos trabajando en ello. Existen un montón de cosas relacionadas con 'Master Of Puppets'... Es un gran proyecto. Hemos estado bastante ocupados con el último álbum y así sucesivamente, pero 'Master Of Puppets' es obviamente lo siguiente que haremos. Esperamos que sea a finales de este año. Si no, tan pronto como podamos.

Se desconoce si a la mejora del audio del LP se le sumarán jugosos extras (temas inéditos, demos, algún directo,...), como los que figuraron en las remasterizaciones de los dos primeros álbumes. 

Ronnie Wood habla por primera vez de su reciente lucha contra el cáncer

Hace unos meses nos quedamos de piedra al conocer que al bueno de Ronnie Wood, guitarrista de los Rolling Stones, le había sido detectado un cáncer de pulmón. Tras meses en silencio, el mítico músico ofreció una extensa entrevista en la que habló sin tapujos de esta triste experiencia.

La enfermedad le fue detectada tras hacerse un chequeo para analizar el estado de sus órganos principales. Según Ronnie el médico “volvió y me dio la noticia de que tenía esa supernova ardiendo en mi pulmón izquierdo. Y, para ser completamente honesto, no me sorprendió".

Ante la posibilidad de que el cáncer se hubiera extendido, Wood tomó la decisión de que se negaría a recibir quimioterapia, no por desconfiar de la eficacia del tratamiento sino porque según el guitarrista "se trataba más bien de que no quería perder mi cabello. Este cabello no se va a ir a ningún sitio, me dije, de ninguna manera".

Finalmente, las noticias fueron buenas y se confirmó que no se le había extendido. Tras operarse parece que el veterano artista se encuentra “bien” y preparado para volver a salir de gira con “sus satánicas majestades”.

No obstante, Ronnie no duda en reflexionar sobre su fortuna aludiendo a que su cáncer “lo descubrieron "pronto. La gente tiene que hacerse chequeos. Seriamente, lo tienen que hacer. Tuve una suerte increíble, siempre he tenido a un ángel de la guarda muy fuerte mirando por mí. La verdad es que yo no debería estar aquí"


¡Desde aquí mandamos mucha fuerza a esta leyenda del Rock!

¡Así fue la estancia del hijo de Robert Trujillo en Korn!

Rum Entertaiment ha subido un pequeño documental a su canal de You Tube en el que Robert Trujillo, bajista de Metallica, nos cuenta cómo fue la experiencia de su hijo Tye, de tan solo 12 años de edad, en Korn durante la más reciente gira de la banda americana, así como también recuerda los primeros pasos del joven músico. Robert saca su lado paterno a la hora de contar lo ocurrido, pero también nos narrará esta curiosa historia como aficionado que estuvo presente durante toda la gira. 

jueves, 10 de agosto de 2017

La Canción del Día: Locomotive Breath

Si tuviera que hacer una lista de músicos/artistas realmente peculiares sobre el escenario, sin duda, no faltaría el gran Ian Anderson, líder, voz y flauta travesera de Jethro Tull, quien hoy cumple 70 añazos (¡CASI NADA!). Esta sección, como no podía ser de otra forma, celebrará su cumpleaños con "Locomotive Breath", uno de los grandes clásicos incluidos en el magistral "Aqualung".

Feliz Jueves!!



miércoles, 9 de agosto de 2017

La Canción del Día: Collide

Hemos tenido que esperar 5 años para poder escuchar algo nuevo de Black Country Communion, la superbanda formada por Glenn Hughes, Jason Bonham, Joe Bonamassa y Derek Sherinian, quienes el pasado viernes rompieron su silencio y publicaron "Collide", single con el que anunciaron la llegada de "BCCIV", su nuevo LP que verá la luz el 22 de septiembre.

Feliz Miércoles!!


David Gilmour - Rattle That Lock (2015)

Calificación:
Más de 50 años de carrera al servicio del Rock es un dato del que puede presumir el  icónico David Gilmour, guitarrista y cantante de Pink Floyd. No obstante, no es tan habitual que el británico lance material nuevo. De hecho, “Rattle That Lock” (2015), disco que ocupa esta reseña, fue el primer trabajo en casi 10 años desde “On An Island” (2006), algo similar a lo que le ocurre a su excompañero Roger Waters, quien rompió en 2017 más de 20 años de sequía. Por ello, cada nuevo lanzamiento de estas leyendas es motivo de celebración y de disfrute.

Si bien es cierto que, a estas alturas, Gilmour no tiene la necesidad de demostrarnos nada, sí que comenzaron a existir dudas sobre lo que podría ser esta nueva entrega en solitario del músico  tras el fracaso absoluto que fue “The Endless River” (2014), un disco de Pink Floyd que nació de los descartes y que no gozó de buena crítica.

Para esta nueva entrega, Gilmour ha preparado 10 temas completamente novedosos a través de los cuales tratará de resucitar la esencia sonora de Pink Floyd, sin tampoco renunciar a aventurarse con otros estilos y a explotar sus propios potenciales. Polly Samson, mujer de Gilmour desde 1995, se ha encargado de escribir 5  letras del álbum, y Phil Manzanera ha estado al cargo de la destacable producción de un álbum que ha dejado muy buen sabor de boca. La portada, creada por Davie Stansbie, refleja a la perfección la oscuridad de las temáticas que imperarán en el LP, aspecto que explicaría la pausa de muchos de los temas.

Antes de empezar a desgranar el disco creo que es importante advertir una cosa: si no eres fan de Pink Floyd, de la música de David Gilmour, o ambas opciones, este disco, muy probablemente no te convenza a la primera, y seguramente tampoco a la segunda. Leyendo hace tiempo otra reseña sobre este LP, leí una frase muy acertada que comparaba “Rattle That Lock” con un buen vino que necesita ser saboreado lentamente, y es que así es como debe ser escuchado. Recomiendo detenerse y disfrutar varias veces de cada tema para descubrir realmente su belleza y su calidad, algo que creo que es necesario cuando uno escucha un disco de Pink Floyd o de uno de sus miembros. Amo con locura a Pink Floyd  pero también reconozco que, en su momento, necesité darle un par de escuchas a “The Dark Side Of The Moon” para darme cuenta de que estaba ante uno de los mejores discos de la historia. Dicho esto, y anécdotas aparte, están todos invitad@s a escuchar “Rattle That Lock”: 

Los tres primeros minutos del LP concentran la instrumental “5 a.m.”, un breve pasaje en el que Gilmour parece querer resumir su carrera en poco tiempo. Esta composición encajaría perfectamente en cualquier álbum de Pink Floyd, y es que Gilmour era una parte muy importante en el cuarteto, aunque a veces existan detractores que piensen lo contrario. Con semejante apertura cargada de melancolía nos topamos de frente con el primer sencillo del disco, y tema que da nombre a este disco. “Rattle That Lock” es asombrosa y es capaz de enganchar a oyentes de todas las edades. Si bien es cierto que es un tema algo más comercial, no puede negarse que la esencia de David sigue muy viva. Las aportaciones de los coros a la conservada voz de nuestro protagonista son cruciales, logrando obtener un resultado brillante. No faltará tampoco un soberbio solo de guitarra marca de la casa con el que el veterano artista deja claro que la edad no es un impedimento para seguir dando guerra.

Cuando hablaba del primer tema de este disco utilicé el término “melancolía”, pero creo que este podría encajar mejor con “Faces Of Stone”, un bello corte en el que se puede respirar angustia y dolor por parte del cantante. Si la situación se estaba poniendo realmente emotiva, en el minuto 2:40, y también en la parte final del tema, Gilmour empuña su Fender y comienza a puntear como el solo sabe. Hago aquí un inciso para opinar que, seguramente, este músico sea uno de los pocos que logra hacer a su guitarra “llorar”. Cuando David hace un solo puede escucharse algo más que una simple sucesión de notas. Mucho sentimiento añade siempre el británico a sus composiciones. Este tema es 100% recomendable.

Lejos de permitirnos guardar los pañuelos, se inicia la lacrimógena “A Boat Lies Waiting”, una composición que Gilmour quiso dedicar a su desaparecido amigo, y compañero de Pink Floyd, Richard Wright. El piano, grabado por el propio Gilmour 18 años antes en un viejo aparato,  tiene una presencia fundamental, sobre las que navegarán diferentes instrumentos que ambientarán a la perfección este digno homenaje al amigo caído. Gilmour se apoya, además, en David Crosby y Graham Nash para cantar. Increíble este momento del álbum.

Una de las sorpresas del disco, al menos para mí, ha sido la compleja “Dancing In Front Of Me”, un corte con aires clásicos que combina matices de Rock clásico, con claros arreglos de Jazz y hasta algo de tango en la parte inicial. El estribillo es de los mejores del disco tanto por la voz de David como por los punteos de guitarra que añade. Aunque será en el solo donde la guitarra brille con más fuerza, volviendo a dibujar una sonrisa en la gran mayoría de los nostálgicos de Pink Floyd entre los que me incluyo. Tampoco se quedará atrás el momento solista del que gozará el piano.


La cosa se pone realmente seria con “In Any Tongue”, una composición muy a tener en cuenta. Gabriel Gilmour, el hijo de David, colabora en este tema tocando el piano. Tremenda balada, muy en la onda de lo que nos acostumbró este artista en el pasado, pero con aspectos que también la hacen única. Sin duda, el gran momento de esta canción llega con el solo de guitarra, el más hermoso y grande de todo el disco en el que este fenómeno musical vuelve a reivindicar su figura dentro del Rock.

“Beauty” es un nuevo, y breve, instrumental en el que se entremezclan la emotividad del piano y de la guitarra, con algunos arreglos atmosféricos y de bajo. Poco después de llegar a la mitad del tema, la canción comienza a crecer en intensidad, añadiendo sucesivamente más instrumentos, despertando el recuerdo de los instrumentales que se incluyeron en el legendario “The Wall” de Pink Floyd.

Si bien al principio de la reseña dije que este disco puede no ser tan fácil de escuchar para todos aquellos que no se identifican con el sonido de David Gilmour y Pink Floyd, diría que “The Girl In Yellow Dress” es un tema que puede no ser fácil de escuchar para los fans clásicos de Gilmour, que no es mi caso. El británico sorprende con una canción claramente orientada hacia el jazz, una idea muy acertada y novedosa, a mi parecer. Los arreglos de saxofón, que corren de la cuenta de Collin Stetson (Arcade Fire), acompañan a un inspiradísimo Gimour a la voz. No seré yo quien critique la valentía de este artista para sorprender y no tener siempre que limitarse a mantener su estilo.

Aunque “Today” se inicie con una coral, poco de suave tiene este tema. Gran canción con guiños musicales hacia “The Wall”, que se cimentará bajo una gran base de bajo y guitarra. No será una canción que pase a la historia, pero sí que no decepciona. No faltará un solo de guitarra a la altura de este maestro de las 6 cuerdas.

Finalmente, Gilmour opta por cerrar el disco con “And Then…”, tercer instrumental del disco, compuesta íntegramente por él mismo y que nos despide con muchísima clase y elegancia de un fabuloso álbum. 

No. No vas a descubrir la pólvora al escuchar “Rattle That Lock” porque no es un trabajo muy diferente a lo que Gilmour nos ha acostumbrado, pero este LP es una oportunidad de navegar por la historia del Rock y de volver a disfrutar de uno de sus personajes más influyentes. David ha sido capaz de construir un álbum compacto, sin grandes subidones ni caídas en picado.

Obviamente, sería un error calificar a este álbum con la máxima puntuación y nombrarlo “el mejor disco que ha hecho Gilmour en su vida”. Soy muy fan, pero tampoco hay que caer en la extrema subjetividad. Sin embargo, creo que este es un álbum digno de un 8 y de una más que merecida felicitación a este artista porque a su elevada edad sigue siendo capaz de pulir temas de altísimo nivel. 

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