miércoles, 30 de marzo de 2016

La Canción Del Día: Whole Lotta Rosie

Angus Young, uno de los guitarristas más grandes que han existido, cumple hoy 61 años y merece ser celebrado por todo lo alto.

 El líder indiscutible de AC/DC junto a su hermano Malcolm, el cual ahora no está en la banda por problemas de salud. Las composiciones de los Young pasarán a la historia por haber creado un estilo propio que luego influiría en tantas bandas.
 Los solos de nuestro cumpleañero siempre han parecido un sobresaliente homenaje a su amado Chuck Berry, por el cual Angus está en la música. 

 Hemos elegido como "Canción del día" un clásico como "Whole Lotta Rosie" donde el pequeño genio ejecuta uno de los mejores solos que se han creado. A disfrutar!!!! Feliz jueves a todos!! 

La Canción Del Día: Sunshine Of Your Love

Eric Clapton celebra hoy su 71 cumpleaños. Para muchos uno de los mejores guitarristas de la historia, sin olvidar la influencia que ha sido para tantos guitarristas reconocidos. Destacó en solitario, pero olvidar su paso por The Yardbirds y, especialmente, su paso por Cream, donde Clapton hizo historia junto a Jack Bruce y a Ginger Baker. Uno de los temas más famosos de este trío fue "Sunshine Of Your Love" que merece ser nuestro tema del día :)



¡Motörhead lanzará en Junio un concierto en homenaje a Lemmy!

Fans de Motörhead, ¡tenemos una gran noticia para vosotros!

Motörhead y UDR, su discográfica, han confirmado en la tarde de hoy la publicación de un nuevo directo de la banda que ofrecieron el 20 de noviembre de 2015 en el Zenith de Munich (Alemania). Por tanto, es uno de los últimos conciertos que nos regaló la banda en su carrera y, lo más importante, uno de los últimos conciertos que dio Lemmy antes de morir un mes después.
El título del nuevo material es "Clean Your Clock", que es una adaptación de la mítica frase de Lemmy "We Are Motörhead and We Are Gonna Clean Your Cock" (no podían poner eso jajajaja). Además ya tenemos la portada donde sale el icono, nuestro "Lem" en pleno directo dándolo todo hasta el final.
La fecha de salida estaba programada para el 27 de Mayo, pero ha sido atrasado hasta el día 10 de junio. Podremos adquirirlo en formato CD/Vinilo/DVD+CD/Blue-Ray + CD y una Edición Especial compuesta por el vinilo, el DVD + CD y una medalla de metal de la banda

Por si fuera poco, ya tenemos el Tracklist del concierto, que abarcará casi hora y media, confirmado:



1- Bomber
2- Stay Clean
3- Metropolis
4- When the Sky Comes Looking for You
5- Over the Top
6- Guitar Solo
7- The Chase Is Better Than the Catch
8- Lost Woman Blues
9- Rock It
10- Orgasmatron
11- Doctor Rock Pt 1
12- Drum Solo
13- Doctor Rock Pt 2
14- Just ‘Cos You Got the Power
15- No Class
16- Ace of Spades
17- Whorehouse Blues
18- Overkill


¿Quieres un par de avances? Vamos allá! 

Bomber: Vídeo

When The Sky Comes Looking for You: Vídeo

Overkill: Vídeo

The Chase Is Better Than The Catch: Vídeo





martes, 29 de marzo de 2016

Scorpions - Blackout (1982)

Calificación:
Los ochenta fueron una época fantástica para el Hard Rock,  con esos peinados tan característicos, las mallas, las baladas de amor, los estribillos pegadizos, ....uno de sus máximos representantes fue, sin dudarlo, Scorpions. Prueba de ello es este disco con el que la banda se daría a conocer por todo el mundo.

Curiosamente, el conjunto germano en los 70 publicó 5 obras que distaban del sonido que desarrollarían una década después. En el debut contaron en la guitarra con el legendario Michael Schenker, hermano de Rudolf, y en los cuatro siguientes con Uli Jon Roth, otro símbolo de las seis cuerdas. Les recomiendo encarecidamente que le den una oportunidad a esta época porque merece la pena.


Matthias Jabs entraría en la banda como sustituto de Roth, y, con él, el sonido de la banda se alteró bastante, acercándose más a un sonido más rockero y ochentero. "Lovedrive" y "Animal Magnetism"  son dos discos geniales donde podréis observar ese cambio.

Pero no todo fue un camino de rosas para los alemanes. El disco comenzó a grabarse en 1981 en los estudios Dierks, que se situaban en la ciudad teutona de Colonia. Sin embargo, dicho proceso tuvo que frenarse repentinamente tras la grave afección en las cuerdas vocal que el portentoso Klaus Meine estaba sufriendo, al cual los médicos le recomendaran que saliera de la banda para siempre. Afortunadamente, el pequeño cantante se puso en contacto con un médico austriaco que era especialista en ese problema.

Meine fue intervenido en dos ocasiones logrando, finalmente, su completa recuperación e incluso, hasta una mejoría en sus registros vocales.    
¿Quién le iba a decir a Scorpions que "Blackout" iba a ser un éxito a nivel mundial después de todo lo ocurrido?

La portada llama mucho la atención, como suele ocurrir con toda la discografía de la banda, aunque me atrevería a decir que es la más famosa de toda. En este caso nos encontramos con un autorretrato del artista austriaco Gottfried Helnweinm, el cual lleva una especie de venda en la cabeza y unos tenedores en los ojos...sin comentarios

Nueve cortes componen el trabajo. La variedad de ritmos que podremos escuchar hacen que el disco sea recomendable para todos los públicos.

La caña comienza a ritmo de la homónima "Blackout", donde vemos que los agudos de Mr. Meine se han intensificado. Uno de los himnos indiscutibles de la banda, que sigue perdurando en los setlist de sus giras. Fuertes versos y puentes que terminan con un estribillo pegadizo y eléctrico. El solo de Jabs merece ser resaltado por la técnica de éste. El final es extraño, con esos gritos de Rudolf que se funden en la fractura de un cristal.

"Can`t Live Without You" es pegadiza como pocas. El estribillo incita a ser cantado (garantizo que se te grabará en la mente desde la primera escucha). La letra hace referencia a los fans y fue uno de los grandes pelotazos de la banda en aquella época, convirtiéndose en una pieza inamovible de los setlist en las presentaciones de la banda.

Muchas veces he leído críticas a Scorpions por no tener una seña de identidad y refugiarse en las baladas...¿acaso hacer algunas de las mejores baladas de la historia es no tener identidad?...en fin. "No One Like You" es un baladón, y para nada melosa. El sonido potente de los versos, pasando de momentos semiacústicos a eléctricos, junto a unos estribillos magistrales. La voz de Meine es perfecta para las baladas, y con los años ha ido mejorando aún más. El solo de Jabs, de nuevo, merece mención por la emotividad que expresa.

El videoclip promocional está curioso y me encanta. Klaus experimenta una pesadilla donde encarna a un preso que se encuentra recluido en la prisión de Alcatraz, y es condenado a la silla eléctrica...no les cuento más para que lo vean ;)

"You Give Me All I Need" es la canción que menos me gusta del disco, y no es mala para nada. Un inicio calmado se ve interrumpido por las guitarras gemelas de Rudolf y de Jabs. Los versos son tranquilos, con un Klaus pletórico que nos transporta hasta esos estribillos tan propios de la banda. Buen tema.

La garra vuelve con "Now!". Un corte que nunca ha recibido el reconocimiento que se merece. Meine grita y, con miedo a repetirme, volvemos a ver la facilidad que posee ahora el alemán para llegar a los agudos. Dos minutos y medio para disfrutar.

Una de mis canciones preferidas, y de los incondicionales  de la banda, es "Dynamite". Y es que con un título de tal calibre no puedes hacer una balada. Mala leche hecha música, en pocas palabras. Unos versos donde Klaus canta solo acompañado por la batería. El instrumental de la parte central es de los mejores que hicieron en su carrera Jabs y Schenker.

"Arizona" es más vacilona. Una pista muy típica de los Scorpions de la época. La estructura es simple y fácil de enganchar al oyente.

La introducción de "China White" siempre que la escucho se me ponen los pelos de punta, con esa batería de Herman Rarebell sonando acompañada del bajo de Francis Buchholz. El riff de guitarra es tétrico, con una distorsión fuerte que me suena un poco oriental. Los versos se suceden con la voz  y la batería a solas. Gran solo de Matthias de nuevo.

El disco cierra, para mal de algún crítico, con un nuevo baladón Made in Scorpions. "When The Smoke is Going Down" es, para este loco de la música que escribe, su balada preferida de la banda, pese a que es difícil elegir, y una de las mejores que ha podido escuchar en vida. Muy lenta, con un Klaus angelical que parece invitarnos a llorar con el final del disco.  Esos puente-estribillos donde la voz sube un par de tonos la intensidad son preciosos y al alcance de muy pocos genios. Recuerdo cuando fui a verlos tocar en el Palacio Vistalegre (Madrid) en 2014 y, al final del concierto, fuera de toda expectativa por los setlist que habían estado tocando previamente, cogieron las guitarras acústicas y terminaron un recital espectacular haciéndome llorar como un crío.


No te va a decepcionar el trabajo de la mejor banda alemana que ha tenido el rock, con los respetos a Rammstein y a otros grandes.  Pronto vendrían nuevos éxitos para la formación y nuevos discos que pasarían a la historia y que prometo reseñar próximamente. 

domingo, 27 de marzo de 2016

Dave Evans opina sobre la situación de AC/DC

Dave Evans, vocalista de AC/DC antes de Bon Scott, ha hablado sobre la situación de la banda y ha mostrado su honesta opinión:


"Constantemente se me pregunta mi opinión sobre la última crisis de AC/DC. Honestamente creo que si Brian Johnson deja la banda Angus debería regalar su traje de escolar y formar una nueva banda alrededor suyo y grabar un nuevo disco con la nueva formación y dejar que el nombre de AC/DC continúe siendo respetado por los fans y recordado para siempre como una de las bandas más grandes de todos los tiempos 

sábado, 26 de marzo de 2016

Deep Purple - Machine Head (1972)

Calificación:
Se avecina una reseña complicada, lo tengo asumido, por todo lo que se debe decir sobre este trabajo tan importante. "Machine Head" es la obra más famosa de Deep Purple, del mismo modo que es un disco que cambió el porvenir del Hard Rock, siendo una gran inspiración para bandas que años más tarde harían historia en la música.

La banda, rompiendo con su primera etapa, la cual se caracterizó por un sonido más psicodélico, fichó a Ian Gillan para grabar el sobresaliente e imprescindible "In Rock", con el que Purple evolucionó hacia un sonido más eléctrico, convirtiéndose en una de las bandas más famosas del panorama musical. Después del éxito causado llegó "Fireball",  que siempre lo defenderé, porque me resulta infravalorado por los fans, ya que transmite un sonido más Blues-Rock, sin perder la caña. Como bien dijo Lord "No hubiera habido Fireball sin el In Rock, pero tampoco habría existido el Machine Head sin el Fireball".
Con estos precedentes llegamos a 1972, con una banda consagrada que se disponía a grabar su tercer disco junto a Gillan, y el sexto en el cómputo global. La grabación se realizó en Suiza. En un principio se iba a relizar en el Casino Montreux, el cual ardió un día antes durante un concierto de Frank Zappa, donde un loco lanzó una bengala que provocaría el fuego. La banda, precisamente, se encontraba viendo el concierto. Este hecho inspiró una canción del disco, que todo el mundo conoce, (jejeje) y que me la reservo para después . Si este incidente ya había complicado el proceso de grabación, otro suceso iba a complicar más las cosas.     La banda trató de grabar en un estudio portátil cedido por los Rolling Stones, pero al poco de empezar a tocar recibieron numerosas quejas de la gente que vivía por la zona, lo que causó que la banda tampoco pudiera comenzar a trabajar. Un buen, y milagroso, día, la banda se encontró un hotel abandonado, el "Grand Hotel", y decidieron instalar allí su estudio y comenzar a grabar en los pasillos de este edificio. Como si se tratara de un directo, todas las pistas se grabaron a la vez, con cada instrumento colocado en un pasillo diferente para evitar cualquier interferencia. Les recomiendo el documental de la serie "Classic Albums" sobre este disco, donde podrán ver vídeos y fotos de la banda dentro del hotel. El resultado...un disco espectacular....¡BENDITO HOTEL!

El trabajo comienza con "Highway Star", mi canción preferida de la banda, además de una de las más famosas de la banda y del género. Una introducción ascendente anuncia la entrada de uno de los más grandes de la historia, Ian Gillan, que abre con unos frenéticos gritos este disco. La canción habla sobre coches y mujeres. La banda está inspiradísima. En el minuto 1:58 Jon Lord, Dios del Hammond, realiza el mejor solo de teclados que he escuchado en esta vida, que te hace pensar que lo hace todo fácil, pero no lo es.  Pero amigos, este tema no se ha acabado, porque en el minuto 3:46 entra en acción Ritchie Blackmore, uno de los mejores guitarristas que ha parido el rock, para interpretar un solo histórico en la guitarra.

La batería de Paice, otro monstruo en su instrumento, del que luego hablaré más, abre "Maybe I`m Leo", un tema más lento, que podría haber estado en el "Fireball". Me encanta como se van desarrollando los versos, con esos riffs tan pegajosos y que a todos nos gustaría emular en la guitarra. De nuevo Gillan va disfrutando y desmenuzando las estrofas. El solo de Blackmore, de nuevo, perfecto, con ciertos matices de buen Blues. Lord, que no quería ser menos, interpreta con el Hammond una  melodía también bluesy.  

Ian Paice quiere volver a dar la entrada, pero esta vez de una manera más acelerada. "Pictures of Home" siempre me ha resultado un tema al que no se le ha hecho justicia. Es  una canción espectacular, algo más oscura, con unos riffs de Blackmore muy complejos. La batería de Paice hace un papel clave. Siempre me ha enamorado la forma de pegarle a los parches de este señor, lo que me ha llevado a considerarlo como uno de mis preferidos junto a Bonham y a Keith Moon.
"Never Before" es un tema con aires más de single, que me resulta muy amena y divertida. Empieza con una introducción juguetona, donde Glover, Ritchie y Paice se compenetran a la perfección. La batería cambia el ritmo y entra Gillan con su portentosa voz. Los estribillos son geniales. La parte intermedia es muy extraña, por el cambio de ritmo que experimenta el corte. Entra el solo de Blackmore y vuelve la velocidad que tanto nos gusta. La estructura es sencilla, ¡pero mira que es buena!

 Llega el tema del disco, o  por lo menos el más famoso. Cualquier humano ha escuchado el riff de este himno de una generación rebelde que estaba naciendo, así como uno de los primeros que todo guitarrista principiante aprende. "SMOKE ON THE WATER" es un clásico del Rock y de la música contemporánea, y con todo merecimiento. El In Crescendo inicial se funde en la voz de un Gillan pletórico que nos narra la historia que, anteriormente, les conté sobre el incendio del Casino de Montreux y cómo el humo perduró durante unos días en el lago que se encontraba al lado del edificio (de ahí el título :D ). El solo de Blackmore es otro de los primeros que suele aprenderse en la guitarra.

Una obra maestra, eso es "Lazy" si queremos describirlo en pocas palabras. Es una de las canciones más complejas y más trabajadas de la banda, en lo que a instrumentación se refiere. Sir Jon Lord, que ya no se encuentra entre nosotros, realiza una de las introducciones más técnicas que se han realizado con teclados. Poco a poco el resto de la banda va entrando, con un Blackmore que roza el cielo, con el Riff principal, que realizará a la par que Lord y con el solo que realiza después. Le vuelve a tocar a Lord, como si de un juego tratara, y nos obsequia con otro escalofriante solo de Hammond. El estilo, desde mi punto de vista, es Blues-Rock, pero del mejor. Gillan no entrará hasta la mitad del tema, y, aunque suene raro, se agradece, porque es una gozada todo lo que se desarrolla antes. Los versos son Blues-Rock primigenio. La armónica del cantante aparece por primera vez en la carrera de la banda.

"Space Truckin`", otro clásico de la banda,  cierra la versión original del disco. Un Riff que se puede recrear fácilmente con la guitarra, pero que nadie puede hacer sonar como Blackmore, el cual se apoya en Lord para realizarlo. La letra es un poco paranoia, pero me resulta ingeniosa, hablando de un camión que avanza por el espacio. La voz de Ian va subiendo de tono hasta fundirse en esos legendarios "Come On, Come On, Space Trunckin`". Tras el segundo estribillo, Gillan comienza a cantar gritando y lo borda, para variar. Pero ojo, que mi parte favorita entra en el 2:37, cuando Blackmore comienza el solo. Peor cuidado, no es por Blackmore, sino por el extraterrestre de la batería, también llamado Ian Paice, el cual realiza uno de las piezas de batería más espectaculares que se han hecho, combinando habilidad con velocidad, y seguirá así hasta el final del tema, acompañando los gritos de Gillan.

  "When a Blind Man Cries", extrañamente, no estuvo incluida en la versión original del disco, sino que fue la Cara-B  del single de "Never Before". Es una de las baladas más famosas y bonitas que realizó la banda en su carrera, con un Gillan que nos hace recordar su participación en la banda sonora original del musical "Jesucristo Superstar". En las remasterizaciones posteriores del disco ya podemos presumir de tener este baladón en el Tracklist. El solo de Blackmore es emotivo, como el que realizaría un par de años más tarde con Rainbow en pistas como "Catch the Rainbow" o "Rainbow Eyes".

El disco sería un éxito en mundial y tendría la repercusión que ya se comentó. La gira que acompaño a este trabajo quedó grabada en el "Made In Japan", uno de los directos más famosos del rock. Si usted, amigo y fiel lector, tiene el prejuicio de que el disco debe ser bueno por "Smoke on The Water", quítese esa idea de la cabeza, porque hay 6 temas más que son igual de buenos, y alguno, incluso, es mejor.


Desde mi visión, este sería la última obra magna de la banda con la Mark II, pese a que sacarían discos de mucho calibre como "Who Do We Think We Are?", "Perfect Strangers" o "The Battle Rages On". Me atrevo a decir que, pese a la llegada de la Mark III, con David Coverdale, Tommy Bolin o Glenn Hughes, con los que sacaron discos tan famosos como el "Burn", el Stormbringer" o el "Come Taste the Band", no tendría nunca el sonido tan característico de la Mark II. 

Para este loco que escribe, es imposible elegir entre el "In Rock", el "Fireball" y el "Machine Head". Es una de las triadas más grandes que han existido.

A disfrutar amigos!

viernes, 25 de marzo de 2016

¡Paul McCartney aparecerá en la nueva película de Piratas del Caribe!

Piratas del Caribe es una de las sagas más exitosas de Disney, recaudando la escalofriante cifra de tres mil seiscientos millones de dólares.

Si eres fan de estas películas y, además, eres rockero, te recomendamos que vayas a ver la última parte, que todavía está siendo rodada, y que llevará por título "Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales". Paul McCartney, legendaria voz, junto a Lennon, y bajo de The Beatles aparecerá junto a Johnny Depp en la nueva entrega de la saga, según ha informado el medio Deadline.

Capitán Keith Richards ;)
Recordamos que otro rockero, Keith Richards, histórico martillo de los Rolling Stones, apareció en la tercera parte ("Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo") interpretando el papel del padre de Jack Sparrow (¡casi nada!) porque, según el propio Depp, Keith fue su inspiración para crear el personaje de Jack.



Ya tenemos más motivos para aguardar el estreno de la película, la cual no tiene fecha de salida. 

jueves, 24 de marzo de 2016

¡Queremos a tu banda en el Blog!

Queremos crear una sección en el Blog donde pondremos a bandas jóvenes y/o desconocidas de Rock/Hard Rock/Heavy Metal nacionales y extranjeras con el objetivo de darlos a conocer por más gente.
Si queréis que os publiquemos solo tienen que ponerse en contacto con nosotros a través del Twitter, del Facebook o mandándonos un correo a rockinternacional2311@gmail.com

¡A rockear!

miércoles, 23 de marzo de 2016

¡Los Judas Priest comenzarán a preparar su próximo disco en abril!

Agradable noticia la que descubríamos ayer. Los Judas Priest, leyendas del Heavy Metal, se van a reunir el próximo mes para grabar un nuevo disco. Así lo ha confirmado su guitarrista, y sustituto de K.K. Downing, Ritchie Faulkner, para la revista Guitar World:

“Siempre llego con riffs y melodías. Nos juntamos y estudiamos detenidamente las ideas. Afortunadamente las ideas son geniales. Tenemos un gran legado que defender; lo llevan haciendo durante 40 años. ‘Redeemer’ fue el primer top 10 en Billboard de la banda. Es todo un trampolín, por decirlo así. Esperamos meternos en el estudio y ver a lo que llegamos”. 

Por ello, podemos confirmar que vamos a poder escuchar un sucesor del "Reedemer of Souls", cosa que todo fan de los Judas y del Metal puede agradecer.


Además, recordamos que los Priest han confirmado la publicación de su nuevo concierto  (CD y DVD) que lleva por título "Battle Cry", que fue grabado en el festival de Wacken, y que será publicado este viernes 25 de marzo. Ya podemos ver algunos fragmentos del concierto por You Tube. El DVD, además incluye 3 canciones extras que se grabaron en el Ergo Arena de Gdansk, Polonia.

Tracklist CD:

01. (Intro) Battle Cry
02. Dragonaut
03. Metal Gods
04. Devil’s Child
05. Victim Of Changes
06. Halls Of Valhalla
07. Redeemer Of Souls
08. Beyond The Realms Of Death
09. Jawbreaker
10. Breaking The Law
11. Hell Bent For Leather
12. The Hellion
13. Electric Eye
14. You’ve Got Another Thing Coming
15. Painkiller
  
 DVD/Blue-Ray


01. (Intro) Battle Cry
02. Dragonaut
03. Metal Gods
04. Devil’s Child
05. Victim Of Changes
06. Halls Of Valhalla
07. Turbo Lover
08. Redeemer Of Souls
09. Beyond The Realms of Death
10. Jawbreaker
11. Breaking the Law
12. Hell Bent For Leather
13. The Hellion
14. Electric Eye
15. You’ve Got Another Thing Coming
16. Painkiller
17. Living After Midnight
-Bonus tracks-
18.
Screaming For Vengeance
19. The Rage
20. Desert Plains

Por aquí les dejamos el tráiler:



martes, 22 de marzo de 2016

Iron Maiden - The Number Of The Beast (1982)

Calificación:
22 de marzo de 1982...se publica uno de los discos más importantes en la historia del Heavy Metal, y que supondría el primer número 1 de Iron Maiden en las listas británicas. Su título, "The Number of the Beast" (casi nada...).

Los antecedentes de este álbum se remontan a la primera época de la banda, cuando Paul Di` anno era la voz de "la doncella". Con ellos grabó dos discazos como "Iron Maiden" y "Killers", con los que la banda comenzó a hacerse un hueco en el panorama musical de la NWOBHM, junto a bandas como Saxon, Motörhead UFO, entre otros muchos.

Sin embargo, los excesos de Paul, los cuales le trajeron algún que otro conflicto, produjeron su expulsión de la banda, la cual comenzaría a buscar a un cantante de inmediato. El elegido fue, ni más ni menos, que Bruce Dickinson, el cual provenía de otra afamada banda de la época, Samson, con los que había terminado de mala manera. En su audición, la cual se conserva (gracias satanás) y la podemos escuchar en You Tube, deslumbró a la banda interpretando tres temas de sus dos primeros álbumes, como fueron "Killers", "Twilight Zone"y "Wrathchild".

Bruce llegaba a la banda para quedarse, y así fue, pese a su salida durante un breve periodo de tiempo, para volver y seguir, todavía, girando y sacando discos con Iron Maiden. Es, sin duda, una de las mejores voces que han existido, por su fuerza y por su variedad de registros.
Pero no solo este hecho merece ser destacado antes de entrar en el análisis del disco, ya que la  grabación de este trabajo fue muy peculiar y paranormal...

...resulta que la banda al fichar a Bruce tuvo problemas legales con Samson, los cuales se solucionaron al pactar que el cantante no podría componer ningún tema del disco, solo podría "dar apoyo moral". Años después pudimos saber que, realmente, Dickinson se pasó las reglas por alto, y colaboró en temas como "The Prisoner" o "Run to the Hills". La grabación se caracterizó por ser la primera en la carrera de Maiden donde se compuso la totalidad del disco durante la grabación, la cual duró, solamente 5 semanas, y en la cual la banda experimentó grandes presiones por parte de la discográfica.

Grabación del disco
Sobre los sucesos paranormales, y para darle más misticismo a este disco, durante los días en el estudio, se produjeron cortes de luz sin explicación, desapariciones de equipo y de grabaciones, de manera misteriosa, un miembro del equipo se electrocutó y, la más curiosa, Martin Birch, productor del disco, tuvo un accidente de coche, donde se chocó con un fanático religioso. La reparación del bólido le costó 666 libras...¿casualidad?  Ante tal suceso, Martin decidió pagar 667.

La portada es de las más famosas de Maiden, con un Eddie gigante que,  como si se tratara de un titiritero maneja al diablo, el cual, a su vez, maneja a una especie de Eddie más pequeño (aunque también podría ser un ser humano).

El disco abre fuego con "Invaders", donde Bruce es presentado en sociedad al mundo entero. Un tema muy dinámico, donde los versos son coreados a toda velocidad por Mr. Dickinson, el cual ya comienza a maravillar. El puente me encanta, con la voz llegando a tonalidades agudas desconocidas hasta entonces en "la doncella". Instrumentalmente, es Iron Maiden, Heavy Metal en su más alta expresión, con unas guitarras afiladas, con Harris al bajo y con Burr en la batería, que era una bestia.  La letra habla sobre la invasión de los vikingos en Gran Bretaña.

El segundo corte es uno de mis preferidos en la carrera de Maiden. "Children of the Damned" baja las pulsaciones notablemente, con sus melodías lentas y oscuras, con unos arpegios que me ponen los pelos de punta, hasta que entra Bruce y comienza a cantar como pocos. La banda realiza una interpretación perfecta de Heavy Metal, con partes más cañeras, en las cuales el sonido me recuerda, un poco, a Black Sabbath. Los estribillos son de lo mejorcito que podrás escuchar en este histórico trabajo. Llega la hora de darle caña al tema y en el 2:21 el bajo y la batería se alían para anunciar que la cosa va a cambiar. Las guitarras gemelas hacen su aparición interpretando un solo "Made in Maiden". El grito final de Bruce es para repetirlo hasta cansarse. La letra, escrita por Harris, se inspira en una película que el mismo bajista vio, la cual se llama como el tema, y trata sobre niños con poderes psíquicos paranormales, los cuales deben luchar por sobrevivir contra la raza humana. En la canción se habla sobre la muerte del último de niños, el cual muere en la hoguera. Según Bruce, su mayor inspiración a la hora de cantar este tema fue la interpretación de Ozzy Osbourne del clásico de Sabbath "Children of the Grave".

"The Prisoner" es otro temazo. La entrada de Burr en la batería es muy épica, a la cual se le va sumando la banda al completo. Los versos parecen sacados del primer disco de la banda, por el sonido más macarra en la voz de un Bruce retador. Los puentes y los estribillos son memorables. La letra tiene mucha historia. Harris se inspiró en la famosa serie de televisión "The Prisoner", protagonizada por Patrick McGoohan. Es un canto a la rebeldía y a la libertad donde un personaje rompe con la represión a la que se le estaba sometiendo, en favor de su individualidad y libertad ("I`m not a number...I`m a free man!") . Curiosamente el prisionero de la canción logra huir, pero volvería a La Villa donde estaba oprimido, como podremos escuchar en "Back in the Village" del Powerslave.

A Maiden, como acabamos de ver, le encantaba hacer canciones cuyas historias podían desarrollarse en diferentes discos. Un ejemplo de ello es "22 Acacia Avenue", que es la continuación de "Charlotte the Harlot" (Iron Maiden).  Cambios de ritmo constantes caracterizaran este corte que penetrará en ti rápidamente y te harán mover el esqueleto rápidamente . La voz de Dickinson...en fin...gloriosa. Curiosamente, la letra describe un  la zona donde vivía la prostituta Charlotte vivía y realizaba sus faenas, que curiosamente, y volviendo a la realidad,  tiene el nombre de la calle donde Steve Harris nació, así como que existen 60 calles en el Reino Unido con ese nombre.
¡Quinto corte! Abróchese el cinturón amigo lector, porque llega el himno de las criaturas de la noche, y no es "Thriller" (con los respetos).  "The Number of The Beast" fue el tema que lanzó a Maiden al estrellato y que, a día de hoy, es uno de los himnos indiscutibles de la banda. La letra nace de una pesadilla que tuvo Steve Harris al ver la película Damien: Omen II (La Profecía II). Aunque también, el bajista ha declarado que se inspiró en un poema de Robert Burns, "Tam O`Shanter" .
 La canción posee un intro vocal grabado por el actor Barry Clayton, pese a que en un primer momento querían que fuera el mismísimo Vincent Price el que se encargara de dicha labor. En ella se citan dos pasajes de la Biblia: 12:12 y 13:18,los cuales he puesto a modo de presentación de esta reseña, y que todo fan del Heavy Metal ha escuchado alguna vez en su vida.

Anuncio del disco
Entonces el himno arranca con las guitarras muteadas de Adrian y Dave, junto a Steve. La voz de Bruce comienza a semi-susurrar los versos, hasta que, junto a la subida de tono de la música, la voz  sube el volumen hasta culminar en EL GRITO MÁS ÉPICO DEL HEAVY METAL. ¿¿¿De dónde sacó tanta mala leche Dickinson para pegar semejante rugido???  La canción es una delicia. Los versos son pura potencia, los estribillos, que todo el mundo ha escuchado alguna vez, son históricos y los solos son pura magia negra. Es uno de los temas más importantes de la historia, amigos, no se olviden.

Para variar, la Iglesia trató de vetar este tema porque, supuestamente, poseía contenido donde se alababa a Satán, cuando realmente no es así, pero la historia ha demostrado que la religión siempre ha tratado de eliminar canciones, sin motivo alguno. Y si fuera satánica, ¿qué más da? . El propio Harris afirmaba: "Básicamente, esta canción es acerca de un sueño. No se trata de la adoración al diablo."
Se viene otro clásico indiscutible de la banda. Una batería desfilando anuncia la llegada de la famosísima "Run to the Hills".  Un primer riff de guitarra lento da la entrada a Bruce, el cual comienza a cantar a las mil maravillas. Después comienza la velocidad, esa cabalgada tan característica en Maiden, que nos transportará al potente estribillo que tantas veces he coreado "Run to the hills! Run for your lives!". ¿La letra? de las mejores que Harris ha hecho en su carrera. Con Maiden puedes aprender un montón de sucesos y hechos históricos....¡¡y acompañado de buena música!! En esta ocasión, el tema nos habla de la conquista por parte de los ingleses de los indígenas norteamericanos, hablando de la opresión que ejercieron sobre éstos al llegar al "Nuevo Mundo".
Pero la estructura de la letra es más compleja de lo que parece, ya que vamos a ver la misma historia narrada por ambos bandos, y por una tercera persona. En la primera parte se hará referencia al punto de vista de los pueblos nativos sobre la llegada de los ingleses(El hombre blanco llego cruzando el mar// Nos trajo dolor y miseria.//Mató nuestras tribus y credo.//Robó nuestra habilidad para sus propias necesidades.)  , en la segunda,  es una descripción que hacen los anglosajones sobre los indígenas (Galopando intensamente en las llanuras.//Cazando a los pieles rojas hasta sus agujeros//Luchando contra ellos en sus terrirorio), y la última parte estará narrada en tercera persona (Violando las mujeres y echando a perder a los hombres.//Los únicos indios buenos son los dominados.)...es pura crítica, pero ¡Vaya letra!

Para variar, la letra trajo la indignación de la Iglesia, y los calificó de satánicos, y no por su letra...¡por tener un sonido diferente a lo que se estaba haciendo!
"Gangland" llega tras estos dos trallazos, y no va a bajar en potencia, ya que, desde su inicio, Burr nos avisa con la batería que la banda va a darlo todo hasta el final del disco. Me gusta la parte en la que Bruce dice eso de "Deadman Tell No Tales//In Gangland murders up to sale" ("Los muertos no hablan//En el mundo del del crimen los asesinatos están en venta"). La letra, ojo, fue escrita por Clive Burr, y no por Harris, y nos habla de un ex matón que se arrepiente de su pasado. Me encantan los gritos de Bruce, que realiza en momentos puntuales de la canción.

En la versión original del disco no se incluyó "Total Eclipse", pero en las remasterizaciones posteriores si se publicó , por lo que lo vamos a reseñar.  La introducción instrumental es una gozada, que termina uniéndose con el riff principal. La voz de Mr. Dickinson, como siempre, es de otro mundo. El puente es espectacular, con un sonido más duro y grave. El estribillo tampoco desmerece. La letra, que sí fue escrita por Steve, describe un eclipse total, donde imperará el miedo y la oscuridad.

El disco termina en una celda fría, donde un hombre espera su turno para visitar la orca, y donde pondrá final a su lenta agonía de muerte. "Hallowed Be Thy Name" representa uno de los mejores temas, ya no solo de Maiden, sino del Heavy Metal, por la letra y por el sonido que los dioses británicos fueron capaces de sacar de sus instrumentos y cuerdas vocales. La introducción, donde Bruce se mete en el papel del preso, con campanas y acordes de octavas acompañándolo, hasta fundirse en pura electricidad. Los versos son de lo mejor que ha cantado Bruce, con una fuerza que le sale del alma. El pasaje instrumental que nace en la mitad del tema es un orgasmo musical, donde veremos las guitarras más afiladas del metal, Adrian Smith y Dave Murray en un duelo épico, acompañados de las cabalgadas de Harris.  La letra, pese a que ya adelanté el contenido, hace un retraso psicológico del preso espectacular, donde lo vemos experimentar la angustia, después el terror y, al final, esperanza de volver  algún día a vivir, o de seguir viviendo después de la horca, aunque solo perdure el alma . Me quedo con una frase flipante, y que poco tuvo que gustarle al clero, que grita eso de "Mientras los guardias me arrastran al patio, alguien desde una celda me dice "Que Dios esté contigo"....Si hay un Dios, ¿por qué me ha dejado morir".

 Ha llegado el final de una obra maestra de la música. He escuchado pocos discos como este, con una banda inspiradísima, joven y con ganas de conquistar el mundo. Maiden logró hacer historia, escribiendo su legado, y convirtiéndose en uno de los máximos estandartes del Heavy Metal...Up the Irons!!!!


Formación:

Bruce Dickinson - Voz
Steve Harris - Bajo
Dave Murray - Guitarra
Adrian Smith - Guitarra
Clive Burr - Batería




lunes, 21 de marzo de 2016

AC/DC - Let There Be Rock (1977)

Calificación:
¿Por qué este disco es tan especial para este personaje que escribe?

Obviamente nos encontramos ante un disco 5 estrellas, donde nos encontramos con auténticos clásicos de AC/DC y del Hard Rock, pero hay algo más.

La cuestión es personal. Fue el primer disco que me compré, con solo 5 años, así como el que me inició en el rock y en AC/DC, la cual se convertiría en mi banda favorita.

Y es que este disco me parece un auténtico diamante que muy pocos rockeros lo han sabido valorar como se merece, como suele ocurrir con numerosos trabajos. Un disco totalmente diferente en la banda, aunque en la era de Bon Scott cada disco tenía su sonido característicos, con porciones de blues rock o de auténtico Hard Rock, como es este "Let There Be Rock".

El disco arranca con un tema que no es de otro planeta, sino de otra dimensión, es celestial, es "Go Down". Tras el  "One,two, Three" de Bon Scott, arranca la música y con él, esta obra memorable. Un tema que lo tiene todo; una letra guarra, al más puro  estilo Bon Scott (no será la única del disco), un acompañamiento musical épico de toda la banda, aunque cabe destacar el solo de guitarra de Angus, el cual establece  un diálogo con Bon  (el que la haya oído sabe a lo que me refiero) que es novedoso y de maestros. Una canción que nunca ha sido tan conocida y amada como tendría que haber sido.
Un clásico con aires de single, eso es "Dog Eat Dog". Es cañera, pero a la vez animada. Un tema que se merece un 10. Destacar los solos de Angus y los acompañamientos vocales que ofrece Malcolm casi al final del tema. Una canción con una estructura y un riff sencillo, pero a la vez pegadizo y fácil de enamorar a cualquier fan.

Se para el tiempo cuando llega uno de los mejores temas que ha dado la música, según un servidor, y un buen puñado más. Mi tema favorito de la banda junto a la última de este mismo disco. Estamos hablando de "Let There Be Rock". Si se habla de metateatro cuando en una obra dramática aparece dentro de una representación teatral, este tema debería considerarse "metamúsica" ya que dentro de un tema rockero se hace mención a semejante género, ironizando mucho sobre su origen. Canción de ritmo intenso, destacable aquí a Mark Evans y su omnipresente bajo. Los tres solos de Sir Angus Young deben resonar varias veces al día en la mente de los fans de la banda. En lo vocal, Bon hace una de las mejores interpretaciones que el malogrado cantante enterrado en Perth hizo en su vida. Recomiendo acompañar el tema con su videoclip, mi favorito simplemente. Ver a la banda tocando en una iglesia, con Bon Scott disfrazado de cura y cantando como si estuviera dando una misa, Angus con una aureola, como un santito, y los demás chicos de monaguillos...una gozada de video y de canción.

La cuarta es la fuerte "Bad Boy Boogie", con una exhibición vocal de Bon, y con un riff principal de los Young que es perfecto. Un puente fantástico que da entrada a un estribillo corto pero eficaz. El instrumental de Angus es otro de los favoritos de un servidor.  Un gran tema que siempre da gusto escuchar.   En las giras de la era con Bon, esta canción iba acompañada por un striptease de Angus y, por lo tanto, se alargaba más de la cuenta. En definitiva, una de mis preferidas.

La quinta, en la edición europea, es "Problem Child", que es la misma canción que encontramos en el álbum "Dirty Deeds Done Dirt Cheap",  solo que un minuto más corta. Un temazo que, al igual que la ya mencionada "Dog eat Dog", pese a su estructura simple aporta muy buen rollo y siempre es de agradecer su escucha. 

Una guitarra tranquila comienza a sonar sola, y pronto se van uniendo los demás instrumentos, al estilo "Live Wire", del álbum High Voltage". Me refiero a la infravalorada "Overdose". Una canción que posee un ritmo perfecto para que Bon lo aproveche y nos deleite con su vozarrón. La letra es fiel a las "baladas de amor" de Scott. Se la dedica a una mujer que a Bon le provoca una sobredosis (Overdose) mayor que cualquier droga...una balada al estilo AC/DC jeje

La séptima es otro clásico de la banda muy querido por todos sus fans, "Hell Ain`t  a Bad Place to Be". Un riff principal pegadizo y recordado por todo el que lo escucha. Muy recomendable el  puente - estribillo, Bon llega a notas muy altas. Un tema que no falta en las presentaciones en vivo de la banda y que el respetable tiende a corear dicho ritmo tan pegadizo.

La última del disco, y toca hablar de un himno de la banda, y de mi otro tema preferido de estos dioses, junto a "Let There Be Rock", la increíble "Whole Lotta Rosie". Ese riff principal es sinónimo de estar escuchando a los dioses del Olimpo tocando con un cantante que es superior a cualquier otro. Una letra potente, guarra, rebelde, faltona, pero a la vez  divertida y que te pone los pelos de punta, aunque seas calvo (no es broma). Esta tierna historia habla de una mujer llamada Rosie, que tuvo relaciones sexuales con Bon Scott. Según éste, nunca pensó que una mujer con grandes medidas, ya que la letra la pone como si fuera más que gorda, iba a regalarle una noche tan especial. El tema en sí es un derroche de rock más cercano al heavy metal. El solo de Angus debe ser el mejor que ha hecho en su carrera, y el mejor instrumental que he oído en mi vida, respetando los gustos de los demás. La voz de Bon, mejor no la nombro más, pero imagínense lo que pienso.


 Así se termina uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida. Un placer para mis oídos escucharlo de principio a fin y poder hablarles de mi experiencia con esta piedra filosofal. Muy recomendable para cualquier persona que se esté iniciando en la banda y quiera entender por qué AC/DC está donde merece estar. 

domingo, 20 de marzo de 2016

AC/DC - `74 Jailbreak (1984)

Calificación:
En 1984, ya con AC/DC metidos de lleno en la era de Brian Johnson, decidieron rendir tributo a su anterior cantante, Bon Scott, publicando un pequeño disco que se tituló "`74 Jailbreak". 

Cuando ves la lista de canciones por primera vez, lo primero que se te pasa por la cabeza es lo corto que es el disco, incluyendo solamente 5 canciones. Pero todas esas dudas y posibles críticas que puedes experimentar, querido lector, desparecen después de escucharlo, porque son 5 canciones, que más que canciones, son himnos.

Comenzando por el contenido del disco, este es una recopilación de 5 canciones, como ya he mencionado, que fueron publicadas en las ediciones australianas de "High Voltage", de donde salen "You Ain`t Got a Hold On Me", "Show Business", "Soul Stripper" y "Baby Please Don`t Go, y de "Dirty Deeds Done Dirt Cheap", de donde procede "Jailbreak", pero que al salir las ediciones europeas quedaron descartadas.

Comenzando a analizar las canciones una a una, nos encontramos con la homónima "Jailbreak" para comenzar el disco. Este tema es de los más famosos de la era de Bon y de la banda, con un estribillo pegadizo, con unos acordes de guitarra geniales y una intervención del bajo buenísima. Esta canción posee dos videoclips, uno sencillo de la banda tocando en una especie de escenario y otro de la banda tocando en una cárcel, con Malcolm y Mark Evans disfrazados de policías, mientras que Angus va disfrazado de preso, que me resulta bastante divertido...le pegan un tiro a Bon!!   Cualquier fan de la banda, que sea realmente aficionado a esta banda, debe conocer este tema. La mejor parte de la canción sucede justo después del solo de guitarra, cuando suena únicamente el bajo, y comienza a cantar Bon  " Heartbeats they were racin' freedom he was chasin'.spotlights, sirens, rifles firing,but he made it out with a bullet in his back!". Un auténtico temazo.

La segunda del disco es la infravalorada "You Ain`t Got a Hold Me". Una canción sencilla con un gran estribillo, muy en la línea de AC/DC, con un trabajo instrumental muy bueno, cosa que no me sorpende, y con Bon Scott, como siempre, a un nivel digno de un Dios. La letra es bastante destacable en este temazo.

Llega "Show Business", y con ella el Rock and Roll clásico que la banda ha sabido tocar muchas veces a la perfección. Un tema que es recomendable para cualquier amante del rock de los 60. El solo de Angus es muy bueno, emulando a su gran ídolo Chuck Berry.

El cuarto tema es para tenerlo muy en cuenta, porque si no lo has escuchado antes te enganchará. "Soul Stripper" es, en mi opinión, una de las grandes canciones de las mejores canciones de la banda, y que nunca será reconocida como tal. Una introducción instrumental pausada, con un Mark Evans repitiendo un ritmo en el bajo que es épico, los hermanos Young haciendo sus respectivos acordes y solos, la percusión suena muy novedosa en esa introducción, y cuando entra Bon es el remate a este temazo, con una letra brutal, y con un estribillo fuerte y directo. El instrumental de mitad de la canción es una genialidad del señor Angus Young.

El disco termina con el cover que hizo la banda del famoso "Baby Please Don`t Go" de Big Joe Williams. El señor Joe Williams tuvo que quedarse satisfecho tras escuchar este cover tan animado y rockero. Instrumentalmente es la bomba, dos guitarras entrecruzadas que demuestras que los Young son uno de los grandes tándem del rock. Bon Scott vuelve a dar una lección de voz. A mitad de tema, más o menos, la canción entra en un parón que vuelve a levantarse poco a poco; primero batería, luego entra el bajo con aplausos de fondo, luego entra Malcolm, Angus y por último Bonny con ese "Baby Please Don`t Go".


Este trabajo de la banda es totalmente recomendable, un disco que se merece las 5 estrellas. 

¿Nanas rockeras para bebés?

"Twinkle Twinkle Little Rock Star" es una curiosa compañía que se dedica a transformar canciones de distintas bandas de Rock, Heavy Metal, Hard Rock en nanas para bebés (lo que escuchas), ha anunciado la salida de nuevos discos de nanas que incluirán temas de Anthrax, de Rammstein o de Ozzy Osbourne, entre otros. 

Sin duda resulta sorprendente la propuesta de esta compañía, la cual nació con el objetivo de ayudar a los padres a conciliar el sueño de sus hijos mientras escuchan algunas pistas clásicas versionadas como canciones de cuna.  

Tienen su canal oficial disponible en You Tube, donde pueden ver algunas nanas que ya han salido anteriormente, como Ace of Spades (Motörhead), Anarchy in the UK (Sex Pistols), I Miss the Misery (Halestorm), I Don`t Wanna Miss a Thing (Aerosmith),....

Ahora los padres podrán instruir a sus hijos desde muy jóvenes en el mundo del rock ;)

sábado, 19 de marzo de 2016

Jethro Tull - Aqualung (1971)

Calificación:
Querido lector:

Si nunca ha escuchado este disco, está cerca de ponerse en presencia de uno de los discos más importantes en la carrera de Jethro Tull, así como de los años 70.
La banda del genio Ian Anderson se había caracterizado por trabajos con unas bases más cercanas al blues rock, a las cuales le introducía elementos de jazz y hasta de música clásica (Bouree). "This Was", "Stand Up" y "Songs from the Wood" son discos notables donde la banda ya había comenzado a ganarse fama, y muy merecidamente. Pero lo mejor estaba por llegar con "Aqualung", donde la banda adquirió un sonido más rockero, pero a la vez más progresivo.


El álbum tiene ciertos aires de obra conceptual ya que se divide en dos partes donde sus canciones tratan dos temáticas por encima de todo.
La primera parte se titula, al igual que el disco, "Aqualung", y habla sobre la parta más humana del espíritu humano, la cual es encarnada por el vagabundo Aqualung, el cual es descrito a la perfección a lo largo de los primeros temas.  La cara B es una crítica directa hacia el cristianismo y hacia la Iglesia. En el interior del vinilo se hace referencia a la relación dios-hombre donde se puede leer "En el inicio, el hombre creó a Dios".

Como carta de presentación tenemos uno de los riffs más conocidos del rock, el cual introduce a la homónima "Aqualung". Una canción sobresaliente por su compleja estructura, donde vamos a ver cambios de momentos eléctricos a acústicos, que se adaptan a lo que se va narrando. Se nos presenta al vagabundo y su modo de vida. Es una canción perfecta.

La flauta de Anderson aparece, por fin, en "Cross-Eyed Mary", donde realiza una introducción ascendente, a la que se le va uniendo la banda que seguro que se graba rápido en tu mente. Instrumentalmente hablando, es de lo mejor y de lo más cañero del disco. El estribillo, que es acompañado con cencerro en la percusión, es maravilloso. En cuanto a la letra se nos presenta a otro personaje de los barrios pobres, una niña adolescente que se prostituye con viejos como Aqualung a cambio de unas pocas monedas. Canción recomendada 100% para los fans de la buena música.

"Cheap Day Return" es un pequeño acústico instrumental que, según he leído, simboliza un viaje que Ian realizó en tren a Blackpool para visitar a su padre, que estaba ingresado en un hospital. 

Rápidamente conecta con "Mother Goose" , que es algo más Folk que su predecesora, que se asemeja a varios temas del tercer trabajo de Led Zeppelin. El tema narra diversas situaciones surrealistas que suceden en un parque de Hampstead Heath, donde aparecen diversos personajes clásicos, y también ficticios.

"Wond`Ring Aloud" es otra pieza acústica, corta pero muy bella.  La guitarra tiene una presencia clave en la canción, aunque el piano también hará acto de presencia.

La cara A acaba con mucha calidad y caña. "Up to Me" es más energética que los tres anteriores cortes, con un riff principal más travieso y movido que los anteriores.  La ironía estará presente en la letra, donde se compara la vida del hombre rico con la del mendigo.

Ian Anderson...responsable de este discazo
La cara-B arranca con mi canción preferida de la banda, "My God". Esa introducción de guitarra, que se asemeja al estilo del mismísimo Tony Iommi, que se funde en la voz de Anderson y el piano. La letra es un golpe directo contra la religión y contra Dios, pero escrita con mucho estilo. El momento en el que entran la batería y la guitarra eléctrica me pone los pelos de punta. La canción, entonces, experimenta una subida de tono mágica, donde ya se hace mención a la Iglesia de Inglaterra . Pero, de repente, llega la mejor parte del disco, arranca el solo de guitarra y, tras éste, empieza la magia de Anderson en la flauta, donde hará el mejor solo de su carrera, que se va combinando con una especie de cantos gregorianos, que me resultan cómicos por la forma en la que siguen el ritmo... . La canción recupera su sonido y finaliza con las espadas en todo lo alto. Recomiendo ver la versión en directo en el festival Isle of Wight, donde Ian se lo pasa genial en el solo, y se vuelve completamente loco.

"Hymn 43" es otra de mis preferidas del disco. Muy dinámica y divertida. La voz de Ian me resulta diferente a lo que veníamos escuchando en el disco...¡ y eso me encanta! La letra, de nuevo, pura sátira antireligiosa donde se habla sobre las calamidades que se han hecho en nombre de la religión cristianam soltando frases tan directas como " If jesus saves - well, he’d better save himself from the gory glory seekers who use his name in death”...una animalada de canción.

"Slipstream" es un breve pasaje acústico donde Ian canta muy suave y correcto. Escuchamos arreglos de violines y todo.

Dichos instrumentos se conectan con la siguiente pieza, con la que me erizo. El piano, que es ejecutado con maestría, nos anuncia la llegada de la famosa "Locomotive Breath", que es de los himnos de Jethro.  Y es que, haciendo honor al título, el sonido parece seguir el ritmo de una locomotora. El solo de flauta de Anderson, de nuevo vuelve a demostrar la magia de este talentoso personaje. La letra habla de la vida de un hombre que marcha hacia su fin como si de una locomotora sin frenos se tratara. En España, en la época franquista, esta canción fue eliminada del disco por su contenido.

El cierre no podía bajar el nivel, por lo que compusieron "Wind Up", que es otra canción muy variada y perfectamente compuesta. La voz de Ian parece hasta teatralizada en algunos momentos, lo que le da aires de canción de musical. Es un tema que va subiendo las pulsaciones poco a poco, con la guitarra y la batería, llegando a formarse un tema con un sonido más cercano al Hard-Rock. El solo de guitarra de Mr. Martin Barre es muy bueno y efectivo, pese a su corta duración. El tema cierra con calma, despidiendo un disco que pasaría a la historia.

Luego llegarían discos importantes como el "Thick as a brick", considerado por muchos como el mejor,  o el "Wild Horses" pero yo me quedo con este "Aqualung" donde Anderson y sus muchachos alcanzaron su primer gran éxito mundial.


miércoles, 16 de marzo de 2016

Motörhead - Bad Magic (2015)

Calificación:
El 28 de diciembre de 2015 perdimos a uno de los nuestros. El emblemático Lemmy Kilmister fallecía tras no poder hacer frente a un cáncer letal. La noticia conmocionó al mundo del rock y del metal, ya que Lemmy no era un músico cualquiera. Lemmy era rock and roll.

Curiosamente 5 meses antes, un 28 de agosto, Motörhead publicaba el que sería su último disco de estudio antes del fallecimiento de este icono, lo que hace de este trabajo algo especial y emotivo.
"Bad Magic" fue publicado para festejar los 40 años de carrera de la banda.  Una carrera en la que han mantenido su sonido siempre, sin realizar grandes variantes, lo que resulta extraño en una banda tan longeva y que ha vivido el decaimiento de la música hacia un sonido más comercial. Y es que el nuevo trabajo de Motörhead mantiene el sonido de la banda en alza, lo que  le ha costado alguna que otra crítica, lo cual me parece injusto, ya que se sabe de antemano que un disco de Motörhead va a sonar a Motörhead, y no va a variar, cosa que me encanta.

Junto a Lemmy vamos a tener el honor de escuchar a sus escuderos Phil Campbell, excelente guitarrista, y el bueno  de Mikkey Dee, de los mejores baterías que hay en la actualidad.
El disco se compone de 13 cañonazos, 12 de los cuales son de cosecha propia y, sorprendentemente uno no lo es. Luego sabréis a qué me refiero.

El ritmo comienza con "Victory or Die" (Victoria o Muerte) y ya tenemos el primer trallazo 100% Motörhead. Lemmy se muestra mayor en la voz, sin necesidad de requerir a autotune. Tema para mover la cabeza hasta que se desprenda del cuello. Solo con leer el título ya sabes lo que se avecina. Phil Campbell, como hará a lo largo de todo el disco, nos regala un solo violento. Don Mikkey Dee marca el ritmo como pocos.

"Thunder and Lightning" fue el primer single de la banda, que fue publicado en junio, y que me sacó los elogios y las lágrimas de emoción porque los dioses del Speed habían vuelto. De lo mejor que encontrarás en el disco. Violencia al más puro estilo Lemmy, con una letra sobresaliente que invito a que leas y con una banda pletórica.

"Fire Storm Hotel" tiene un riff de Campbell que me encanta y me suena hasta novedoso en Motörhead, sin perder su esencia. Estribillo fácil, pero que no deja de ser bueno. Me encanta el momento en el que el bajo de Lemmy se queda solo interpretando una escala de esas que tanto le gustaban al maestro, y grita "Burn!".

Otro temazo es "Shoot Out All of Your Lights", donde Mikkey Dee entra con mucha furia. Probablemente de los temas con más fuerza que encontrarás aquí. Un estribillo perfecto, con los coros acompañando a Lem.

La banda decidió invitar a Brian May (Queen) para el solo de "The Devil", el cual realiza con mucha precisión, como siempre ha hecho este mítico guitarrista, que nunca me ha maravillado, pero que hay que reconocer que hizo una buena colaboración. Un tema bastante bueno, aunque no mi favorito.  
El segundo single del disco fue "Electricity", un tema que me encanta y que me parece el más bailable del disco, así como el que trasmite mejor rollo, aunque realmente realiza una crítica fuerte ante las religiones. La letra es pura poesía, con la que me siento identificado. "La inocencia no debe nunca comprarse con dinero" canta uno de los versos. Los solos y todo se salen en el tema. Una curiosidad sobre el tema es que cuando murió Lemmy, en Austria, o por ahí, en el ayuntamiento tocaron las campanas de tal forma que sonara el ritmo de este tema.

Ahora sí que viene una canción buena de verdad.  Una batería salvaje anuncia la llegada de "Evil Eye". Una canción oscura y rápida, donde podemos escuchar a Lemmy cantar notas graves donde puedes escuchar al mismísimo diablo. Los dos minutos y veinte segundos que dura son para disfrutar porque no tiene desperdicio. El momento previo al solo de Campbell es genial por la atmósfera que se crea.

"Teach Them How To Bleed" (Enséñalos cómo se sangra) es otra bomba que está cerca de explotar en tu cabeza. El bajo de Lemmy inicia el tema y tiene hasta un pequeño momento solista en el intermedio instrumental. Otra pieza de Speed Metal que solamente ellos saben hacer.

¡OJO a la siguiente! Una balada irrumpe en el disco. "Till the End" es una maravilla, sin más. Una canción triste, muy en la línea de baladas anteriores de la banda como "One More Fuckin` Time". Es uno de los momentos más destacados del disco, que adquiere más emotividad cuando recuerdas que poco después se marchaba Lemmy.

"Tell Me Who To Kill" (Dime a quién matar) entra anunciando que se acabaron las baladas para volver a vibrar. Es de las canciones más flojas del disco, o por lo menos de las que menos te engancharán querido lector.

Sin embargo, "Choking on Your Screams" vuelve a levantar el disco. Digamos que es el vástago de "Orgasmatron" (¡casi nada"). La manera de cantar de Lemmy me recuerda mucho a ese tema tan famoso que nos regaló la banda allá por los 80, y que les recomiendo escuchar.

"When the Sky Comes Looking for You" (Cuando el cielo viene buscándote) es otro notable tema, que es pegadizo y que es garantía de que te guste, porque no pierde la seña de identidad de la banda. Tiene videoclip además, y fue dirigida por un español.

Esos eran los 12 temas de producción propia. Sin embargo falta por comentar un cover que quiso incluir la banda en el disco, por petición del famoso luchador de la WWE Triple H. Sorprendentemente el tema elegido por la estrella americana fue "Sympathy For The Devil", clásico tema de los Rolling Stones. La interpretación es una joyita que no tiene nada que envidiar a la original. El piano es tocado por Phil.

Con este clásico del rock se cierra el epitafio de Motörhead. Un disco que no llega a ser un "Overkill", un "Ace of Spades", un "Bomber" o un "Orgasmatron", pero que se merece un 9 como una catedral.


GRACIAS MOTÖRHEAD por 40 años de puro metal y por discos tan grandes y que permanecerán siempre en nuestra mente. Y, más importante aún, GRACIAS LEMMY por tus 70 años de existencia, por haber dado todo hasta el final de tus días, por tu personalidad, por tu legado, por ser la banda sonora de mi vida... Hasta siempre Lemmy...hasta siempre amigo!!   

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