domingo, 31 de julio de 2016

Iron Maiden - Powerslave (1984)

Calificación:
¡Ay Powerslave! Mira que eres bueno...

 Recuerdo hace unos años, cuando todavía era un "pipiolo", que logré descubrir a un amigo el maravilloso mundo de Iron Maiden. Tal fue su enganche, que no tardó en superarme en conocimientos sobre la banda. Yo tiraba por otros gustos además de la doncella. No tardaría mi amigo en acercarse a mí y decirme "hey tío! tienes que escucharte el Powerslave". En un primer momento no me llamó tanto. Había canciones que a primera vista me sedujeron, otras no tanto (¡qué tonto por mi parte!). Pasaron los meses y me puse un poco pachucho de salud. Mi amigo, al que le dedico esta reseña, me regaló en esos momentos este disco y el "Seventh Son of a Seventh Son" (¡casi nada!), y ahí comenzó mi adicción por este álbum, que rápidamente se convertiría en uno de mis preferidos de la banda y del Metal en general.

Dejándome ya de relatar mi vida, os invito a coger una máquina del tiempo (o de la melancolía) y viajar al año 1984.  El Heavy Metal británico vivía su mejor momento. Bandas como Motörhead, Iron Maiden, U.F.O o Saxon, entre otros, reinaban en la escena musical europea.

"La doncella" se encontraba en estado de gracia. Ya tenía 4 álbumes editados en solamente 4 años de carrera, todos merecedores de 5 estrellas, convirtiéndose en una banda de mucho nombre a nivel mundial. Pese al poco tiempo que había pasado entre cada disco, los cambios en la formación habían sido incesantes. En cada uno de los anteriores trabajos la formación era completamente diferente. El "Powerslave" rompió esta dinámica y mantuvo la alineación del "Piece of Mind": Bruce Dickinson como cantante, Steve Harris al bajo, en las guitarras Adrian Smith y Dave Murray y, para finalizar, Nicko McBrain en la batería.   

Aprovechando el tirón que habían tenido sus anteriores obras, los músicos no se durmieron en los laureles y comenzaron a preparar el disco que consolidaría su dominio en el Metal europeo de la época. La mayoría de los temas fueron compuestos en Jersey, donde curiosamente también se compusieron los de su predecesor "Piece of Mind". La grabación se llevó a cabo en los Compass Point Studios de Nassau, siendo posteriormente mezclados en Electric Ladyland (Nueva York). La nueva obra de los Maiden saldría el 3 de septiembre.

“Powerslave” es un disco redondo, un disco 10. Ya no hablamos solo de lo que te garantiza Maiden en cada disco, con sus canciones únicas, con letras de amplia gama temática y con esos instrumentales de toma pan y moja, sino que la producción de Martin Birch y el diseño artístico del disco, capitaneado por Derek Riggs, son también sobresalientes.

La portada nos transporta al Antiguo Egipto. Una gran pirámide encabezada por el mismísimo Eddie se levanta ante nuestros sorprendidos ojos. Me encanta la idea que tuvo aquí la banda y su equipo. Además, hay gran cantidad de detalles de lo más curiosos en la ilustración. Frases como "Indiana Jones Was Here 1941", "Bollocks", "Wot, No Guiness?", "What a Load of Crap" se pueden apreciar en el disco. ¡Ahhh! ¡¡y también la cara del mismísimo Mickey Mouse!!  

Estos británicos siempre han tenido la teoría de que "un disco se empieza con caña para ganarse al oyente". Así lo habían hecho antes ("Prowler", "The Ides of March" + Wrathchild", "Invaders" y "Where Eagles Dare) y lo seguirían haciendo en posteriores lanzamientos, como es el caso de "Moonchild" o "Caught Somewhere In Time". Si entendemos esta teoría, entonces no será difícil comprender por qué un trallazo como "Aces High" abre el disco. Basada en la "Batalla de Inglaterra", primera batalla de la historia desarrollada solamente por el aire en la Segunda Guerra Mundial, este temazo sirve para abrir fuego a un ritmo frenético. Bruce, experto en aviones jaja, canta como el genio que siempre ha sido los difíciles versos que suponen todo un desafío para la garganta de un mortal del montón, pero para nuestro amigo es pan comido. El puente- estribillo es imposible que no te seduzca. Todos los que hemos escuchado este tema hemos terminado cantando junto a Dickinson Los diferentes Riffs que se van originando, mientras Harris azota las cuerdas de su bajo y Nicko en la batería cumple con su labor, nos conducen por los 4 minutos y medio de duración del tema. Hubiera sido aún mejor que el disco abriera con el discurso de Wiston Churchill que aparece en el videoclip del tema y en todas las presentaciones de la banda en las que tocan este clásico. Mejor no se podía iniciar este largo y divertido camino.    

Uno de los Riffs más queridos y coreados de la discografía de la doncella sirve para adentrarnos en “2 Minutes to Midnight”, una de las grandes habituales en los setlist de la banda en cada gira. Gran estribillo que se presta a ser coreado hasta la saciedad junto a Bruce y los coros. Cada músico muestra su potencial en estos 6 gloriosos minutos de puro Metal.  El significado del tema solo puede ser comprendido si tenemos en cuenta el momento en que este disco está siendo grabado. La Guerra Fría, que enfrentó a dos bandos liderados por la URRS y los Estados Unidos, estaba dando sus últimos coletazos. El riesgo nuclear aumentaba en estos tiempos. Si una de las potencias se lo proponía, podía acabar con la humanidad pulsando un par de botones. Los científicos atómicos de la Universidad de Chicago crearon un reloj simbólico con el fin de mantener a salvo a la raza humana. Con este reloj se mide el riesgo de la especie humana, siendo la media noche la "destrucción total" de la raza. Por tanto Maiden en la canción nos cuenta lo cerquita que estábamos de ser cenizas. Es una composición de Adrian Smith y de Bruce, quienes gozaban de mucha inspiración por aquellos tiempos.

Momento de que los músicos nos demuestren por qué Maiden es una de las mejores bandas de la historia de la música. "Losfer Words" es un instrumental de lo más cuidado y técnico. Yo siempre seré más de Transylvania" por motivos obvios, pero el trabajo que hace cada uno de los chicos a lo largo de los 4 minutos es espectacular.
  
Ya la introducción de "Flash of the Blade" nos avisa de que se viene un gran tema. Tema bastante rápido, con un tono más oscuro en los versos, que obligarán a Bruce a ir variando los registros de sus cuerdas vocales tirando de graves y agudos a placer. El instrumental del centro me pone los pelos de punta. Guitarras gemelas punteando mientras Steve "Dios" Harris acompaña a las cuatro cuerdas.  La canción habla sobre un joven que quiere vengar el asesinato de su familia y para ello se entrena como espadachín. Se nota que Bruce es el compositor de este tema. El cantante se dedicó durante años al esgrima llegando incluso a recibir ofertas para ir a los Juegos Olímpicos. Como dato hay que decir que dos años más tarde esta canción fue elegida para ser la banda sonora de la película "Phenomena".

Turno de "The Duellist". Una gran canción made in Maiden, donde las guitarras se convierten en amas y señoras de la canción. Bruce llega a notas muy agudas y, como siempre, cumple a la perfección su labor de poner voz a la banda.  Gran coordinación de Dave y Adrian durante cada segundo. El instrumental intermedio es  de lo mejorcito de la canción, aportando cada uno de los músicos lo mejor que saben hacer para dejar otro momentazo en el disco.  Está inpirada en la película de Ridley Scott de 1978 que lleva el mismo nombre. Trata sobre el duelo que mantienen dos oficiales franceses durante la época napoleónica.

La segunda parte de "The Prisoner" (The Number of the Beast) llega con "Back in the Village", donde las guitarras vuelven a tirar de magia, como en "Flash of the Blade" y se fusionan a la perfección. El momento de los solos vuelve a ponernos los pelos de gallina. Una canción animada y muy recomendable siempre que escuches este disco.

Llegamos a la penúltima canción de esta obra, la homónima "Powerslave" . La influencia de los sonidos orientales se hace notar creando atmósferas parecidas a las de Egipto, lo que nos hace introducirnos en la ya comentada portada. Dickinson canta a la perfección cada segundo que le toca aparecer. La letra nos habla de  un faraón que se lamenta de su cercana muerte, negándose a desaparecer y lanzando una maldición para todo aquel que se atreva a molestar su descanso eterno. Lo mejor de la canción son esos riffs potentes que se convierten en la columna vertebral de la canción, creando en nuestra mente una aproximación a la época de los faraones y todos esos personajes.


Momento de subir el volumen al máximo y hacer la señal de los cuernos con nuestras manos. Es la hora de cerrar el disco con la canción del disco, una de las grandes de la historia de Maiden y una de las mejores del Heavy Metal. "The Rime of the Ancient Mariner" es "la canción". Hasta hace poco podía presumir de ser la canción más larga que habían editado los británicos, pero "The Empire of the Clouds" le arrebató este puesto que había mantenido durante más de 30 años. Este tema es la demostración de por qué nos gusta este género, por qué muchos nos aventuramos a probar suerte con algún instrumento y por qué el Heavy Metal es uno de los mejores géneros (si no es el mejor) que existen. Guitarras afiladas, que se unen formando melodías de lo más llamativas, un bajo que cabalga marcando el ritmo y una de las mejores piezas de batería que yo haya escuchado. Bruce Dickinson se corona ya como una de las voces más espectaculares del Metal, demostrando por qué se ganó el puesto de cantante unos años atrás.   En cuanto a la letra, como diría el propio Bruce, esto es lo que no tenéis que hacer si un pájaro se caga en vuestra cara. Se basa en la historieta de Samuel Taylor Coleridge, un escritor británico bastante conocido. En la introducción, el marinero comienza a contar su historia y narra a su fascinado oyente cómo su barco es arrastrado hacia el Polo Sur por una tormenta quedando atrapado en el hielo. Es entonces cuando hace su aparición el famoso albatros, que los marineros, que eran supersticiosos, lo saludaron creyendo en la histórica leyenda por la que se ha creído que este ave da buena suerte. Casualmente con su llegada el hielo se derrite y el barco puede continuar. El barco continúa su rumbo, siendo acompañado por el inseparable albatros, quien se convierte en un compañero de viaje de la tripulación.

Un buen día el marinero, sin razón aparente, mata  al albatros provocando, en un principio, la ira de la tripulación, pues veían en el pájaro a su salvador y a un enviado de Dios, pero al ver que no les pasa nada se olvidan y aceptan el acto de su superior.

"The mariner kills the bird of good omen
His shipmates cry against what he's done
But when the fog clears, they justify him
And make themselves a part of the crime."

(El marinero mata al ave del buen presagio
Sus compañeros lloran por lo que ha hecho
Pero cuando la niebla se disipa, lo justifican
Y se convierten en cómplices del crimen.)


Su celebración dura poco. La venganza del albatros no tarda en llegar, y pronto empiezan a sufrir una serie de desgracias. El barco se queda estancado en medio del mar, rodeado de agua que los hombres no pueden beber.

"Day after day, day after day,
we stuck nor breath nor motion
As idle as a painted ship upon a painted ocean
Water, water everywhere and
all the boards did shrink
Water, water everywhere nor any drop to drink."

(Día tras día, día tras día,
Estuvimos estancados sin aire ni movimiento
Tan parados como un barco pintado sobre un océano pintado
Agua, agua por todas partes y ni una gota para beber)

De repente ven aparecer otro barco que se dirige hacia ellos a toda pastilla. El barco llega y ven que trae a la Muerte y la Pesadilla de la Vida en la Muerte quienes se juegan a los dados las vidas del marinero y del resto de la tripulación: la Muerte se gana a la tripulación (que empiezan a caer uno por uno como narra el poema intermedio) y la Vida en la Muerte se queda con el marinero. El asustado marinero, rodeado de los cadáveres de sus compañeros, bendice a todas las criaturas del mar y de Dios. Esto provoca que el albatros caiga de su cuello y el barco comience a andar.

Finalmente, aparece un barquito en la lejanía tripulado por un ermitaño y su hijo, que salvan al marinero y el barco se hunde.  Cuando el marinero les cuenta su historia, queda por fin libre de sus pecados pero deberá contar su historia allá donde vaya para que la gente aprenda a amar a Dios y a todas sus criaturas. Gracias Harris por haber creado semejante himno.

Tras una serie de riffs demenciales, donde no dejaremos de mover la cabeza a tanta velocidad que nuestra cabeza correrá el riesgo de despegarse del cuello, el ritmo se rompe y entramos en un intermedio donde el bajo tiene el papel principal, acompañando un breve poema. No tardará en volver a acelerarse el ritmo, con un bajo que nos recuerda al de "The Number of the Beast". Bruce entra en escena y vuelve a cantar algunos riffs, mientras el resto se van uniendo a la fiesta, hasta que coge un poco de aire y hace uno de sus gritos, comparables con los del mejor Ian Gillan o, incluso, de Halford, y añadiendo después su malvada risa. Cuando explota la batería se inicia la locura instrumental, con un duelo de solos donde Adrian y Dave sacan a relucir todo el arsenal que les quedaba para este apoteósico final. Un par de lágrimas caen de mis mejillas provocadas por el subidón que me ha dado al escuchar el tema mientras escribo estas líneas. 


Así finalizaba un disco que no tardaría en llegar al número 2 en las listas británicas y al número 21 en las americanas. Este éxito aumentó aún más con el "World Slavery Tour", con el que la banda se embarcó en un viaje de 11 meses, donde pudieron tocar sus grandes éxitos por 28 países. Esta gira comenzó el  9 de agosto de 1984 en Varsovia y terminó en California el 5 de julio del 85. Fueron 187 conciertos en 331 días.


¡Y así es como se hace Heavy Metal!

La Canción del Día: Hail to the King

Debemos reconocer que este Blog, dentro de que intentamos que no sea totalmente exclusivo, se centra bastante en las bandas más clásicas del Rock, cosa que no es mala. Nos gusta más y sabemos muchas cosas sobre ellas. Sin embargo, no nos olvidamos de todas las bandas modernas actuales. Muchas de ellas merecen mucha de nuestra atención. Una de ellas es Avenged Sevenfold. Este conjunto a tenido la mala suerte de haber sido la escogida por los "posers" (gente que se pone camisetas de una banda sin conocer ni una canción, o una como mucho), lo que ha generado cierto odio/rechazo en los Metaleros más puristas. Sin embargo, invitamos a escucharlos porque tienen mucho potencial. Es una mezcla del Heavy más clásico de Maiden, con la velocidad de Metallica. Obviamente, no son ni Maiden ni Metallica, es difícil, pero tienen mucho nivel estos señores.

Hoy su vocalista, M. Shadows, cumple 35 años y, hemos decidido meter a estos chicos en el Blog, aunque sea por un día. "Hail to the King" es uno de sus temas más recientes, el cual está cimentado en potentes Riffs, punteos muy destacados y una voz sublime del señor Shadows, quien siempre ha demostrado tener buena voz para este género.  

sábado, 30 de julio de 2016

La Canción del Día: Spiral

Tras conocer la triste noticia acerca de la retirada forzada del genial Eric Clapton, nos sentimos "obligados", a recordar al maestro de alguna forma. Por ello hoy va a sonar en el Blog a todo volumen.

Podíamos haber elegido alguno de sus clásicos, pero hemos decidido quedarnos con la que, probablemente, fue la mejor canción de su último disco "Still I Do" (recomendado). Nos referimos a la bluesera "Spiral".

Curiosamente, ya desde la primera escucha, esta canción sonaba a despedida por parte de "Slowhand". Una letra evocadora de su amor por la música y lo que para él ha significado en su vida, su sueño de seguir tocando hasta la eternidad. El videoclip levantó más sospechas sobre su inminente marcha, al repasar a modo de dibujos su larga carrera.

No tienen desperdicio los punteos que el maestro hace con la guitarra en cada verso, acompañando su reconocida voz a lo largo de la canción, que puede sacar hasta un par de lágrimas si se lo propone.


¡No te olvidaremos amigo!

Eric Clapton se retira para siempre de los escenarios

Nos hemos quedado en shock. Eric Clapton dice adiós a los escenarios por siempre, según ha comunicado la revista "Classic Rock". La causa es la neuropatía periférica que le fue diagnosticada hace unos meses, de la cual les informamos. Al parecer, el guitarrista lo está pasando muy mal al tocar la guitarra, viéndose sus brazos y piernas muy afectados por esta enfermedad, que se va agudizando con el paso del tiempo, lo que dificultaría, aún más, el uso de la guitarra.

El propio Clapton declaró para la revista: “He sentido mucho dolor durante el último año. Empezó con un dolor lumbar y después se desplazó a otros lugares”.

El médico Mario Germán Ospina ofreció una explicación sencilla sobre esta enfermedad al diario el País:

“Esta enfermedad es una patología en los nervios a nivel periférico, que afecta generalmente las extremidades. Tiene gran incidencia en la calidad de vida. Más que ser mortal, es una enfermedad incómoda porque los pacientes padecen dolores de difícil manejo, que los medicamentos comunes no alivian”.

Entre los síntomas que sufre el músico se encuentra: cosquilleo en las manos y en los pies, la sensación de tener puestos guantes o calcetines apretados, repentinos dolores agudos, insensibilidad en los dedos y debilidad de las extremidades.

Es duro decir adiós a todo un icono musical. Esperamos que, dentro de lo que cabe, la enfermedad sea llevadera para "slowhand".


Gracias por tanto Eric. 

viernes, 29 de julio de 2016

La Canción del Día: YYZ

Geddy Lee celebra hoy su 63 cumpleaños. No son muchos los rockeros que conocen a Rush, siempre ha quedado en un segundo plano esta banda de tanta calidad que nos dejó algunos discos memorables.

"The Geddman" es uno de los mejores bajistas de la historia. Prueba de ello es este "YYZ" que hemos elegido para ponerle sonido al viernes. Una demostración de coordinación por parte de los tres miembros, de técnica individual, especialmente de Geddy, y de que esta gente merece más reconocimiento. El tema está incluido en su famoso "Moving Pictures", que ya hemos reseñado en el Blog.

Feliz cumple Geddy!

jueves, 28 de julio de 2016

La Canción del Día: The Great Gig In The Sky

Hoy hubiera estado cumpliendo años el fenomenal Richard Wright, teclista de Pink Floyd. Tal vez su figura haya siempre quedado oculta por Gilmour, Waters o Syd, pero la importancia que Richard ha tenido en la banda es innegable, siendo él el encargado de crear todo tipo de atmósferas místicas y progresivas.

Con "The Great Gig In The Sky" recordamos su labor en una de las bandas más emblemáticas y trascendentales del pasado Siglo. Esta composición, procedente del exitoso y famosísimo "The Dark Side of the Moon", lleva su firma. Parece sencilla a simple vista: un piano, una mujer cantando y algún que otro acompañamiento. Si escuchas la canción te darás cuenta de la calidad del tema. No existe letra. La chica cambia de tonos emitiendo algunos sonidos, y el piano de Wright hace magia. Es uno de los momentazos del disco.

Te echamos de menos Richard!

Feliz jueves!!

miércoles, 27 de julio de 2016

Metallica - Ride The Lightning (1984)

Calificación:
¡Ya era hora de reseñar este álbum que tan importante fue en la escena más metalera!

Creo que, junto al "Kill`Em All", al que le tengo mucho cariño, el "Ride The Lightning" es mi disco preferido de estos americanos. Y es que hasta el "Black Album", a veces lo incluyo y a veces no (depende del día) los discos que lanzaron estos señores fueron todos de 10 indiscutiblemente. Después vendría la orientación más comercial, lo que trajo discos más flojos, "Load" y "Reload", discos muy flojos, "St. Anger", chistes malos, "Lulú", y una pequeña resurrección del sonido, sin llegar a sus mejores tiempos, "Death Magnetic". 

Si no has escuchado nunca a Metallica y quieres adentrarte en el mundillo, te recomiendo que escuches este trabajo como inicio, aunque el "Kill`Em All" y el "Master of Puppets" también serían una buena forma de descubrir a estos monstruos.

"Ride the Lightning" es el segundo álbum de estudio de Metallica. Fue grabado en Dinamarca en 1984. Su primer álbum, el ya mencionado "Kill`Em All" había sido un auténtico éxito en los EEUU, combinando el Heavy con el Punk. Las aportaciones de Dave Mustaine, líder de Megadeth, para el anterior disco, fueron cruciales en lograr el sonido rebelde de la banda, cosa que pocos le reconocen al rubio. Con cierto respeto ganado, la banda se propuso lograr un sonido más profesional que su anterior trabajo, el cual no podía presumir de tener gran calidad acústica, aunque en futuras reediciones suena mejor.  

La banda era consciente de que debían aprovechar sus meses de gloria para terminar de consolidarse como una banda importante en la escena. Por ello se encerraron en el estudio y fueron puliendo cada uno de los temas que habían ido componiendo. Seguro que ninguno de ellos se esperaba que este disco se convertiría en uno de los más queridos del Thrash Metal.

Me declaro un enamorado de la carátula del disco. Una imponente silla eléctrica aparecen en medio de una imponente tormenta donde los rayos hacen acto de presencia. Las primeras portadas de Metallica valen mucho la pena.

El trabajo está compuesto por 8 canciones, las cuales giran en torno a un tema central: la muerte. 
Cada una la enfoca de diversas maneras, teniendo una personalidad propia. Vamos a analizarlas:  

Una introducción acústica de lo más cuidada y elegante, que me recuerda un poco a "The Last In Line" de Dio o a la entrada de "Battery", de su posterior "Master of Puppets", sirve como antesala de lo que está al llegar. "Fight Fire with Fire" es Thrash potente, del que hace explotar tu equipo de sonido. ¿En qué momento de la película Metallica perdió las ganas de seguir siendo fieles a este género?. El solo de Hammet es asombroso, y eso que no es de mis baterías preferidos. Las guitarras, aunque en general todo en su globalidad, suenan más curradas que en el disco anterior. Instrumentalmente es un tema para enmarcar. La letra habla de una guerra nuclear. James cierra el corte repitiendo el estribillo hasta  perder el oxígeno que le quedaba.

Ojito con lo que viene ahora. La homónima "Ride the Lightning" es de las mejores de este trabajo. Riffs potentes y directo, que parecen expresar el dolor y la agonía del personaje que es nombrado en la letra, quien ha sido condenado a morir en la silla eléctrica por algo que no ha hecho. Es una clara crítica a los corredores de la muerte que hay en EEUU, donde muchas personas han muerto por crímenes que no cometieron. Un aspecto importante es que Dave Mustaine figura en los créditos compositivos. Este tema fue compuesto durante su estancia en Metallica. Siempre he sentido pena porque no estuvo más tiempo con ellos. Podrían haber salido cosas maravillosas. Los cambios de ritmo comienzan a sucederse y, con ellos, el duelo de guitarras afiladas. Siempre ha sido una de mis canciones preferidas de esta gente.

 Como tercer plato se viene otro CLÁSICO de Metallica. "For Whom the Bell Tolls" tiene una de las introducciones más famosas del Heavy Metal. Unas campanas suenan al más puro estilo "Hells Bells" de AC/DC y comienza una pista de bajo de Burton  digna del Dios que fue este malogrado chico. Pronto llegan los muteados y los punteos, transportando el tema, poco a poco, hasta la entrada de Hetfield a la voz, quien canta muy bien los versos y el estribillo de todo un himno.  La letra está basada en la novela "For Whom the Bell Tolls?" de Ernest Hemingway (1940). Es una crítica a la guerra encarnada por un combatiente en la Guerra Civil española, donde medita sobre la cercanía de su muerte en una batalla que no tendrá ni vencedores ni vencidos.

Llevamos 3 clásicos seguidos (cuento "Fight Fire...") y no vamos a permitir que esta dinámica decaiga. Una de las baladas más bonitas del Metal, y la primera que hicieron estos chicos, es "Fade to Black". ¡Qué bien suena esa guitarra acústica en toda la introducción!. No me considero un gran fan de la voz de Hetfield. Me gusta mucho, pero no estaría en mi Top de mejores cantantes de la historia. Sin embargo, en esta pista hace una gran interpretación. Los versos suenan preciosos, aunque lo que más me mola es la gran instrumentación que tiene en todo momento en el tema. Ese momento en que rompe la guitarra para acelerar la marcha un poco es perfecta. El momento de los solos es glorioso.  La letra, pesimista para variar, habla sobre una persona que se siente sola y deprimida, lo que le provoca el deseo de suicidarse y marcharse de este planeta.

El Thrash de la vieja escuela vuelve con "Trapped Under Ice" . Un corte muy rápido, con esa mala leche característica de los primeros discos de estos personajes. James canta rabioso, contando la historia de un hombre atrapado en el hielo, quien teme que va a morir congelado. No hay grandes variaciones instrumentales, salvo en el intermedio, pero no las necesita. Un temazo más para este álbum 10.  

"Escape" me encanta por el ritmo que propone. No es Thrash, pero tampoco es una balada. Es Metal.  Un sonido diferente que siempre se agradece cuando llevas un ritmo demoledor de las anteriores pistas. Los estribillos son alegres. Hay que añadir que la letra vuelve a hablar de la muerte, pero desde la perspectiva optimista de apostar por la vida, de vivir y disfrutar cada minuto de la manera que más nos guste.

Volvemos a la lista de "grandes clásicos" con "Creeping Death". Una de las canciones que, aún, siguen sonando en directo, muchas como introducción del show. Thrash puro y duro. La letra narra la historia de las plagas de Egipto, de matar al Faraón y liberar a los judíos, básicamente. En todo momento la electricidad está presente en este corte. La voz de Hetfield vuelve a destacar mucho y, especialmente, la instrumentación se lleva el 10 en este tema. Me gusta más en directo, desde mi punto de vista, pero la versión de estudio no desmerece absolutamente nada. 

Un instrumental cierra este trabajo legendario. "The Call Of Ktulu", compuesta por Cliff Burton, James Hetfield, Lars Ulrich y, de nuevo, Dave Mustaine, comienza con una intro muy suave, pero malévola, hasta que la batería entra y comienza el sonido más Heavy. Mustaine aprovechó partes de la canción para usarlas en su futura "Hangar 18", a la que le daría  más velocidad. Además, la introducción fue usada por el rubio para la introducción de su gran tema "When" (The World Needs a Hero). Y es que Mustaine acabó denunciando a Metallica pidiendo que lo reconocieran en los créditos del tema.  A la hora de crear el tema, se inspiraron en el cuento de terror de H.P Lovecraft, en el cual se cuenta la historia de un ser llamado Cthulhu" quien habita en el mar desde hace milenios y se encarga de cazar las sombras malignas que tiene como prisioneras a las personas. 

Hemos llegado al final del disco y las sensaciones son las de haber escuchado una obra maestra. No se hace pesado escuchar los 47 minutos que dura este plástico. Metallica consolidaba su papel en el Thrash y se ganaban el respeto de todos los fans de la música más dura y rápida que ha existido.


10/10 porque no se le puede poner más.

La Canción del Día: Ride The Lightning

Uno de los mejores discos del Trash Metal, "Ride The Lightning" de Metallica, está cumpliendo hoy 32 años. Solo con ver la portada es fácil quedarse enamorado de ese trabajo, que hoy mismo vamos a reseñar y, si todo va bien, subir al Blog ;) 

La canción elegida para este sofocante miércoles es la homónima "Ride the Lightning". Como todo el disco, este tema trata el tópico de la muerte. Las guitarras expresan el dolor y la agonía que una persona sufre antes de morir sentado en la silla eléctrica. Una obra maestra. Cuando Metallica quería, podía hacer cosas maravillosas.  

Feliz miércoles!! 

AC/DC - Highway To Hell (1979)

Calificación:
¿Quién no ha oído los tres acordes con los que arranca Highway to Hell? ¿Quién en su sano juicio no ha escuchado nunca la voz del eterno Bon Scott? Este disco lo tiene todo. Para una proporción bestial de fans de AC/DC, éste es su mejor trabajo.

El 27 de Julio de 1979 el nuevo material de los australianos salía a la venta. Ya por estos tiempos el conjunto tenía nombre a nivel internacional, especialmente en los mercados británico y americano, pero faltaba la conquista mundial. Esa fue la misión de "Highway To Hell", y lo consiguió...¡vaya si lo consiguió!

 Un disco épico, apoteósico, colosal, magistral...muchos son los adjetivos aplicables a esta obra maestra, pero, lamentablemente, un miembro de la banda nos iba a dejar muy pronto... .

El plástico arranca con el himno principal de la banda que los acompaña allá donde van, la homónima "Highway to Hell". Uno de los temas más reconocidos en el mundo del rock y de la música. Gran letra, unos acordes infernales, nunca mejor dicho y un estribillo pegadizo. No es la composición más compleja que los Young han hecho, todo hay que decirlo, pero bien que se deja escuchar!!!

El segundo tema es "Girls Got  Rythm". Pese a ser un gran tema, de esos que los fans adoran,  es de los más flojos del disco, así nos podemos hacer una idea de la calidad del resto del álbum. El Riff es animado y dinámico, Bon disfruta cantando cada verso y los coros me encantan.

"Walk All Over You" es un tema oscuro y demasiado bueno. Una introducción lenta de guitarra junto a los baquetazos de Phil Rudd, que, de repente cambia totalmente de ritmo y acelera la canción hacia una cantidad de decibelios inimaginable. Entra Bon Scott y canta, con su voz ya consagrada entre los fans del rock, un tema rápido y espectacular. De los tres mejores del disco sin duda alguna y uno de mis preferidos de su discografía.

Otro tema que demuestra por qué AC/DC es una de las bandas más importantes de la historia de la música, es "Touch Too Much". De nuevo scura, con una letra picante, al más puro estilo Bon Scott y, esta vez sí, lento y melódico. El solo de Angus es muy vistoso, tirando de magia y calidad, terminando justo en el momento clave para que entren los coros y lleguemos al final.

"Beating Around the Bush" es un tema que nunca llegó a triunfar, tristemente, y es de las mejores del disco y de toda la historia de la banda. Un riff principal 5 estrellas (¡vaya riff!) con los Young coordinados como si se desafiaran el uno al otro para saber quién puntea mejor. La letra habla de Bon y sus conocimientos acerca de que su mujer le ha puesto los cuernos con otro. Esta historia no se sabe si es verdadera o falsa, pero la letra es una animalada y algo desafiante. ¡Hay que reivindicar su escucha!

La sexta es "Shot Down in Flames", un tema fundamental de la banda, y adorada por cualquier fan de la banda. Más pausada que la anterior, con un riff principal más lento y más fiestero. No falta en ninguna presentación de la banda, gracias a Dios. Me declaro fan del solo de Angus, donde hace una serie de arrastres con la púa por el mástil que le quedan perfectos.

La séptima es la más floja de todo el disco. "Get it Hot" es un tema que parece más de relleno, porque no presenta ningún aspecto especial. Buena sucesión de acordes y poco más.

"If You Want Blood (You`ve Got It)" es uno de los grandes temas que ha parido esta banda. Cañero y muy bien coordinado, de nuevo, por unas guitarras sólidas, que es una de las fórmulas del éxito que ha obtenido AC/DC. El videoclip es de los clásicos de la banda. Angus Young siendo atravesado por una guitarra que le clava Bon. Suena sangriento, pero es divertido como pocos. Angus debería dedicarse al cine jajajaja.

Llegan ahora dos temas más pausados y con mucha calidad. "Love Hungry Man" y "Night Prowler". Ambos tienen en común la mala suerte de no haber tenido el éxito que realmente merecían. Especialmente el segundo corte.

"Love Hungry Man" posee un riff principal que será copiado por los coros en el estribillo. El trabajo de Cliff es sobresaliente en todo momento, permitiéndose momentos solistas y todo. ¡Muy recomendable!
 El disco termina con "Night Prowler", un blues pesado y oscuro que es sencillamente espectacular. Cuando AC/DC sacaba temas Blues siempre levantaba pasiones. La facilidad que tenían estos tipos para hacer algo cercano a este género era comparable con Led Zeppelin y su debut. Un ascenso al estribillo muy currado, que va subiendo la intensidad poco a poco. Coros tétricos por parte de Cliff y Malcolm que añaden más misticismo a la que sería la última canción de Bon con la banda. Un dato curioso es que al final de este tema, Bon pronuncia la frase: "Shazbot Nanu Nanu", frase que decíael  actor Robin Williams en su serie "Mork and Mindy". Bon quiso hacerle un homenaje a su ídolo pronunciando esa frase. 

La banda triunfo en las giras posteriores al disco, como se puede ver en "Let There Be Rock: The Movie" pero la mala suerte se unió a los chicos y, en la fría noche del 19 de febrero, Bon Scott moría tras un criminal coma etílico, fruto de sus excesos con la bebida, poniendo fin a una de las grandes voces del rock y dejando a la banda al borde del abismo.

¿Era el final de la banda?, no querido amigo, estos chicos siguieron haciendo lo que sabían hacer y contrataron a un señor de Newcastle llamado Brian Johnson. Lo que pasaría después es otro episodio, pero solo digo que "Back In Black", el segundo disco más vendido de la historia del Rock, estaba a la vuelta de la esquina.


Gracias Bon, gracias AC/DC. 

martes, 26 de julio de 2016

La Canción del Día: Sympathy For The Devil

El 26 de Julio es un día que los Rockeros marcamos en el calendario. Una leyenda de la música y de la cultura como Mick Jagger, "Su Satánica Majestad", ¡cumple 73 años!...y lo mejor de todo es que ...¡¡¡¡espera un nuevo hijo!!!!

La voz de los Rolling Stones fue una de las figuras transgresoras por excelencia dentro del Siglo XX. Su manera de ser, de moverse por el escenario, su divertido carácter y sus ganas de provocar y levantar polémica han hecho de Jagger un icono.

Hemos elegido una de las mejores canciones que nos han dejado los Stones, "Sympathy For The Devil", en la que Mick canta sensacional. La letra es de lo más crítica ante una sociedad tradicional que se oponía a estos rebeldes. No tiene desperdicio escucharla en directo.

Si quieres saber más sobre este tema, hemos escrito un artículo especial: Detrás de la Canción: Sympathy For The Devil

Felicidades Mick!! Te queremos!!

Detrás de la Canción: Sympathy for the Devil

Una de las canciones más clásicas del Rock es, indiscutiblemente, la "simpatía por el diablo", que lleva la firma de los Rolling Stones. El tema fue incluido en su álbum "Beggars Banquet", uno de los más importantes de su amplia carrera.

En un primer momento la letra se iba a llamar "The Devil is My Name" (mi nombre es el diablo), pero finalmente se produjo una transformación hasta adquirir su nombre clásico.
Por estos tiempos los Stones amaban la polémica. Letras sexuales como la de "Let`s Spend the Night Together" habían provocado aluviones de críticas de los sectores más tradicionales. Sin embargo, el asunto que más oposición causó fue la supuesta orientación "satánica" de los Rolling, un asunto de lo más disparatado. El hecho de que su anterior disco se llamara "Their Satanic Majesties Request", ya inició campañas por parte de diferentes sectas religiosas para tratar de sacarlo del mercado y silenciar a la banda.

Ante esta situación, el irreverente Jagger no se cortó ni un pelo y comenzó a componer la letra de esta canción.

“Creo que fue inspirada en una vieja idea de Baudelaire, creo, pero podría equivocarme. […] Cogí un par de lineas y lo expandí. Lo escribí como una canción al estilo de Dylan” Mick Jagger
 “Igual que cualquier policía puede ser un criminal, cualquier pecador puede ser un santo. […] es una figura con una larga trayectoria histórica – las figuras del bien y del mal – así que es un camino tremendamente largo el que ha hecho (el demonio).” Mick Jagger

  “(Cuando la gente comenzó a tomarnos como adoradores del diablo), pensé que realmente era una cosa rara, después de todo era solo una canción. No era como si hubiésemos hecho un álbum entero, con un montón de símbolos ocultos en su parte trasera. La gente parecía abrazar las apariencias muy rápidamente, (y) ha sido así hasta las bandas de heavy metal de hoy en día.” Mick Jagger

La letra, se centra, a modo de crítica, en atrocidades que han sucedido en la historia de la humanidad, incluyendo las guerras europeas por la religión en frases como  "I watched with glee while your kings and queens fought for ten decades for the Gods they made" (Observé con regocijo mientras (cantado en inglés) vuestros reyes y reinas lucharon durante décadas por los dioses que inventaron), la violencia de la Revolución Rusa (1917) y la masacre de 1918 de la familia Romanov "I stuck around St. Petersburg when I saw it was a time for a change, killed the Tsar and his ministers.  Anastasia screamed in vain" (Me plante en San Petesburgo cuando vi que hacía falta un cambio de época, mataron al zar y a sus ministros, Anastasia gritó en vano) y sobre la Segunda Guerra Mundial "I rode a tank, held a general’s rank when the Blitzkrieg raged and the bodies stank" (Conduje un tanque, tenía un rango de general cuando el Blitzkrieg estallo y los cuerpos apestaban). Una letra  muy interesante y muy bien escrita.

Estos sucesos  son narrados en primera persona por un personaje que,  de una forma narcisista, cuenta sus hazañas a lo largo de la historia de la humanidad y avisa al oyente: "If you meet me, have some courtesy, have some sympathy, and some taste; use all your well-learned politesse, or I’ll lay your soul to waste" (Si me encuentras, ten un poco de cortesía, un poco de compasión; y un poco de gusto; utiliza toda tu educación o haré que tu alma se convierta en desperdicios).

Por si faltara polémica, la letra también hace referencia hacia los asesinatos de John y Robert Kennedy. Mientras se grababa el "Beggars" Robert fue asesinado, por lo que, la expresión que en un inicio iba a ser "Who killed Kennedy?" pasó a ser "Who killed the Kennedys?
(¿Quién mato a los Kennedys?), incluyendo después una respuesta algo crítica contra la sociedad americana, haciendo alusión a que fue esta en su globalidad la que optó por terminar con los Kennedys ("después de todo, fuimos tú y yo"). 

¡Nadie puede discutir que este es uno de los grandes clásicos de los Stones!



lunes, 25 de julio de 2016

The Who - Who`s Next (1971)

Calificación:
Who’s next?,  el  quinto álbum  de The Who. Este trabajo,que fue editado en el verano de 1971, se convirtió en uno de los más alabados por la crítica rápidamente y uno de los preferidos del universo Rock.

Curiosamente, el disco nació del fracaso. Sí sí, lo que lees amigo lector. Pete Townshend comenzó a crear una nueva ópera rock, de título Lifehouse, que tenía como objetivo mantener el éxito que había sembrado el legendario "Tommy". La idea era grabar en vivo las composiciones y utilizarlas como banda sonora para un proyecto cinematográfico. Townshend legó a explicar que la historia se producía en una sociedad fría y controlada culturalmente donde el rock no existía, hasta que un viejo gurú aparecía para recordar lo que era el Rock. El guitarrista afirmó haber llegado a escribir 40 pistas diferentes. Pronto com-enzaron a grabarse en los Record Plant, siendo Kit Lambert el productor. Diversos problemas impidieron que el proyecto no siguiera adelante, y todo terminó con un Townshend frustrado y deprimido.

The Who necesitaba un disco rápidamente. Para ello contrataron a Glyn Johns y se metieron en los Olympic para engendrar su nuevo trabajo "Who’s next?". El tiempo era oro y no podían perder mucho tiempo en componer, así que decidieron coger algunas de las ideas desechadas por Pete, regrabarlas y publicarlas como material de la banda. Ahora os analizaré tema por tema las  canciones que se aprovecharon del que iba a ser el futuro "Lifehouse", pero para abrir boca, os digo que otros temas posteriores como "Who are You?", "Join Together", "Sister Disco", "Let See Action" o "Relay" iban a pertenecer a este proyecto. ¡Qué pinta tenía! 

 El disco muestra un aspecto novedoso en el sonido de la banda, el uso de sintetizadores. Pete quería añadir a su proyecto el sonido de éstos. Al haber fracasado y cedérselas a sus compis, provocaron que los británicos comenzaran a utilizarlos. Para algunos temas, The Who fichó al pianista Nicky Hopkins, aunque fue el propio Pete el encargado de componer cada pista de piano e, incluso, en "Baba`O Riley" de grabarla.   

Tras una pequeña clase de historia contemporánea vamos a entrar de lleno en este disco:

El disco, en su versión original, estuvo compuesto por 9 temas. En la reedición de 1996 se le añadieron 7 extras compuestos por canciones inéditas y versiones en vivo. Por último, la edición Deluxe posterior añadió temas en directo y versiones alternativas. Nosotros vamos a analizar el álbum en su versión clásica, el de 1971.

Keith Moon...toda una diva
La portada es de lo más peculiar y divertida como pocas. Fue tomada en Easington Colliery, y en ella podemos ver a la banda momentos después de haber orinado sobre un monolito. El monolito aparece mojado. Según el fotógrafo encargado de capturar este clásico, de nombre Ethan A. Russell, algunos de los componentes del grupo no estaban dispuestos a orinar, de modo que se utilizó agua para simular el efecto, el cual es de lo más realista. Durante años había pasado por alto que el monolito estaba "meado", pero con los años me he dado cuenta del significado de una de las portadas más famosas del Rock. La foto interior del disco nos muestra a una mujer al más puro estilo sadomasoquista...ehhhh espera un momento...pero si es Keith Moon vestido de mujer!! Jajajaja estos chicos siempre mostraron su humor en cada disco, y éste no iba a ser una excepción. 

La fiesta se inicia con la mundialmente conocida "Baba O’Riley", uno de los temas más queridos de la banda. Su éxito ha sido exageradamente bueno, estando favorecido por s inclusión en la serie CSI. Los teclados aparecen desde el inicio demostrando que las cosas habían cambiado. La El título es un homenaje de Townshend al gurú Meher Baba y al músico Tyler Riley. El Riff principal acompaña a un experimentado Roger Daltrey, quien canta como el Dios que siempre ha sido. Un cantante de primera categoría. El final de la canción nos lleva al clímax, con ese violín eléctrico tocado por Dave Arbus que echa humo (en directo sustituido por la harmónica de Roger) y una banda que vivía un momento realmente dulce.  

 "Bargain" es un Hard-Rock sofisticado, con un sonido muy cuidado. Un corte directo, donde Daltrey escupe cada verso con rabia. El estribillo es novedoso, finalizando con un grito rebelde eso de "The best I ever had!!!!". Townshend canta durante un breve momento. Siempre he creído que ha tenido una voz bastante elegante y buena. De hecho, sus proyectos en solitario, en los que canta, son geniales. Un tema que gana mucho en directo.

La acústica, breve y preciosa "Love Ain`t For Keeping" podría llevar la firma de Led Zeppelin. Un temazo que muestra los dotes de Pete con la guitarra, haciendo constantes punteos de lo más inspirados. Roger vuelve a salirse. Yo creo que este señor es un marciano. Gran tema que nunca ha sido reconocido como tal. No puedo olvidarme de lo bien que suena el bajo de la bestia John "The Ox" "Thunderfingers" Entwistle, uno de los más grandes a las cuatro cuerdas y del otro Dios, Keith Moon.

Precisamente, "My Wife" es una composición del propio "Ox". Un tema que sí tuvo mucho reconocimiento. No tanto como los clásicos de la banda, pero sí uno que no faltó durante varias giras posteriores. El propio John toca, no solo el bajo, sino que también se dedicará a tocar los metales. La letra es muy divertida. Cuenta la historia de un hombre que sale a beber un viernes por la noche. Al no regresar a casa, su esposa sospecha que está con otra mujer. Sin embargo, el hombre ha sido arrestado por la policía y no ha podido regresar. La canción detalla los diversos modos en que el hombre trata de protegerse de su esposa, incluyendo la contratación de un guardaespaldas. Grande John!!!

"The Song is Over" es otra composición que tiene el ADN de Pete Townshend, uno de los compositores más interesantes y destacados del Rock. Un piano inicia el tema. Pete pronto se incorpora cantando con muy buena voz, hasta que entra la batería y Roger toma el relevo. La fiesta se alarga hasta los 6 minutos, pero no se hace en ningún momento pesada. Suena muy del estilo de temas que aparecieron en sus obras conceptuales "Tommy" y "Quadrophenia".

De nuevo, el piano comienza abriendo fuego. "Getting in Tune" se presenta en un primer momento tranquila, pero no tardará en aparecer Keith Moon con su batería para cambiar el ritmo. ¡Madre mía el bajo de John!. La voz de Roger sigue en su dinámica de exhibirse. Un tema divertido que merece ser escuchado siempre que se le dé una escucha al "Who`s Next".

"Going Mobile" es más animado. Townshend se encarga de cantar un tema que podría ser de su carrera en solitario. La guitarra acústica suena genial. Muy buenos punteos que tiene una dosis interesante Wah-Wah. Garantía de emociones fuertes (el final es épico!!).  

 Las dos últimas canciones del disco son OBRAS MAESTRAS DEL ROCK. Atención!

Una de las mejores baladas de todos los tiempos hace acto de presencia. "Behind Blue Eyes" es LA BALADA de The Who. Unos arpegios de lo más emotivos acompañan al extraterrestre Roger, quien canta cada verso con mucha emotividad. El bajo de Entwistle comienza, poco a poco, a aparecer en escena. En el intermedio explota la batería y se acelera, sin perder la emotividad, el devenir de la canción, volviendo pronto la calma inicial. Es de las composiciones más grandes del Rock, la mires por donde la mires.  

Hard Rock de alto voltage. Eso es "Won`t Get Fooled Again", la despedida y cierre de esta joya inmortal que, para los mortales, es llamada "Who`s Next". Unos sintetizadores incansables sirven como inicio. La guitarra y el bajo del tándem Townshend-Entwistle demuestran por qué cojones (perdón por mi vocabulario jaja) The Who fueron unos de los reyes de la "invasión británica".  La letra, que es de Townshend (para variar jajajaja), expresar el sentimiento de impotencia que le provocaba ver los constantes fracasos de las diferentes revoluciones que se daban en Inglaterra, lo que le hacía dudar sobre su utilidad. Aún así, el músico ha manifestado que siempre la gente debe rebelarse por sus derechos, aunque en la vida "no siempre hay que esperar ver lo que quieres ver". El contenido político hace acto de presencia, elemento que no fue tan empleado por The Who a la hora de escribir letras. ¿Y qué decir de la batería de Moon? Sencillamente, junto a Bonham, el más grande de todos los tiempos en los parches. "El loco" goza de su momento solista tras un interludio de sintetizadores, dando paso al grito de Roger, donde el tema termina de enloquecer llevando la fiesta a su momento más bestial y poner punto y final a este sobresaliente trabajo.

La crítica fue muy justa con este álbum imperecedero, que sigue sonando actual en este Siglo XXI donde no nacen bandas del mismo nivel. Mentes privilegiadas como la del soñador Townshend nacen muy de vez en cuando. Gracias The Who por una carrera intachable, por estar al servicio del Rock durante tantas décadas y por haber dejado un legado eterno.


Este disco tiene mis 5 estrellas y mi respeto eterno. 

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